Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

En unik og original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#486 - M - " Landskab #2 ".

Spray-akryl på 3 mm plexiglas-plade (anti-UV).
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk i "multi-lags" hvor den blanke, glossy overflade, der minder om en resin- påføring, er unik.

Dimensioner : tommer 17,3 × 12,6 × 0,12 / cm 44 × 32 × 0,3 uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520, belagt med hvid eg (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for yderligere 90€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Flere oplysninger og valg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet var værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimenterede med utallige akryler i notesbøger i størrelse A4 og derefter A3 – jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figuratisk maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv for ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskets eksisterende og naturens dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke øjeblikkelig.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. hvor jeg end gik, fordybede jeg mig i det lokale kunstmiljø og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og opleve ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, blev jeg fuldt ud engageret i maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at dedikere mig fuldt ud til min kunst. I slutningen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse opnåede mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Mit første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget jeg velkomment. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” -alt går for at afkorte fornuftens kredsløb!- at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og lade plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældigthed ikke beslutningerne; i højden inviteres tilfældigheden kun til at stille spørgsmål; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: jeg er glad, når jeg genkender “uberegnelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “følelser” eller “teoretisk forestilling”, men oplevelsen af at være. Ikke “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgia altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, eller mening, eller betydning; de er ligesom ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, ingen slutning, heller ingen formål. Selvom mit arbejde sommetiden kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten udelukkende abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glinsende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny betrager. Hver arbejds erhverker som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet af lys, farve og tekstur, af de manglende dele, kræver også kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for tæt på” - et detail af et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre tilskuere til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nye værk er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informal har kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhæng i min praksis

I landskabet af samtidens kunst, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe arbejde defineret ikke af fremtrædendehed, men af tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farvefelter og lys inden i plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille sammenkædning af tanker og proces, der giver det mulighed for at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenkoblede intentioner.

Den første er et Tilbagetrækning fra pålagt mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller betydning”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Præeminen for oplevet erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg tænker på som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt til at blive tolket end en stille begivenhed, der skal føles – formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og det svage spejl af beskueren møder deres eget blik. Som jeg ofte bemærker, lever stykket: det ændrer sig, det ser.

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men giver afkald på udfaldet, så maleriet bliver, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling – en tålmodig venten på, hvad der kommer “her og nu.”

Holdes disse intentioner af nogle få blide paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “formidle noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det delte ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for nutiden
En blød nostalgi hænger ved i arbejdet, men den er nysgerrig rettet mod nuet: et begær efter de “uundværlige nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse som arbejdet stille tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sig selv.” Jeg trækker til det, der føles fuldstændigt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “aldren af det uformelle lige er begyndt.” Min praksis er underlagt ånden af Art Informel, om end måske med mindre lidelse og mere ro – en uformalisme, hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet er der en søgen efter “le vif” – det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette kun én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradoks ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til robusthed.

Anton Kaestner