VANTA - Core IV - NO RESERVE

06
dage
08
timer
53
minutter
45
sekunder
Nuværende bud
€ 1
Ingen mindstepris
Anthony Chrisp
Ekspert
Udvalgt af Anthony Chrisp

Over 10 års erfaring i kunsthandel og grundlagde sit eget galleri.

Galleri Estimat  € 2.000 - € 2.400
GB
€ 1

Catawikis køberbeskyttelse

Din betaling er sikker hos os, indtil du modtager din genstand.Se flere oplysninger

Trustpilot 4.4 | %{antal} anmeldelser

Bedømt som Fremragende på Trustpilot.

VANTA, Core IV - NO RESERVE, et originalt maleri i blandet medie på lærred (akryl), 140 x 100 cm, fra 2020 eller senere, Østrig, abstrakt ekspressionisme, håndsigneret, direkte fra kunstneren.

AI-assisteret oversigt

Beskrivelse fra sælger

Core
Core is a painting series exploring the dense center of light — the concentrated heart of a luminous form, where color gathers most intensely before radiating outward into softer surroundings.
Core er en maleriserie der undersøger lysens tætte centrum — det koncentrerede hjerte af en strålende form, hvor farven samles mest intenst, før den stråler ud i mere bløde omgivelser.

Each work centers on a deep, saturated core that seems to hold its own weight against the canvas, a body of pigment pulled inward until it feels almost solid, before releasing gradually into the light that surrounds it.
Hvert arbejde centrerer sig omkring en dyb, mættet kerne der virker som om den holder sin egen vægt op mod lærredet, en krop af pigment trukket indad indtil den føles næsten solid, før den langsomt slipper ud i lyset omkring den.

The works are in conversation with James Turrell's investigations of perceptual space, and draw on the chromatic fields of Mark Rothko, the saturated immersions of Yves Klein, the atmospheric installations of Olafur Eliasson, the pigment work of Anish Kapoor, the color meditations of Josef Albers, and the soft gradients of Wolfgang Tillmans' abstract photograms — artists for whom color, edge, and transition carry the weight that line and form do elsewhere. Something of Dan Flavin's fluorescent geometries and Robert Irwin's perceptual light works also sits quietly in the background — a lineage of makers interested in light as a material in its own right, alongside a broader modern design sensibility rooted in Bauhaus color theory and Scandinavian minimalism.
VirkERne er i dialog med James Turrells undersøgelser af perceptuelt rum, og trækker på Mark Rothkos kromatiske felter, Yves Kleins mættede fordybninger, Olafur Eliassons atmosfæriske installationer, Anish Kapoors pigmentarbejde, Josef Albers' farvemeditationer og Wolfgang Tillmans' abstrakte fotogrammer med bløde gradienter — kunstnere for hvem farve, kant og overgang bærer den vægt, som linje og form ellers gør. Noget af Dan Flavins fluorescerende geometrier og Robert Irwins perceptuelle lysværker ligger også stille i baggrunden — en slægt af skabere interesseret i lys som et materiale i sig selv, sammen med en bredere moderne designsans som hviler på Bauhaus' farveteori og skandinavisk minimalisme.

Each work is made entirely with acrylic paint on canvas, using a custom-built painting contraption of my own design — a setup loosely inspired by old silk-screen equipment, though no screen or printing process is involved.
Hvert arbejde er helt lavet med akrylmaling på lærred, ved hjælp af en specialbygget maleinstallation af mit eget design — en opsætning løst inspireret af gamle silkscreen-udstyr, selvom intet skærm- eller trykproces er involveret.

The initial composition is laid down through hand-cut plastic templates in simple geometric shapes — circles, ovals, rectangles — used to place the first fields of saturated color directly onto the canvas.
Den indledende komposition lægges ned gennem håndskårne plastskabeloner i enkle geometriske former — cirkler, ovaler, rektangler — brugt til at placere de første felter af mættet farve direkte på lærredet.

From there the work returns to the same DIY apparatus, where a system of soft brushes moves vertically and horizontally across the surface, blending and refining the painted areas over many mechanical passes.
Herfra vender arbejdet tilbage til det samme gør-det-selv-arrangement, hvor et system af bløde pensler bevæger sig vertikalt og vandret hen over overfladen, blander og forfiner de malede områder gennem mange mekaniske passager.

The result is built slowly, pass after pass, until the edges of the initial shapes soften completely and the pigment thins to near-transparency, allowing the white of the canvas beneath to glow through.
Resultatet bygges langsomt op, pas for pas, indtil kanterne af de oprindelige former blødes helt og pigmentet tyndes til næsten gennemsigtighed, så lærredets hvidhed nedenunder kan skinne igennem.

Under certain lighting the paintings stop reading as paint entirely and seem lit from within, taking on an almost luminous, lamp-like quality that shifts throughout the day.
Under visse lysforhold stopper malerierne helt med at læse som maling og ser ud til at være lysnet indefra, og får en næsten lysende, lampe-lignende kvalitet der ændrer sig gennem dagen.

A heavy protective varnish finishes each work with a glossy, reflective skin that deepens the sense of looking into rather than at the surface — an archival finish suited to long-term collection and display in contemporary interiors, whether in a private home, a design-forward space, or a gallery setting.
Et tungt beskyttende lak giver hvert værk en blank, reflekterende hinde der fordyber følelsen af at se ind i i stedet for på overfladen — en arkivklar finish egnet til langtidssamling og udstilling i moderne indretning, uanset om det er i et privat hjem, et designorienteret rum eller en galleriplads.

Shipping:
The work is delivered without a frame (professional packaging, rolled in a tube). it can easily be restretched by a professional or on your own, this is also cheaper then the otherwise increased cost of shipping when sending paintings stretched
Forsendelse:
Værket leveres uden ramme (professionel emballage, rullet i en tube). Det kan let genforstrækkes af en fagperson eller af dig selv, dette er også billigere end den ellers højere forsendelsesomkostning ved levering af malerier spændt

The measurements indicated are those of the painting stretched and mounted on a frame (The actual measurements of the canvas are larger to allow it to be mounted on a frame 2-4 cm thick.
De angivne mål er for maleriet spændt og monteret i en ramme (de faktiske mål på lærredet er større for at kunne monteres i en ramme 2-4 cm tyk.


Disclaimer:
Process photos included in the listing show studies and works in progress, as well as close up photos of showing the structure of the canvas. 

Forbehold:
Procesfotos inkluderet i opslaget viser studier og værker under arbejde, samt nærbilleder der viser konstruktionen af lærredet.

Sælger's Historie

VANTA er en ung østrisk kunstner, hvis praksis defineres mindre af et signaturmotiv end af en rastløs, næsten obsessiv trang til at eksperimentere på tværs af medier. Maling, mixed media, skulpturelle eksperimenter og materialetest bevæger sig alle gennem atelieret parallelt — hver ny serie ankommer som svaret på et specifikt spørgsmål om, hvor langt en idé kan trues, før den bliver noget helt andet. Baseret i Wien har VANTA udstillet ved nogle af byens mest fremtrædende samtidskunstevent, herunder Viennacontemporary og Parallel Vienna kunstmessen, sammen med internationale præsentationer på Budapest Contemporary og Contemporary Istanbul. Stilistisk nægter værket at hvile sig: dristig, højkontrast sort-hvid abstraktion står side om side med figurative anatomiske oliemalerier, rolige farvefelter, atmosfæriske gradients og flydende blækværker — akter, der ved første øjekast synes at tilhøre helt forskellige kunstnere, men deler en fælles tråd: jagten på et meget specifikt billede, som findes i sindet, og søgen efter den nøjagtige materialemæssige proces, der vil bringe det ud i verden. I stedet for at slå sig ned i en genkendelig stil, behandler VANTA hver serie som sin egen lukkede undersøgelse. En samling kan undersøge grænsen, hvor pigment opløses i ren luminositet; en anden kan opbygge tætte felter af vandret farve gennem håndklippede skabeloner og lagdelt akryl; en tredje kan vende sig mod den menneskelige figur i olie, eller opløse sig i de løse, uforudsigelige gestusser af blæk. Det binder dem sammen, er selve processen — disciplinen i at jage en idé fra fantasi mod overflade, og villigheden til at opfinde hvilken som helst teknik, som jagten kræver. I centrum af praksissen står et enkelt, stædigt spørgsmål: hvor tæt kan en fremstillet genstand komme på den ting, der først blev afbildet i sindet? Hver serie er et nyt forsøg på et svar.
Oversat af Google Oversæt

Core
Core is a painting series exploring the dense center of light — the concentrated heart of a luminous form, where color gathers most intensely before radiating outward into softer surroundings.
Core er en maleriserie der undersøger lysens tætte centrum — det koncentrerede hjerte af en strålende form, hvor farven samles mest intenst, før den stråler ud i mere bløde omgivelser.

Each work centers on a deep, saturated core that seems to hold its own weight against the canvas, a body of pigment pulled inward until it feels almost solid, before releasing gradually into the light that surrounds it.
Hvert arbejde centrerer sig omkring en dyb, mættet kerne der virker som om den holder sin egen vægt op mod lærredet, en krop af pigment trukket indad indtil den føles næsten solid, før den langsomt slipper ud i lyset omkring den.

The works are in conversation with James Turrell's investigations of perceptual space, and draw on the chromatic fields of Mark Rothko, the saturated immersions of Yves Klein, the atmospheric installations of Olafur Eliasson, the pigment work of Anish Kapoor, the color meditations of Josef Albers, and the soft gradients of Wolfgang Tillmans' abstract photograms — artists for whom color, edge, and transition carry the weight that line and form do elsewhere. Something of Dan Flavin's fluorescent geometries and Robert Irwin's perceptual light works also sits quietly in the background — a lineage of makers interested in light as a material in its own right, alongside a broader modern design sensibility rooted in Bauhaus color theory and Scandinavian minimalism.
VirkERne er i dialog med James Turrells undersøgelser af perceptuelt rum, og trækker på Mark Rothkos kromatiske felter, Yves Kleins mættede fordybninger, Olafur Eliassons atmosfæriske installationer, Anish Kapoors pigmentarbejde, Josef Albers' farvemeditationer og Wolfgang Tillmans' abstrakte fotogrammer med bløde gradienter — kunstnere for hvem farve, kant og overgang bærer den vægt, som linje og form ellers gør. Noget af Dan Flavins fluorescerende geometrier og Robert Irwins perceptuelle lysværker ligger også stille i baggrunden — en slægt af skabere interesseret i lys som et materiale i sig selv, sammen med en bredere moderne designsans som hviler på Bauhaus' farveteori og skandinavisk minimalisme.

Each work is made entirely with acrylic paint on canvas, using a custom-built painting contraption of my own design — a setup loosely inspired by old silk-screen equipment, though no screen or printing process is involved.
Hvert arbejde er helt lavet med akrylmaling på lærred, ved hjælp af en specialbygget maleinstallation af mit eget design — en opsætning løst inspireret af gamle silkscreen-udstyr, selvom intet skærm- eller trykproces er involveret.

The initial composition is laid down through hand-cut plastic templates in simple geometric shapes — circles, ovals, rectangles — used to place the first fields of saturated color directly onto the canvas.
Den indledende komposition lægges ned gennem håndskårne plastskabeloner i enkle geometriske former — cirkler, ovaler, rektangler — brugt til at placere de første felter af mættet farve direkte på lærredet.

From there the work returns to the same DIY apparatus, where a system of soft brushes moves vertically and horizontally across the surface, blending and refining the painted areas over many mechanical passes.
Herfra vender arbejdet tilbage til det samme gør-det-selv-arrangement, hvor et system af bløde pensler bevæger sig vertikalt og vandret hen over overfladen, blander og forfiner de malede områder gennem mange mekaniske passager.

The result is built slowly, pass after pass, until the edges of the initial shapes soften completely and the pigment thins to near-transparency, allowing the white of the canvas beneath to glow through.
Resultatet bygges langsomt op, pas for pas, indtil kanterne af de oprindelige former blødes helt og pigmentet tyndes til næsten gennemsigtighed, så lærredets hvidhed nedenunder kan skinne igennem.

Under certain lighting the paintings stop reading as paint entirely and seem lit from within, taking on an almost luminous, lamp-like quality that shifts throughout the day.
Under visse lysforhold stopper malerierne helt med at læse som maling og ser ud til at være lysnet indefra, og får en næsten lysende, lampe-lignende kvalitet der ændrer sig gennem dagen.

A heavy protective varnish finishes each work with a glossy, reflective skin that deepens the sense of looking into rather than at the surface — an archival finish suited to long-term collection and display in contemporary interiors, whether in a private home, a design-forward space, or a gallery setting.
Et tungt beskyttende lak giver hvert værk en blank, reflekterende hinde der fordyber følelsen af at se ind i i stedet for på overfladen — en arkivklar finish egnet til langtidssamling og udstilling i moderne indretning, uanset om det er i et privat hjem, et designorienteret rum eller en galleriplads.

Shipping:
The work is delivered without a frame (professional packaging, rolled in a tube). it can easily be restretched by a professional or on your own, this is also cheaper then the otherwise increased cost of shipping when sending paintings stretched
Forsendelse:
Værket leveres uden ramme (professionel emballage, rullet i en tube). Det kan let genforstrækkes af en fagperson eller af dig selv, dette er også billigere end den ellers højere forsendelsesomkostning ved levering af malerier spændt

The measurements indicated are those of the painting stretched and mounted on a frame (The actual measurements of the canvas are larger to allow it to be mounted on a frame 2-4 cm thick.
De angivne mål er for maleriet spændt og monteret i en ramme (de faktiske mål på lærredet er større for at kunne monteres i en ramme 2-4 cm tyk.


Disclaimer:
Process photos included in the listing show studies and works in progress, as well as close up photos of showing the structure of the canvas. 

Forbehold:
Procesfotos inkluderet i opslaget viser studier og værker under arbejde, samt nærbilleder der viser konstruktionen af lærredet.

Sælger's Historie

VANTA er en ung østrisk kunstner, hvis praksis defineres mindre af et signaturmotiv end af en rastløs, næsten obsessiv trang til at eksperimentere på tværs af medier. Maling, mixed media, skulpturelle eksperimenter og materialetest bevæger sig alle gennem atelieret parallelt — hver ny serie ankommer som svaret på et specifikt spørgsmål om, hvor langt en idé kan trues, før den bliver noget helt andet. Baseret i Wien har VANTA udstillet ved nogle af byens mest fremtrædende samtidskunstevent, herunder Viennacontemporary og Parallel Vienna kunstmessen, sammen med internationale præsentationer på Budapest Contemporary og Contemporary Istanbul. Stilistisk nægter værket at hvile sig: dristig, højkontrast sort-hvid abstraktion står side om side med figurative anatomiske oliemalerier, rolige farvefelter, atmosfæriske gradients og flydende blækværker — akter, der ved første øjekast synes at tilhøre helt forskellige kunstnere, men deler en fælles tråd: jagten på et meget specifikt billede, som findes i sindet, og søgen efter den nøjagtige materialemæssige proces, der vil bringe det ud i verden. I stedet for at slå sig ned i en genkendelig stil, behandler VANTA hver serie som sin egen lukkede undersøgelse. En samling kan undersøge grænsen, hvor pigment opløses i ren luminositet; en anden kan opbygge tætte felter af vandret farve gennem håndklippede skabeloner og lagdelt akryl; en tredje kan vende sig mod den menneskelige figur i olie, eller opløse sig i de løse, uforudsigelige gestusser af blæk. Det binder dem sammen, er selve processen — disciplinen i at jage en idé fra fantasi mod overflade, og villigheden til at opfinde hvilken som helst teknik, som jagten kræver. I centrum af praksissen står et enkelt, stædigt spørgsmål: hvor tæt kan en fremstillet genstand komme på den ting, der først blev afbildet i sindet? Hver serie er et nyt forsøg på et svar.
Oversat af Google Oversæt

Detaljer

Kunstner
VANTA
Solgt med ramme
Nej
Solgt af
Direkte fra kunstneren
Udgave
Original
Værkets titel
Core IV - NO RESERVE
Teknik
Mixed media
Signatur
Håndunderskrevet
Oprindelsesland
Østrig
Stand
fremragende stand
Højde
140 cm
Bredde
100 cm
Stil
Abstrakt ekspressionisme
Periode
2020+
Solgt af
ØstrigBekræftet
428
Genstande solgt
100%
Privattop

Lignende genstande

Til dig i

Moderne og samtidskunst