Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Katalog over malerier af Sergio Romiti (Bologna, 1928-2000). 2 bind som tilsammen udgør 992 sider, og præsenterer hele artistens arkiverede produktion (1.640 turist malerier gengivet i sort/hvid og 137 værker i farver). Forlagsæske. I udmærket stand – marginale folder ved framsiden. Til bud uden reserve!!!!

Sergio Romiti (Bologna, 14. april 1928 – Bologna, 12. marts 2000) var en italiensk maler. Han tiltrådte aldrig noget kunstnerisk gruppe. Han begyndte at male i 1946. Fra 1947 deltog han aktivt i den kunstneriske livsbane. Montale har beskrevet ham som “genkendelig mellem tusinder”.

Biografi

Det samme emne i detaljer: Socialt realisme.
Allerede i 1946 beskæftiger han sig med maleri. Hans indtræden i den kunstneriske livsbane daterer sig til 1947, mens hans endelige kunstneriske dåb fandt sted i 1948, da han udstillede ved den Første Nationale udstilling for nutidig kunst i Bologna. Udstillingen var vigtig, fordi alle kunstnerne fra mellemgenerationen deltog (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi), og endnu mere fordi den tjente som anledning til en dramatisk afspejling fra Togliatti imod den moderne kunst som en form for kunst, der ikke svarer til idealet om social realisme. Efter denne doms-tildeling splittede kunstnerne sig: dem der ville redde det, hvad der kunne reddes – som Guttuso – og dem der ville påtage sig retten – som Forma-Gruppe – til at være medlem af partiet men udtrykke sig på en ny måde. Romiti tog ikke stilling, og havde hverken krav på realistisk eller abstrakt stil, da han ikke var medlem af partiet. Næste år udstillede han på Roma’s Secolo-galleri sammen med Vacchi og Barnabè. I 1954 vinder han en forskudsgave ved den anden udgave af Premio Spoleto.

Han forblev i rampelyset i Italien og opnåede i 1960 et personligt rum på Venezia-biennalen. Efter 1960’erne vil han bringe sin kunstneriske forløb til ekstreme konsekvenser. Uden nogensinde at have forladt sin fødeby, kortvarigt væk og tilbagetrukket, besluttede han at afslutte sit liv den 12. marts 2000.

Bologna af Sergio Romiti
Poetik
Afgående fra en helt personlig neoprimitivisme (første halvdel af 1950’erne), påvirkes Romiti af det ekspressive og poetiske kodeks fra sin bysbørn Giorgio Morandi. I 1954 på Paragone-magasinet inkluderer kunstkritikeren Arcangeli – fejlagtigt – vores mand blandt de Sidste Naturalister. Maleren, der er vanskelig at fortolke, kan placeres mellem Morandi og det informalistiske eller – som han selv elskede at sige – mellem Morandi og Paco Rabanne. Faktisk anvender hans kunst metaforen af objektet som et forspørgsmål: Objektet, der observeres, genoplives i værkerne filtreret gennem en mental dimension, der sejrer over udgangspunktet. Det fornyede objekt er som destilleret og præsenteret med en syreduft, der synestetisk gengiver angrebet, der går løs på objektet. Angrebet viser sig at være systematisk fra 1955. Før 1955 er den mentale og strukturelle opdeling af hans værker meget stærk. Herefter går strukturen tabt, skellet mellem objekt og baggrund begynder at blive mindre klart, den objekthylle udvider og destillerer sig. Subtraktionen, ud over objektet, begynder også at involvere farverne: fra de røde slagtereier i 1948-1949, til de blå og grøngule køkkener med hylder, borde og senere støberi, når man når i 1960 til sort-hvidt, en konsekvent beslutning, der fortsatte frem til 1965, hvor farvetæppet og kasserne var næsten helt sorte, og de tynde lysstråler – i en dæmpet gråhed – afbrød kunstnerens tunnel. Nu er objektet absorberet af baggrunden, man er gået fra objekt til tomhed, de bløde pensler bærer et lavt pH. Det er den vej, også for Ungaretti og Montale (forfatteren, der vil beskrive Romitis maleri som “genkendeligt mellem tusinder”) for tiden at få ham til at holde op med at male, måske fordi han tror, han nærmer sig nulpunktet i sit poetiske forløb. Men ude af stand til at holde sig væk fra maleriet, vender han tilbage på tæer og forsøger at fortsætte på allerede tilsyneladende afbrudte spor i 1965. Den vigtige retrospektiv i Bologna i 1976 på vores mand, kurateret af Maurizio Calvesi. Efter det tidspunkt, frustreret over manglende forståelse for de seneste værker, rammes han af en bitter følelsesmæssig storm, der bevidst slutter i 2000 med hans liv. I 2006 organiserer Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna en retrospektiv over ham og præsenterer også hidtil utrådte værker. I 2008 markerer artistens 80-års fødselsdag.

En senere læsning. Allerede i 1960’erne søgte Sergio Romiti at genvinde et rum i maleriet, som han følte blev truet af den dominerende kunstforms “perdre pied” (sådan defineret af kritikeren Tapié) af tidskunst: Informel. Han drev sig frem mod en mere autoritativ “gravitas”, uden at give afkald på den lethed – og endda den usikkerhed – der var hans kendetegn. De tidlige 60’ere malerier viser ofte en blød grå farve, med antydninger af sort eller rød. Den åbenlyse modstand mod informel kunst kostede ham kritikere, der anklagede ham for at være “mod moderniteten”. I løbet af årtiet bliver hans maleri mere åbenlyst i sin “trækkraft” (som havde bevaret en slags “flidets ydmyghed” i trofasthed til de traditionelle redskaber og endda i små eller mellemstore formater) en form for grusomhed i streget, der viser et kraftfuldt træk mod at “begrænse” Informel uden at gifte sig med det figurative, eller en kompositorisk struktur, hvor formen fremstår næsten geometrisk lagdelt i malerierne: formen forbliver indvendigt og nødvendig for selve hjertet i kompositionerne, hvor man kan få øje på “bremsninger” og “accelerations” og “vrinsk” (dynamik, kort sagt), som kunstneren allerede havde antydet i disse malerier, der blev klassificeret som “sorte” på grund af farven, der dominerer dem. De særlige lagdelinger og opløsninger, pludselige oplysningsglimt eller mørkheder i denne maleri kunne også indikere de komplekse bevægelser i psyken, med oversættelsen af den indre aktivitet, som navnet på “bevidsthedsstrøm” er blevet taget. Men i lyset af hans egne indrømmelser i spørgsmålet, mente Romiti dengang mest at være at udsætte asken, hvor livet mister sin særpræg og chancen for at blive, netop, kun støv eller opløsning eller aske, ikke fuldt komprimeret af kritisk/formel kunstnerisk indgriben, før den endelige kollaps, som er døden, altså før gennemførelsen af talentets lotteri vist ved fødslen. Og alligevel virker “dynamikken” i hans malerier altid mere som den anden side af en tiltrækning, der, som den næsten modsatrettede mod Informel, kan virke destruktivt på livet: Kan virke mindst som en anden “eksperimentel ikke-helliggørelse”. Faktisk, hvis den ene eller den anden impuls (den mere “levende”, bevægelsens, eller den “statisk”, asken) bliver for meget, “ude af mål”, eller hvis den domineres kun af stemmen, forældreløs, i nuet, ud over alle andre stemmer: da vil forfaldet af nutidens historiske periode sejre. I Romiti består imidlertid behovet, diskuteret og vitalt, af at finde objekterne i “realteten” igen (allerede “forvildet” i de mere almindelige og genkendelige former), men at gøre dem igen sensationelle for hans blik. Men i disse år ser kun skygger og lys ud til at have taget deres plads. I hele 1970’erne dominerer en “tvunget til at være nutiden”i hans oliemalerier, med alt det voldsomme, der følger med. I de seneste årtier står vi over for en ængstelig tilstand af hans liv, svingende mellem lys og mørke, som malerierne også afslører, men som ikke længere tiltrækkes lige så meget af en livsopfattelse, som var entydig og mere radikalt “ødelæggende”. Der er stadig “objetets odyssé”, og der er – nogle gange overdrevet – bevægelsen (med “stolthed over at tage den på sig”). Der er imidlertid, ved siden af noget følelsesladet overdrevet eller mindre “klarhed”, en markant appel til en anden, metafysisk horisont. Faktisk er dimensionen af “glæde ved at male” blevet mere tydelig, hvor nutiden – aldrig uundgåelig – nu skal være et laboratorium for andre tider i vores liv, og det er nu dimensionen af at være ved siden af det, der ved modsætning kan kaldes “bliven”. Denne dimension bliver mere synlig i de seneste akryler, netop i kraft af malerens trang til at genvinde, så fuldt som muligt, “ hele virkeligheden”: undergrund – og mere ydmyge og barndomsagtige fantasier, og trosforestillinger i det transcendente, og igen “bevægelse” og immanens – inklusive.

Kilder: Kritiker Giovanni Maria Accame præsenterede for nylig nogle af Sergio Romitis værker ved Circolo Artistico i Bologna i anledning af tiåret siden hans død. Præsentationens tekst er indlagt i en cd hos Circol's galleri.

Fra G. M. Accame’s tekst “L’equilibrio minacciato”: “Sergio Romiti and the image of the future”, af G. G. R.

til dato er han stadig i en slags auroral og dilettantisk fase i brugen af det skrevne ord. Derfor har jeg stor beskedenhed med at tillægge mig rollen som “poet”, der ville følge sine ord med mandens malerier, Sergio Romiti. Alligevel føler jeg mig ønsket om at gøre det – selv med få eksempler på det jeg har skrevet, og udsættes for anklager om forfængelighed eller værre – især for det, der viste sig, i de år vi tilbragte sammen, at være en grundlæggende og usædvanlig oplevelse af “relation”. Jeg opgiver ikke at presse mig videre i dette formål ud over den åbningsbue (60’/70’erne) af “Tankespidsen” overvejet af Giovanni M. Accame (såvel som Gisella Vismara) med stor klarsyn og deltagelse, for at bevæge mig mod de seneste år af Romitis aktiviteter (80’erne/90’erne): år og værker mere improviserede, som man kunne sige, og alligevel gennemsyret af en kreativ søgning, der grundigt blev erfaret før den åbenbart blev forsømmet, og senere fremhævet i en udstilling kurateret af Michela Scolaro ved Fondazione Del Monte i Bologna. Det er i disse år faktisk – i værkerne fra den periode – at min øjne præcist ser Accames opfattelse af den “bevægelse”, der synes at animere værkerne. Og som skaber en svingning mellem ideen om “dynamik” og den om “immobilitet” (eller tidløshed) i Væren, og fører til en “et narrativa syntaks” som ikke længere er klassisk kunst, som Lavagetto også siger i sin “Quel Marcel!”. Begrebet bevægelse og diskontinuitet i Romiti finder en korrespondance i de uendelige forgreninger og transformationer af Jeg’et i Proust – hvis mål er at konstruere en ikke urealistisk “vedvarende”. Jeg tillader mig at hente inspiration fra Romitis maleri hos en kritisk parameter svarende til den, jeg rådgav mig så frugtbart ved Lavagetto. Og jeg vil bekræfte, at hans tilbagesvings mod sig selv og sin egen verden, af nogle kritiker kritiseret – er også i ham for at antage mere dybtgående det andet og verden af alle (“je ne suis pas moi” cited by Lavagetto for Proust, som også “je est un autre”, af Rimbaud, citeret af M. Scolaro for Romiti). Hans karakter – hvis også i nogen udstrækning det tidsklima – bekræftes i de reflektioner, der sporadisk og tilfældigt tilbydes læseren (på en form for “mindre sprog” refererer Accame) og som, også med udtryk for “de større” af hans maleri, peger på det truede balance i titlen. Men… balance truet, altså; ikke tabt. Måske endda bevaret for en mere sammenhængende tilgang til virkeligheden: Romiti, således bekvemt “svævende” over for aktualitet (og klassicismen), har gennem sin kunst overført et “fast” billede af fremtiden, som giver os arving med den konkrete “godkendelse” – mere tydeligt gennem de “sorte malerier” – af de avant-gardes, 1900-tallets bevægelser, altid forbundet dog med nødvendigheden af at beskytte en uudtømmelig hukommelse, ikke kun centreret om ham selv, af vores kunst i århundreder. Romiti har ikke fortabt sig i hans egen vej, men har aldrig forrådt sin inderste, men ofte misforståede, vocation, der også i vores forhold kaldes “relation” (og som har været i vores liv en slags ikke-intenderet parforhold). Og omvendt.