André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Dette abstrakte skulptur af den anerkendte schweiziske kunstner André Ramseyer (1914-2007) blev omkring 1970 direkte købt af kunstneren og er karakteristisk for hans stil, der blev stærkt påvirket af Henry Moores geometriske abstraktion. Hans værk i denne periode fokuserer på interaktionen mellem "fyld og tomrum", hvor det cirkulære hul i skulpturen er et klassisk element i hans vormentaal. Selvom mange af hans mest kendte værker er støbt i bronze, arbejdede han også med stenarter som marmor og alabaster. Dette særlige stykke ser ud til at være lavet af en poleret marmortype. Skulpturen er nummereret 1/1 og forsynet med hans karakteristiske monogram. Dimensionerne er 28 cm lang, 18 cm høj og 12 cm dyb. De sidste 3 fotoer er af lignende værker fra samme periode.

Genopstår
Atelieret hos kunstneren
Familien van Vliet, Eindhoven (1971)

Vigtigt !!
Den sorte massive base medbringes ikke på grund af vægten (>25 kg) medmindre skulpturen afhentes.

André Ramseyer
For André Ramseyer var billedhuggeri et sandt kald: "Jeg kunne ikke gøre andet. Jeg adlydede et indre kald." Et kald, som han forsøgte at besvare, ikke uden smerte: "Du stræber efter et mål, der bliver stadig fjernere, jo tættere du kommer. Kunstneren kommer altid til kort i det, han ville opnå. Det er en kilde til lidelse og samtidigt en kilde til inspiration," fortalte han ved 90-års alderen til Dominique Bosshard (i Neuchâtel Express, 31. januar 2004).

Efter at have studeret hos Léon Perrin (1886-1978) i La Chaux-de-Fonds og fulgt undervisning ved Montmartre og Montparnasse Frie Akademier i Paris, behandlede André Ramseyer menneskekroppen i en stil, der afspejlede hans beundring for mestere som Rodin (1840-1917) og Maillol (1861-1944). Det sidste figurative værk af billedhuggeren er De Badende, der kigger ud over svømmebassinet midt i den formelle have foran Hôtel DuPeyrou i Neuchâtel. Dette var et vigtigt milestone i hans karriere: for det første fordi det var hans første store officielle opgave, og for det andet fordi værket skabte kontrovers. André Ramseyer måtte forsvare det overfor en gruppe modstandere, der holdt fast ved traditionel kunst. Det tog fem år, før værket blev afsløret, selvom kunstnerens oprindelige projekt daterede sig tilbage til 1948.

Efter at have tilbragt tid i Ossip Zadkines atelier (1890-1967) bevægede André Ramseyer sig gradvist i retning af abstraktion. Parenes figurer, som han skabte, fik forenklede, raffinerede former, med tomrum mellem deres kroppe. Han formulerede sin udvikling således:

"Det var i 1948, efter De Badende i Hôtel DuPeyrou, at jeg tog afstand fra den figurative kunst. Efter et år i Paris arbejdede jeg sammen med billedhuggeren Ossip Zadkine. Under hans indflydelse udviklede jeg mig langsomt til en form for frihed, som jeg havde længtes efter." Zadkine forblev en figurativ billedhugger, men han tillod sig friheder med den menneskelige krop, friheder som jeg har overtaget, som i Trost, en skulptur der nu står på pladsen i Biel/Bienne; det er stadig den mandlige og den feminine krop, men behandlet med stor frihed.

Da André Ramseyer begav sig ud i abstraktionen, blev denne kunstform af det store publikum og endda af mange kunstnere, som Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) og Paulo Röthlisberger (1892–1990), stærkt bedømt. Ramseyer fortæller, at den sidste, under et ophold i Paris, var fristet til at male non-figurativt, men gav op. "Stående foran en skulptur af Marino Marini sagde han endda til mig: ‘Dette er ikke noget for os.’" Hvad Léon Perrin angår, bedømte han nu den tidligere elevs værk som "barnsligt, næsten ødelæggende!"²

André Ramseyers venlige malere, som Georges Froidevaux og Claude Loewer, der også havde vendt sig mod abstrakt kunst, stødte på den samme misforståelse: publikum i Neuchâtel kiggede simpelthen ikke. tempoet kunne ikke holdes. Ikke desto mindre gjorde regionen Neuchâtel og Jura fra femtallet en spektakulær entre i den moderne kunsttid; billedhuggeren André Ramseyer var en af de første, der turde forlade den figurative kunst og gav sine udforskninger af cirklen en personlig dimension, selvom hans værker havde ekkoer af Jean Arp eller Henry Moore (som han opdagede i 1950 i Berns Kunstmuseum).

Disse formale udforskninger blev stadig mere innovative, med risikoen for at såre nervesystemet hos Neuchâtel-publikummet, der stadig var modtageligt. Så skrev Courrier de Genève i 1960, efter afsløringen af en skulptur på facaden af Winterthur forsikringsselskabets bygning i Neuchâtel:

"For dem, der er interesserede – og vi tror, at der er mange – vil vi påpege, at bronzemotivet på facaden af bygningen, skabt af billedhuggeren Ramseyer, bærer titlen Envol (Flugt), hvilket er godt at vide."³ Kunstneren ønskede at integrere værket i arkitekturen igen. André Ramseyer forklarede dette i Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Til denne særligt moderne bygning var målet at vælge et enkelt motiv, egnet til udendørs bruk, synligt på lang afstand og også for bilister, endda dem der kørte forbi hurtigt.” Jeg valgte et spil af rundinger, der i modsætning til byggede lodrette og vandrette betegnede bygningen. Det var nødvendigt at skabe et stigende tempo, lydhørt over for den store opadgående bevægelse af facaden og den lange rektangulære væg, der skulle udsmykkes. Jeg vil understrege, at dette værk – som jeg kaldte Flugt – ikke repræsenterer noget særligt. Det er et skulpturelt element, hvor man kun bør se et spil af former og rytmer. Nutidig arkitektur kræver nutidig skulptur.”⁴

André Ramseyer skabte utallige monumentale værker og begyndte en dynamisk dialog med arkitekturen. Han var altid optaget af at integrere sig i stedets ånd, lege med rummet, lyset og materialerne på de steder. Ifølge Olivier Bauermeister frembringer Ramseyers skulpturer "gradvist det rum, de har brug for, i en uafbrudt bevægelse fra begyndelse til slutning."5

André Ramseyer fandt en original vej gennem variationer af cirkelformen. For ham var " kuglen den smukkeste af alle linjer..." Han gav også en central plads til" magien af Tomrummet", som bebor og gennemtrænger formen. De ydre poler af det materielle og det immaterielle mødes således. Kunstneren sagde ofte, at hans værker udvikler sig i rummet, ligesom rummet gennemstrømmer dem. Han ønskede, at de "strålede indefra". I sin monografi om kunstneren fra 1979 skrev Marcel Joray: "Former født af cirklen, symbol på himlen, og af snit født af firkanten, symbol på jorden, forøges. Cirklen vil blive den centrale form i alle Ramseyers skulpturer, der søger at nå tegnet, åndeliggjort materiale." Billedhuggeren gentog dette punkt (i L'Express, 31. januar 2004): "I et kunstværk er der materie, rum, lys, alle færdigheder, man kan lægge i det. Men der må være en ekstra, væsentlig dimension, som jeg ville kalde åndelig. Kunstværket udsender sine egne vibrationer."

Cantata of Gates of Day (1988-1990) indtager en unik plads i hans oeuvre. André Ramseyer gik gentagne gange forbi granitpladerne, som hans nabo, en stenhugger, havde lagret ved sit værksted. En dag følte han trang til at hugge arkitektoniske former ud af disse plader og tilføre subtile graveringer som en hyldest til selve materialet. Denne tilgang gjorde mange urolige, og endda kunstneren selv havde svært ved det.

André Ramseyer har flere gange talt om sit arbejde i interviews og foredrag. Han skrev også teksterne til anden del af monografien, der udkom i 1994 gennem Éditions du Griffon.