Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik sten, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#485 - M - " Landskab #1 ".

Acryli spray på plexiglasplade på 3 mm ( UV‑beskyttet).
Dette billede er ikke et tryk. Det er et originalt værk i "multi‑lag" hvor den blanke, glossy overflade, der minder om en resin‑applikation, er unik.

Dimensioner: Tommer 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520 egestue hvid eg (Tommer 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefales og kan købes ved afsendelse for yderligere 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er omfattet af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker er udstillet over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg findes på www.antonkaestner.com.

Næste soloudstilling – Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Geneve, Schweiz, voksede jeg op omgivet af min hjertes hjemlands naturlige skønhed og kulturelle rigdom. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslang passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i A4- og derefter A3‑hæfter – jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og truende, mens små værker kan inspirere langt mere kærlighed. Jeg blev først trukket mod ikke‑figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonates med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til at blive en virkelig kunstner ikke direkte.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, Asien og Frankrig. Mine rejser åbnede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Overalt hvor jeg gik, nedsank jeg i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maling en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre Jeg har altid fundet stor tilfredshed i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en ærlig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, fuldt ud engageret jeg mig i maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, særligt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sacristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Mit første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en karakteristisk tilgang til kunst væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayedeler på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” — alt går for at afkorte fornuften! — at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældigheden aldrig beslutningen; højest stiller den spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med fotografiets afslørings-/fikseringsproces, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: jeg er glad, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” nok eller “teoretisk forestilling”, men oplevelse af at være. Hverken “hurtig konsum” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udbredelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også hverken har grund til at være eller en ende eller et formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lyset i glasmaling, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende skal, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk virker som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Mængden af lys, farve og tekstur, også de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for det nære” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar, og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Enkelt, jeg finder tilfredshed i den fortsatte proces af spørgende og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at finpudse mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af samtidskunst, hvor koncept og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende synlighed, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skimrende farvefelter og lys inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenfaldne intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påførte Betydninger. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans,” håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra dekodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Arbejdet bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren møder deres eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er, hvor idé møder hånd: Processen som Inkodet Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglass, arbejdet uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst udvikling af kontrol i handlingen med at skabe. Jeg sætter betingelser, men giver slip på udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner består af nogle få blide paradokser, der understøtter arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’,” men de er kun mulige inden for forsigtige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, som jeg kalder meningsløse. Måske det, der deles, ikke er en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en mærkbar ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi ligger i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “irreducerbare nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” — et ønske om ren nærvær, som værket stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver vedvarende opmærksomhed, men sigter efter et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sig selv.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “den informalens tidsalder lige er begyndt.” Min praksis er taknemmelig for ånden i Art Informel, om end måske med mindre smerte og mere ro — en uformalisme hvor tilfældigheden ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I sin kerne er det en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at opmuntre intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner