Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unik kunstgenstand, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#484 - M - "Landskab #2".

Sprøjte-akryl på 3mm plexiglasplade (UV-sikkert).
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk i "multilag"-udførelse, hvis blanke, glossy overflade minder om påføring af en hærder og er helt unik.

Dimensioner: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520, forfinet med hvide eg-finér (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en ekstra pris på 90 € inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er dæknet af en forsikring.

Anton Kaestner er en født i Schweiz, bosat i Paris, maler, skulptør og forfatter. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Genève januar 2027.

Biografi
Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min sene bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimenterede med utallige akryl på A4- og senere A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder går rettet imod en, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere til meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke straks.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og eksponered mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig og simrede stille under overfladen. I næsten 30 år var maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre.

Jeg har altid fundet stor tilfredshed ved at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre et oprigtigt møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, engagerede jeg mig fuldt ud i maleri. Jeg etablerede mit studio i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse opnåede mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux i Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første solo-udstilling, "Échos", afholdt i Paris mod slutningen af 2024, viste en distinkt tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays bagpå genbrugte ekstruderede plexiglasskiver (Perpex), en let, glat, skinnende og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuelt feedback eller kontrol under processen – noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuftens vej! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne, jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; i højst grad stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der giver genklang til åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografiet, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “uundgåelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper op i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af realiteten, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet ved livets hjerte”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden genstand. Ligesom alle genstande er de genstande af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller mening; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, noget endemål eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i stained glass, forbliver det næsten helt abstrakt. Endvidere giver plexiglas maleriet en glinsende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det forandrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og struktur, af de manglende dele også, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “ detaljer for nærstudiet” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre tilskuerne til at kaste sig ud i deres egen indre rejse.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den konstante proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. For mig er maleri en daglig håndværk, en udforskning, en måde at frembringe meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling, der er så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informelle begyndte lige netop nu.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farve- og lyssletter inden i plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er den sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der tillader det at træde frem.

Denne praksis hviler på tre afstemte intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra påtvunget mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, mening eller sans” håber jeg at løsne forventningen om narrativ forsigtigt. Det er en invitation til at træde væk fra koding og imod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primat af Levende Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere det, jeg kalder en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt til fortolkning end en stille begivenhed at føle – formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af betragteren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men kapitulerer udfaldet, så maleriet bliver til, hvad jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først, når det er fuldført. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling – tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner står der nogle få milde paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det delte ikke et udsagn, men en tilstand – en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et begær efter de “uundgåelige nødvendigheder”, der findes i “ stilhed og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Indsats og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen kraft.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “alderen for det uformelle netop er begyndt.” Min praksis er indeholdt af ånden i Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro – en uformel tilstand, hvor tilfældet ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

Kernen i det hele er en søgen efter “le vif” – det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring fremfor intellektualisering. Den beskedne størrelse, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette ganske enkelt en kunstneres vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner