Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unik skabelse, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#484 - M - " Landskab #2 ".

Sprøjtemaling i akryl på 3 mm plexiglasplade (UV-bestandig).
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk i "multi-lag" med en blank, glossy effekt, der minder om påføring af harpiks og som er unik.

Dimensioner: 17,3 x 12,6 x 0,12 tommer / 44 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520, massiv eg-look (tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en ekstra pris på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Ægthedscertifikat følger.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg findes på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af naturens skønhed og kulturberigelse i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min seneste bedstefar, håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede kernen til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4 og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan vække langt mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Gennem tiden, og mens jeg anser mig selv for ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de gengældte min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I mere end tre årtionder forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig over hele kloden—from USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede min horisont og eksponered mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg var, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokuset på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og tænke over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, fuldt ud forpligtet til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse, og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en tom sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og til tider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældet ikke beslutningerne; mest af alt stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der fylder sig med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “uomgængelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk begreb” men oplevelsen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, endema og formål. Selvom mit arbejde nogle gange måtte fremkalde gennemsigtigheden og glansen af farvet glas, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende hud, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil leg mellem “detaljer for tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar og vil forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, som presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske mere af, hvad jeg kan opnå. At male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter et maleri så perfekt, at det ikke har brug for os. Den informal samtale har kun netop begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhæng i min praksis

I landskabet af samtidskunst, hvor begreb og form bærer lige meget vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtrædende position, men af nærvær. Mine malerier—skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre det endelige billede end den stille sammenspil mellem tanke og proces, der får det til at fremstå.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra dekodningen og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i det åbne rum forsøger jeg at indlægge det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Indlejret Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis af at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i selve skaberprocessen. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først, når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er nogle få blide paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det delte ikke en erklæring, men en tilstand—aftag af lys, en stille tilstedeværelse, en mærkbar ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgia hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “uomgængelige nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sig selv.” Jeg drages af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg begyndt at føle, at “tiden for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis er i gæld til ånden af Art Informel, dog måske med mindre angst og mere ro—en uformelhed, hvor tilfældigheden ikke er en rupture, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at opmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til sidst er dette blot én kunstners sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en samlet stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger, tror jeg, blive en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner