Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unik nøglering, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#123 - M - " Lava #2 ".

Spray-akryl på 3 mm plexiglasplade (UV-ægtet).
Gennemsigtigheder på orange tryk.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk "multi-lag" hvis blanke, glossy finish, der minder om en resin-applikation, og som er unik.

Dimensioner: Tommer 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Sort Mat (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelsen mod en ekstra pris af 90€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et Certificat d’Authenticité følger.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste soloudstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min senere farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterede med utallige akryler i notesbøger i A4 og derefter A3 - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte mod dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Først greb jeg til non-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og selvom jeg anser mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de havde resonans med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. hvor jeg end rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min erhvervskarriere har kunst altid været en del af mig og småkoger under overfladen. I næsten 30 år blev maling en form for hemmelig meditation for mig - en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet synspunkt og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at hellige mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse opnåede mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", som fandt sted i Paris i slutningen af 2024, viste en markant tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekspoderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går—for at afkorte rationalet! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekter, jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet ikke beslutninger; i bedste fald stiller tilfældet spørgsmål; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med åbenbarings- / fastlæggelsesprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen berignes af lag og gennemsigtigheder, og giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducible nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper op i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel.hverken “følelse” eller “ teoretisk begreb” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig konsum” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller betydning; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at eksistere, ender eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glitrende overflade, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, af de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredsstillelse i den konstante spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at forfine mine færdigheder og udforske endnu mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhæng i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor koncept og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende placering, men af nærvær. Mine malerier—skinnende farve- og lysfelter inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre slutbilledet end det stille samspil af tanke og proces, der tillader det at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre justerede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvinget Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, mening eller fornuft”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at sætte, hvad jeg tænker på som en “oplevelse af at være” ind. Værket bliver mindre et objekt der skal fortolkes end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og det svage spektrum af beskuerens møde med sin egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændres, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Embodied Thought. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis af at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men giver afgørelsen op, så maleriet bliver til det, jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—tålmodig venten for, hvad der ankommer her og nu.

At holde disse intentioner er der nogle få blide paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om meningsfulde “sammenfald”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi ligger i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “irreducible necessities” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat der føles autonomt, som om det “opstod af egen kraft.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd har jeg kommet til at føle, at “alderen for det informal kun lige er begyndt.” Min praksis er taknemmelig overfor ånden i Art Informel, omend måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradoks ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner