Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unika stykke, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#123 - M - " Lava #2 ".

Spray-akryl på 3 mm plexglasplade ( UV-beskyttet ).
Gennemsigtigheder på orange tryk.
Dette maleri er ikke en reproduction. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføringen af en harpiks, er helt unik.

Dimensioner: Inch 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Sort Mat (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelse mod et yderligere beløb på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
En ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg findes på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, blev jeg opvokset omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslang passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og skræmmende, mens mindre værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden udviklede jeg, trods at jeg betragter mig selv som ateist, også en kærlighed til spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Vejen til virkelig at blive kunstner var imidlertid ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg rejste, slog jeg mig ned i det lokale kunstneriske miljø og mødte den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille boblende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, compromisoede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Mit første separate udstilling, "Échos", holdt i Paris i slutningen af 2024, viste en karakteristisk tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne, jeg skaber, og lade plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være tydelige: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højst af og til stiller tilfældigheden spørgsmål; men meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med åbenbarings- / forankringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “uafviselige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “følelser” eller “teoretisk begreb”, men erfaringen af at være. Ikke “hurtig konsum” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, af dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, efter hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Lige som alle objekter er de objekter af sig selv. Således har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, slutmål eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændres, det ser. Samspillet af lys, farve og struktur, af de manglende dele kræver også blot empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede består af et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre beskuere til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den konstante proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Den tavle æra af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis fordobler lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I den moderne kunsts landskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtrædendehed, men af nærvær. Mine malerier – skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre det endelige billede end den stille samspil mellem tanke og proces, der tillader det at opstå.

Denne praksis hviler på tre justerede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvunget Betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening, eller sans”, håber jeg forsigtigt at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra dekodning og hen imod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Praxis af Levede Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “erfaring af at være”. Værket bliver mindre et objekt til at fortolke end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, translucente lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever stykket, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Inkorporeret Tanke. Maling på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesprocessen. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på, hvad der ankommer i “her og nu.”

At holde disse intentioner er der nogle få milde paradokser, der understøtter arbejdet:

- Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde 'sammenfald'”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældigheden er en Velkommen gæst, men strukturen er opbygget med omhu.
- Kommunikation uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det delte ikke en erklæring, men en tilstand—a tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.
- Nostalgia for Nutiden
En blød nostalgia hænger ved værket, men den er mærkeligt rettet mod nuet: et længslen efter de “uafhængelige nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det ”opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis står i gæld til ånden i Art Informel, om end måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed, hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille medarbejder.

I hjertet ligger en søgen efter “le vif”—det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at tilskynde intimitet, ikke spektakel.

Til sidst er dette blot en kunstners vej. Min biografi, min proces og mine overvejelser er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokse ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner