André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Este sculpture abstracto del renombrado artista suizo André Ramseyer (1914-2007) fue adquirido directamente del artista alrededor de 1970 y es característico de su estilo, fuertemente influenciado por la abstracción geométrica de Henry Moore. Su obra de este periodo se centra en la interacción entre “lleno y vacío”, donde el agujero circular en la escultura es un elemento clásico de su vocabulario. Aunque muchas de sus obras más conocidas están fundidas en bronce, también trabajó con tipos de piedra como el mármol y el alabastro. Esta pieza específica parece estar hecha de un tipo de mármol pulido. La escultura está numerada 1/1 y lleva su monograma característico. Las dimensiones son 28 cm de largo, 18 cm de alto y 12 cm de profundidad. Las últimas 3 fotos son de obras similares de la misma época.

Procedencia
Taller del artista
Familia van Vliet, Eindhoven (1971)

¡Importante!
La base negra maciza no se entrega debido a su peso (>25 kg) a menos que se retire la pieza.

André Ramseyer
Para André Ramseyer, la escultura fue una verdadera vocación: “No pude hacer otra cosa. Obedecía a una vocación interior.” Una vocación que trató de responder, no sin dolor: “Apuntas a un objetivo que se aleja cada vez más a medida que te acercas. El artista siempre queda corto respecto a lo que quisiera lograr. Es una fuente de sufrimiento y, al mismo tiempo, una fuente de inspiración”, afirmó a Dominique Bosshard (en el Neuchâtel Express, 31 de enero de 2004) cuando tenía 90 años.

Después de estudiar con Léon Perrin (1886-1978) en La Chaux-de-Fonds y tomar clases en las Free Academies de Montmartre y Montparnasse en París, André Ramseyer trató el cuerpo humano en un estilo que reflejaba su admiración por maestros como Rodin (1840-1917) y Maillol (1861-1944). La última obra figurativa del escultor es La Danzante, que mira hacia la piscina en el centro del jardín formal frente al Hôtel DuPeyrou de Neuchâtel. Esto marcó un hito importante en su carrera: primero porque fue su primera gran orden oficial y, segundo, porque la obra generó controversia. André Ramseyer tuvo que defenderla ante un grupo de oponedores que se adherían al arte tradicional. Pasaron cinco años hasta que la obra fue revelada, a pesar de que el proyecto original del escultor databa de 1948.

Tras su periodo en el taller de Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer se movió gradualmente hacia la abstracción. Las figuras de los pares que esculpía adoptaron formas simplificadas y refinadas, con vacíos entre sus cuerpos. Explicó su desarrollo de la siguiente manera:

“Fue en 1948, tras La Danzante en el Hôtel DuPeyrou, cuando me aparté de la kunstfigurativa. Después de pasar un año en París, trabajé junto al escultor Ossip Zadkine. Bajo su influencia me fui transformando lentamente hacia una forma de libertad que tanto había deseado.” Zadkine siguió siendo un escultor figurativo, pero permitió libertades con el cuerpo humano, libertades que yo adopté, como en Consuelo, una escultura que ahora se encuentra en la plaza central de Biel/Bienne; sigue siendo el cuerpo masculino y femenino, pero tratado con gran libertad.”¹

Cuando André Ramseyer se aventuró en la abstracción, esta forma de arte fue criticada por el gran público y también por muchos artistas, como Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) y Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ramseyer cuenta que este último, durante una estancia en París, sintió la tentación de pintar no figurativamente, pero desistió. “Frente a una escultura de Marino Marini me dijo incluso: ‘Esto no es para nosotros’.” En cuanto a Léon Perrin, evaluó la obra de su antiguo alumno ahora como “infantil, ¡casi degenerada!”²

Los pintores amigos de Ramseyer, como Georges Froidevaux y Claude Loewer, que también se habían inclinado por el arte abstracto, se toparon con el mismo malentendido: el público en Neuchâtel simplemente no lo miraba. No podían seguir el ritmo. Sin embargo, la región de Neuchâtel y Jura dio una entrada espectacular en la era del arte moderno a partir de los años cincuenta; el escultor André Ramseyer fue uno de los primeros en abandonar el arte figurativo y dio a sus exploraciones del círculo una dimensión personal, aunque su obra también mostraba ecos de Jean Arp o de Henry Moore (que descubrió en 1950 en el Kunstmuseum de Berna).

Estas exploraciones formales se volvieron cada vez más innovadoras, con el riesgo de herir las sensibilidades del público neuchâtelois, que seguía mayoritariamente ajeno al arte abstracto. Así escribió Le Courrier de Genève en 1960, tras la inauguración de una escultura en la fachada del edificio de Winterthur en Neuchâtel:

“Para los interesados —y creemos que son muchos— queremos señalar que el motivo de bronce en la fachada del edificio, creado por el escultor Ramseyer, lleva el título Envol” (Fuga), lo cual es bueno saber.”³ El escultor quería integrar la obra, una vez más, en la arquitectura. Ramseyer explicó esto en la Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Para este edificio moderno tan marcado, el objetivo era elegir un motivo sencillo, apto para el aire libre, visible a distancia y también para los automovilistas, incluso a los que pasan a toda velocidad.” Elegí un juego de curvas que, en contraste, subrayaba las verticales y horizontales del edificio. Fue necesario crear un ritmo ascendente, obedeciendo al gran movimiento hacia arriba de la fachada y a la larga pared rectangular que debía ornamentarse. Quiero enfatizar que esta obra —a la que llamé Fuga— no representa nada. Es un elemento escultórico en el que solo hay que ver un juego de formas y ritmos. La arquitectura contemporánea exige una escultura contemporánea.”⁴

Ramseyer creó innumerables obras monumentales y entabló un diálogo dinámico con la arquitectura. Siempre estuvo decidido a integrarse en el espíritu del lugar, jugando con el espacio, la luz y los materiales de esos lugares. Según Olivier Bauermeister, las esculturas de Ramseyer generan “gradualmente el espacio que necesitan, en un movimiento ininterrumpido de principio y fin.”5

Ramseyer encontró un camino original al multiplicar variaciones sobre la forma circular. Para él, “el globo es la más hermosa de todas las líneas...” También dio un lugar central a la “magia del vacío” que habita y penetra la forma. Los extremos opuestos de lo material y lo inmaterial se unen de esta manera. El artista decía con frecuencia que sus obras se desarrollaban en el espacio, tal como el espacio las atravesaba. Quería que “irradiaran desde adentro”. En su monografía sobre el artista de 1979, Marcel Joray escribió: “Formas nacidas de la circunferencia, símbolo del cielo, y de secciones nacidas de la cuadrícula, símbolo de la tierra, se multiplican. La circunferencia se convertirá en la forma central de todas las esculturas de Ramseyer, que buscan lograr la marca, la materia espiritualizada.” El escultor repite este punto (en L’Express, 31 de enero de 2004): “En una obra de arte hay materia, espacio, luz, toda la destreza que se puede poner en ella. Pero debe existir una dimensión adicional, esencial, que yo llamaría espiritual. La obra de arte emite sus propias vibraciones.”

La serie Cantata of Gates of Day (1988-1990) ocupa un lugar único dentro de su obra. Ramseyer pasó repetidamente junto a las losas de granito que su vecino, un cantero, había apilado cerca de su taller. Un día sintió el impulso de hacer hackear formas arquitectónicas a partir de esas losas y añadirles grabados sutiles, como un homenaje al propio material. Este enfoque inquietó a muchos y el propio artista tuvo dificultades con él.

Ramseyer habló una y otra vez de su trabajo, en entrevistas y conferencias. También escribió los textos para la segunda parte de la monografía publicada en 1994 por Éditions du Griffon.