Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Unik sten, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#481 - M - « Punta del Este #2 ».

Sprøjtemaling i spray på 3 mm plexiglasplade (anti-UV).
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk i »multibladig«-opbygning hvor den blanke »glossy« overflade, der minder om en resin-applikation, er helt unik.

Dimensioner: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, referencen 34 520 i hvid eg-finér (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefales og kan tilkøbes ved afsendelse for et ekstra beløb på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et certifikat for autenticitet følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalgte værker på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling – Genève januar 2027.

Biografi
Født i Geneve, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og skræmmende, mens små værker kan vække langt mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, Asian og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. hvor jeg end tog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere har kunst altid været en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse ved at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mine værker hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprøjtemaling på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se arbejdet, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg byder velkommen. Jeg tillader ”tilfældige eksperimenter” — alt går for at afbryde fornuften! — at styre udførelsen, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højest giver tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde »tilfældigheder« er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der harmonerer med fotografiets afslørings-/fiksationsproces, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen forstærkes af lag og gennemsigtighed, men giver hvert værk en »asketisk« kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender »uundværlige nødvendigheder«, altså det, vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken »følelse« eller »teoretisk forestilling« men erfaringen af at være. Hverken »hurtig forbrug« eller »intellektualisering/mentalt ejerskab«, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter »livet i livets inderste kerne«, det, Alain Damasio kalder »le vif«. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, nogen ende eller formål. Selvom mit arbejde måske nogle gange fremkalder gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glinsende overflade, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil legen mellem »detaljer tæt på« — et detail af et billede er et helt nyt billede — og »afstand til helheden« opmuntre beskuere til at begive sig ud på deres egne indre rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke har behov for os. Alderen af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: »Den daglige praksis forstærker lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af moderne kunst, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe arbejder defineret ikke af fremtræden, men ved nærvær. Mine malerier — skinnende farve- og lysefelter inden i plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre justerede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Meningsfuldhed. Ved at beskrive værkerne som »uden objekt« og ved at have »hverken indhold, eller mening, eller sans« håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte form for iagttagelse.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere det, hvad jeg tænker på som en »oplevelse af at være«. Værket bliver mindre et objekt der skal fortolkes end en stille begivenhed der skal føles — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, »lever det, ændrer det sig, det ser«.

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indkapslet tanke. At male på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frisættelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt »objekt af sig selv«, fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er et stille parallelt for fotografisk udvikling — tålmodig venten på, hvad der ankommer »her og nu«.

At holde disse intentioner står der nogle milde paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om »meningsfulde »tilfælde««, men de er kun mulige inden for forsigtige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at »kommunikere noget« gennem værker, som jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgia fornuftigt nuet
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er underligt rettet mod nuet: et längsel efter de »uundværlige nødvendigheder«, der findes i »stilhed og lys« — et ønske om ren tilstedeværelse som værket stille tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat der føles autonomt, som om det »kom af sig selv«.
Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at »alderen for det uformelle kun lige er begyndt.« Min praksis skylder ånden af Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro — en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medarbejder.

Kernen i det hele er søgen efter »le vif« — den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala jeg ofte vælger, er tiltænkt at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot en kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, jeg tror, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner