Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Unik tavle, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Sprøjjemaling på plexiglasplade 3 mm ( UV-beskyttet ).
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk "multi-lag" hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføring af et resin, er unik.

Dimensioner: Tommer 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520, eg-finish hvid (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en tillægspris på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Ekthedssertifikat følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter med base i Paris. Hans værker vises over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling – Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af min hjemlands naturlige skønhed og kulturelle rigdom. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, som håndværker og kunstner, hvis indflydelse såede frøet til det, der senere blev min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimenterede med utallige akryler i A4- og senere A3- notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod én, dominerende og skræmmende, mens små værker kan fremkalde meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for spirituelle materialer, da de harmonerede med min udforskning af menneskeligt eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke øjeblikkelig.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Overalt, hvor jeg drog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig og gled stille under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hver ny skabelse er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre et oprigtigt møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min erhvervs karriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at devote mig helt til min kunst. ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglas (Perpex), en let, glat, skinnende og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget jeg vælger. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuftens strømning! - at vejlede resultatet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældigheden aldrig beslutningerne; højst kan tilfældigheden stille spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der afspejler åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: jeg er glad, når jeg genkender “uundværlige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi bliver stille og lyser.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men erfaringen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter et “liv ved livets kerne”, hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Følgelig har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mennesker eller dage, som heller ikke har nogen årsag til at være, eller ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og glansen af rumligt glas, forbliver det næsten fuldstændig abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en gnistrende overflade, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hvert nyt blikfang. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, af de manglende dele også, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “ detaljer for nærstudium ” - et billede er et helt nyt billede - og “ afstand for helheden ” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne indre rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svar og vil forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den løbende proces med spørgsmål og vækst. Hver ny skabelse er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. At male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling, så perfekt at den ikke har brug for os. Alderen af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhæng i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædendehed, men af tilstedeværelse. Mine malerier – funklerende farvefelter og lys inden i plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre samstemmende intentioner.

Den første er et Tilbageholdenhed fra påtvunget mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og med “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativitet. Det er en invitation til at træde væk fra dekodningen og hen imod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primatet af erfaret liv. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Arbejdet bliver mindre et objekt til fortolkning end en stille begivenhed at føle – formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren møder deres egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejdet uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesaktens øjeblik. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder en uafhængig “genstand i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldført. Det er et stille parallelt for fotografisk udvikling – en tålmodig venten på, hvad der kommer her og nu.

At holde fast i disse intentioner er nogle få blide paradokser, der understøtter arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, som jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand et væv af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgia for nuet
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “uundværlige nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv roligt tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles selvstændigt, som om det “opstod af sin egen anledning.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle netop er begyndt.” Min praksis er i skyld til ånden af Art Informel, måske med mindre angst og mere ro – en uformelhed, hvor tilfældigheden ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I sin kerne er der et søgen efter “le vif” – den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at tilskynde intimitet, ikke spektakel.
I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger, tror jeg, blive en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner