Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Unika stykke, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#497 - M - " Djebel ".

Sprøjtema–acrylmaling på 3 mm plexiglasplade (UV-bestandig).
Dette maleri er ikke entrykt gengivelse. Det er et originalt "multi-lags" værk hvis blanke, glossy udtryk, nærmest resin-application, er unikt.

Dimensioner: 19,7" x 15,4" x 0,12" / 50 x 39 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 524 Løfte eg, eg-udfældning (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) eller anden anbefalet finish og tilgængelig ved afsendelse for en ekstra pris på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret bagerst.
Et Certificat d’Authenticité følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af min hjemlands naturskønhed og kulturelle rigdom. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i notesbøger i A4 og derefter A3 – jeg har altid følt, at store billeder møder en direkte, dominerende og skræmmende, mens små arbejder kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Vejen til virkelig at blive kunstner var dog ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end tog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min erhvervskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. Næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra en anden vinkel og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, blev jeg fuldt engageret i maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at hellige mig helt til min kunst. Ved slutningen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, præsenterede en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider følsom overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg hilser velkommen. Jeg tillader "tilfældige eksperimenter"—alt går for at afkorte fornuften!— at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højst giver tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der klinger af fotografiets åbenbarings-/fikseringsproces, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen forstærkes af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk begreb” men erfaringen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også hverken har grund til at være, slut eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende hædder, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglen på dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for tæt på” - et detaljer af et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre seerne til at kaste sig ud i deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg omkring, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige forfrågende og vækst. Hvert nyt skabende er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske endnu mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en vej til at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Den informalitetens æra er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor koncept og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier—skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og målrettet undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der giver det mulighed for at fremstå.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra pålagt mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans,” håber jeg at løsne forventningen om narrativitet. Det er en invitation til at træde væk fra dekoding og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primatet af levet erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at indføje det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt at fortolke end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af betrakteren møder deres eget blik. Som jeg ofte bemærker, “leder værket liv, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol under skabelsen. Jeg sætter betingelser, men giver afkald på udfaldet, så maleriet bliver hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv,” fuldt afsløret først når det er færdigt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på det, der kommer “her og nu.”

At holde fast i disse intentioner er der nogle milde paradokser, der støtter værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for nuet
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “irreducerbare nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg nået til at føle, at “tiden for det uformelle kun lige har begyndt.” Min praksis er forpligtet til ånden i Art Informel, dog måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kernen. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine reflektioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt bestræbelse. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradoks ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner