Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik atelierstykker, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#485 - M - " Landskab #1 ".

Spray-akryl på 3 mm plexiglassplade ( UV-beskyttet ).
Dette maleri er ikke en tryk. Det er et originalt værk i flere lag, hvis blanke, glossy overflade, der efterligner polymer-resin-applikation, er unik.

Dimensioner: inches 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520 træfinér Hvid eg (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelsen mod en ekstra omk. på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Certifikat for Autenticitet følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Flere oplysninger og valg på www.antonkaestner.com.

Næste personaleudstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Switzerland, voksede jeg op omgivet af den naturskønne skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder møder en direkte, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke øjeblikkelig.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden over, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end gik, engagerede jeg mig i de lokale kunstscener og møder den kreative energi i hvert sted.
Selvom fokus var på min forretningskarriere, var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig - en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger i hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en markant tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays bagpå genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkommer. Jeg tillader ”tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuftens afsæt! - at guide udfaldet, lagene og spejlvirkningerne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder afgør tilfældet aldrig beslutningerne; højst giver tilfældet spørgsmål; meningsfulde ”sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der harmonerer med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen forøges af lag og gennemsigtigheder og giver hvert værk en” asketisk” kvalitet: Jeg er tilfreds, når jeg genkender de ”irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi standser i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang konsekvent enkel. Hverken ”følelse” eller ”teoretisk forudfattelse” men oplevelsen af at være til stede. Ikke ”hurtigt forbrug” eller ”intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter ”livet i hjertet af livet”, hvad Alain Damasio kalder ”le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også har hverken grund til at være, eller ende, eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og glansen af farvelagte glas, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny seer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, det manglende også, kræver blot empati. Forhåbentlig vil spillet mellem ”detaljer tæt på” - et detalje af et billede er et helt nyt billede - og ”afstand til helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at finpudse mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er en daglig håndværksmæssig øvelse, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang på, en søgen efter en maling, der er så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtrædende placering, men af nærvær. Mine malerier – skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det egentlige fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der får det til at opstå.

Denne praksis hviler på tre afstemte intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller mening”, håber jeg at løsne forventningen om en narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra dekodningen og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder deres eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er få milde paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om meningsfulde ”sammenfald”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille nærvær, en håndgribelig ro.

Nostalgia for Nutiden
En blød nostalgia hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et ønske om de ”irreducerbare nødvendigheder”, der findes i ”stilhed og lys”—en ønskes så ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det ”uden videre kom af sin egen fri vilje.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “aldren af det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis skylder jeg ånden af Art Informel, om end måske med mindre angst og mere ro — en uformalisme, hvor tilfældet ikke er en brud, men en stille samarbejdspartner.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Arbejdet læner sig imod direkte erfaring frem for intellektuallisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en samlet søgen. Jeg har erfaret, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner