Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Unik del, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#510 - M - " Suncub ".

Acrylium spray på plexiglasplade på 3 mm (UV-bestandig).
Dette maleri er ikke en print. Det er et originalt værk i "multi-lag" hvis glansfulde udtryk "glossy", der minder om påføring af et resin, er unikt.

Dimensioner: Tommer 17,3 x 12,6 x 0,12 / 44 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 520 belagt egehvid (Tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for et tillæg på 90€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker er udstillet over hele Europa, i Schweiz, i Dubai og i Japan. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Geneve, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturrige landsby. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange lidenskab.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimenterede med utallige akryler i A4- og derefter A3-Notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder møder dig direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg kom først til nonfigurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv for ateist, udviklede jeg også en kærlighed til spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke øjeblikkelig.
I mere end tre årtiers forløb forfulgte jeg en international karriere inden for forretning, som førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, tværs gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede min horisont og udsatte mig for en bred vifte af kulturel indflydelse. Overalt hvor jeg begyndte, slog jeg mig ned i lokale kunstmiljøer og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere har kunsten altid været en del af mig, hvis stille simren under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet enorm tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, besluttede jeg fuldt ud at male. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at ägnere mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt min arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger i hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprøjter på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, glansfuld og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter”—alt går for at korte årsagen!— at guide resultatet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig udstilles. Men lad mig være tydelig: i mine billeder tager tilfældigheden aldrig beslutningerne; højst må tilfældigheden stille spørgsmål; meningsfulde “samsyn” er kun muligt med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med revelat ion / fastsættelsesprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Værdi af kompositionen bliver beriget af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i tavshed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “følelse” eller “teoretisk forestilling”, men erfaringen af at være. Ikke “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller betydning; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, endeligt mål eller formål. Selvom min virksomhed nogle gange måtte kalde gennemsigtigheden og luminositeten af farveskær, er det stort set abstrakt. Desuden giver plexiglasmaleriet maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, de manglende dele også, kræver blot empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et detaljeret billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces af spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der tvinger mig til at forfine mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Den tidsalder af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet for samtidskunst, hvor koncept og form har lige vægt, søger jeg at skabe arbejde defineret ikke af fremtrædendehed, men af tilstedeværelse. Mine malerier—funklende farve- og lysfelter inden i plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil af tanke og proces, der tillader det at fremstå.

Denne praksis hviler på tre sammenkædede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller formål”, håber jeg at løsne forventningen om fortælling. Det er en invitation til at træde væk fra dekodning og mod en mere direkte form for iagttagelse.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at sætte det, jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, og mere en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sin egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som Ilevendt Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejdet uden visuel feedback, er en fysisk praksis af at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i selve skabelsen. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et selvstændigt “objekt af sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldført. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på, hvad der kommer “her og nu.”

At holde fast i disse intentioner er nogle milde paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om meningsfulde “samsyn” (coincidences), men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalg i for Nuet
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “irreducerbare nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv roligt tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “oppstod af sig selv.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis er i gæld til ånden i Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er menet til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine overvejelser er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokse ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan disse spændinger, tror jeg, blive en kilde til robusthed.

Anton Kaestner