École espagnole (XX) - Le Silence des objets
06
días
20
horas
34
minutos
06
segundos
Empezar a pujar
€ 1
Precio de reserva no alcanzado
No hay ninguna puja
Protección del Comprador de Catawiki
Tu pago está protegido con nosotros hasta que recibas tu objeto.Ver detalles
Trustpilot 4.4 | 143856 valoraciones
Valoración Excelente en Trustpilot.
Le Silence des objets es una pintura al óleo española de entre 1950 y 1960, vendida con marco.
Resumen redactado con la ayuda de la IA
Descripción del vendedor
Escuela española del siglo XX – Bodegón con damajuana verde y manzana – Óleo
Interesante pintura al óleo perteneciente a la escuela española del siglo XX, que representa una naturaleza muerta de composición austera e intimista, protagonizada por una gran botella de vidrio verde, un recipiente de cristal, un pequeño cuenco oscuro y una manzana de intensas tonalidades rojizas.
La obra destaca por su sobriedad compositiva, la riqueza de sus matices cromáticos y un tratamiento pictórico de carácter expresivo, que permite relacionarla con la tradición del bodegón español y con las corrientes naturalistas y posimpresionistas desarrolladas durante el siglo XX.
El artista organiza los diferentes objetos sobre una superficie horizontal, frente a un fondo de tonalidades pardas y grisáceas, construyendo una composición equilibrada en la que la luz desempeña un papel fundamental.
La pintura presenta una atmósfera silenciosa y recogida, caracterizada por la ausencia de elementos accesorios y por una atención especial a las relaciones entre volumen, materia y color.
El resultado es una obra de notable sensibilidad pictórica, en la que la representación de objetos cotidianos adquiere una dimensión estética que trasciende su sencillez.
Descripción y análisis artístico
La composición reúne varios objetos de uso cotidiano dispuestos sobre una mesa, con una gran botella de vidrio verde como principal elemento estructural.
En primer término aparecen un cuenco oscuro, un recipiente de cristal y una manzana de color rojo intenso, que introduce el principal acento cromático de la pintura.
La paleta está dominada por verdes profundos, marrones, grises, ocres y tonalidades terrosas, con pequeños contrastes de luz que destacan determinadas superficies.
El artista utiliza una pincelada visible y expresiva, especialmente apreciable en el fondo y en el tratamiento de los objetos.
La botella presenta una construcción volumétrica mediante superposiciones de verdes, negros y reflejos claros, mientras que los restantes elementos se integran en una atmósfera de iluminación tenue.
La manzana, representada mediante rojos intensos y sombras violáceas, aporta un contrapunto cálido frente al predominio de las tonalidades oscuras.
El fondo aparece resuelto mediante amplias pinceladas y variaciones cromáticas que sugieren un espacio interior sin definirlo de manera precisa.
La composición transmite una sensación de equilibrio, intimidad y silencio, características que la relacionan con una larga tradición de la pintura española.
La tradición del bodegón español
La obra se inscribe estilísticamente dentro de la importante tradición del bodegón español, un género que alcanzó un extraordinario desarrollo desde finales del siglo XVI y durante el siglo XVII.
La pintura española concedió una especial importancia a la representación de objetos cotidianos, alimentos, recipientes y elementos domésticos, frecuentemente organizados mediante composiciones austeras y una iluminación cuidadosamente estudiada.
Uno de los principales representantes de esta tradición fue Juan Sánchez Cotán (1560–1627), cuyas naturalezas muertas se caracterizan por la sobriedad de los elementos representados, la claridad compositiva y una atmósfera de intenso recogimiento.
Posteriormente, artistas como Francisco de Zurbarán (1598–1664) desarrollaron una interpretación especialmente sensible de los objetos, concediendo gran importancia a su presencia material, a los volúmenes y a los efectos de la luz.
En estas composiciones, los objetos más sencillos podían adquirir una notable intensidad visual mediante su aislamiento y una iluminación cuidadosamente organizada.
La presente pintura recoge parte de esta sensibilidad, especialmente por la austeridad de su planteamiento y por la importancia concedida a la presencia individual de los objetos.
Sin embargo, su ejecución pictórica responde a una sensibilidad moderna, caracterizada por una mayor libertad de pincelada y por una interpretación cromática menos dependiente de los procedimientos académicos tradicionales.
Durante los siglos XIX y XX, numerosos artistas españoles recuperaron la naturaleza muerta como un género especialmente adecuado para investigar las relaciones entre forma, color, volumen y materia.
La presente obra puede situarse dentro de esta continuidad artística, en la que la tradición del bodegón clásico se combina con los lenguajes pictóricos de la modernidad.
Influencias posimpresionistas y pintura moderna
Desde el punto de vista estilístico, la pintura presenta afinidades con las corrientes posimpresionistas que transformaron la representación de la naturaleza muerta a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
El posimpresionismo supuso una renovación de los procedimientos pictóricos, concediendo una mayor importancia a la estructura de la composición, la autonomía del color y la construcción de los volúmenes mediante relaciones cromáticas.
Uno de los artistas fundamentales en esta evolución fue Paul Cézanne (1839–1906), cuya producción de naturalezas muertas ejerció una influencia decisiva sobre la pintura moderna.
Cézanne desarrolló una interpretación de los objetos basada en su estructura, su volumen y su relación con el espacio, alejándose progresivamente de la representación estrictamente académica.
En la presente obra pueden reconocerse determinadas afinidades generales con esta sensibilidad, especialmente por la importancia concedida a la organización de los volúmenes y a las relaciones cromáticas entre los diferentes objetos.
La botella, el cuenco, el recipiente de cristal y la manzana están construidos mediante masas de color que permiten establecer una composición sólida y equilibrada.
La pincelada visible y la simplificación de determinados detalles refuerzan esta orientación moderna.
Asimismo, la obra presenta ciertas afinidades con el expresionismo figurativo, especialmente en el tratamiento del fondo y en la utilización de tonalidades oscuras que contribuyen a crear una atmósfera emocional.
El artista no busca únicamente reproducir las características materiales de los objetos, sino transmitir una determinada sensación de silencio y recogimiento.
Estas influencias permiten relacionar la pintura con las tendencias figurativas desarrolladas durante el siglo XX, en las que la tradición naturalista convivió con una mayor libertad técnica y expresiva.
La naturaleza muerta en la pintura española del siglo XX
Durante el siglo XX, el bodegón mantuvo una presencia destacada dentro de la pintura española, tanto entre artistas vinculados a la tradición figurativa como entre aquellos que participaron en las corrientes de renovación artística.
La representación de objetos cotidianos ofrecía amplias posibilidades para investigar la composición, el color, la luz y la materia pictórica.
Artistas como Francisco Bores, Pancho Cossío y Daniel Vázquez Díaz, desde lenguajes diferentes, contribuyeron a renovar la pintura figurativa española mediante una mayor libertad formal y una interpretación personal del color.
La naturaleza muerta se convirtió en un género especialmente adecuado para desarrollar estas investigaciones.
En algunas composiciones, los objetos aparecen simplificados y organizados mediante estructuras geométricas; en otras, la materia pictórica y la atmósfera adquieren un protagonismo fundamental.
La presente obra se aproxima a esta segunda sensibilidad, caracterizada por una representación contenida de los objetos y una especial atención a las cualidades expresivas de la pintura.
El artista utiliza una composición sencilla para explorar las relaciones entre los colores oscuros, los reflejos del vidrio y los pequeños contrastes luminosos.
La ausencia de elementos decorativos innecesarios refuerza el carácter introspectivo de la escena.
La obra puede entenderse así como una interpretación moderna de la tradición española del bodegón, en la que la austeridad compositiva convive con una pincelada libre y expresiva.
Color, luz y técnica pictórica
Uno de los principales atractivos de la pintura es su tratamiento de la luz.
El artista utiliza una iluminación tenue que permite destacar determinados reflejos sobre el vidrio y pequeñas zonas de claridad en los objetos.
La gran botella verde constituye el principal volumen de la composición, construida mediante una combinación de verdes profundos, negros y matices grisáceos.
Los recipientes del primer término presentan tonalidades oscuras que contribuyen a reforzar la atmósfera de recogimiento.
La manzana introduce un contraste cromático especialmente significativo, mediante rojos intensos y pequeñas zonas de luz que destacan sobre el conjunto.
El fondo está construido mediante pinceladas amplias y superposiciones de marrones, grises y ocres, creando una superficie de notable riqueza matérica.
La pincelada aparece claramente visible y contribuye a definir los volúmenes sin recurrir a una representación excesivamente detallada.
La composición presenta una organización equilibrada, en la que los objetos se distribuyen mediante diferentes alturas y formas.
La verticalidad de la botella contrasta con los volúmenes redondeados de los restantes elementos, generando un ritmo visual contenido.
El resultado es una pintura de gran sobriedad, en la que el color, la materia y la iluminación constituyen los principales recursos expresivos.
Interés artístico y coleccionístico
La obra constituye una atractiva interpretación de la naturaleza muerta dentro de la tradición figurativa española del siglo XX.
Su principal interés reside en la austeridad de la composición, la riqueza de los matices cromáticos y el tratamiento expresivo de la materia pictórica.
La pintura recoge influencias del bodegón clásico español y de las corrientes posimpresionistas, combinando una estructura tradicional con una ejecución de carácter moderno.
La presencia de objetos cotidianos, la iluminación tenue y la paleta de tonalidades profundas contribuyen a crear una atmósfera de gran intimidad.
La composición presenta una sensibilidad cercana a determinadas tendencias del realismo moderno y del expresionismo figurativo, especialmente por su interés en la presencia material de los objetos y por la expresividad de la pincelada.
Se trata de una pintura especialmente interesante para coleccionistas de bodegones españoles, pintura figurativa del siglo XX, posimpresionismo, naturalismo y arte moderno de carácter intimista.
Características de la obra
Autor: No identificado.
Escuela: Española.
Época: Siglo XX.
Técnica: Óleo.
Estilo: Bodegón figurativo de tradición naturalista, con influencias posimpresionistas y expresionistas.
Género: Naturaleza muerta.
Tema: Bodegón con botella verde, recipientes y manzana.
Presentación: Enmarcada.
Marco y estado de conservación
La pintura se presenta con un marco de madera de tonalidad blanca, con acabado envejecido y moldura ancha de líneas clásicas.
La superficie del marco presenta desgastes y pequeñas marcas que aportan un carácter decorativo de inspiración tradicional.
El acabado blanco contrasta con la paleta oscura de la pintura y contribuye a destacar la composición.
El marco se ofrece como obsequio al comprador, sin valor comercial, y no forma parte de la valoración económica de la obra.
Se recomienda examinar detenidamente todas las fotografías, que forman parte integrante de la descripción, para valorar el estado de conservación y las características visibles del conjunto.
Envío
La obra será embalada cuidadosamente y de manera profesional, utilizando materiales de protección adecuados a sus características.
Se prestará especial atención a la protección de la superficie pictórica y a la seguridad del conjunto durante el transporte.
Los envíos con destino fuera de la Unión Europea pueden estar sujetos a impuestos, aranceles, tasas de importación, gastos de despacho y trámites aduaneros. Estos posibles gastos serán responsabilidad del comprador y no están incluidos en el precio de adjudicación ni en los gastos de envío.
Asimismo, los envíos con destino a islas, territorios insulares o zonas consideradas remotas o de difícil acceso por las compañías de transporte pueden comportar gastos adicionales. Cualquier suplemento aplicado por la empresa de transporte por este motivo deberá ser asumido por el comprador.
El vendedor y su historia
En ARTEMISA nos dedicamos a la selección y subasta de obras de arte, antigüedades y objetos de colección, combinando experiencia, pasión y un cuidado especial en la elección y presentación de cada pieza.
A lo largo de nuestra trayectoria hemos reunido un catálogo de más de 10.000 obras, que abarca una amplia variedad de escuelas, estilos y periodos, con especial atención a la pintura y al arte europeo. Las piezas proceden principalmente de colecciones privadas y otras fuentes seleccionadas, lo que nos permite mantener una oferta amplia, diversa y en constante renovación.
Cada obra es estudiada y presentada con el objetivo de proporcionar al coleccionista una información rigurosa y transparente, prestando especial atención a su catalogación, estado de conservación y contexto artístico.
Trabajamos tanto para coleccionistas experimentados como para quienes comienzan a descubrir el mundo del arte, ofreciendo desde obras accesibles hasta piezas de especial interés histórico, artístico o decorativo.
En ARTEMISA entendemos cada subasta como una oportunidad para descubrir, conservar y dar una nueva vida a obras con historia, conectándolas con coleccionistas de todo el mundo.
Escuela española del siglo XX – Bodegón con damajuana verde y manzana – Óleo
Interesante pintura al óleo perteneciente a la escuela española del siglo XX, que representa una naturaleza muerta de composición austera e intimista, protagonizada por una gran botella de vidrio verde, un recipiente de cristal, un pequeño cuenco oscuro y una manzana de intensas tonalidades rojizas.
La obra destaca por su sobriedad compositiva, la riqueza de sus matices cromáticos y un tratamiento pictórico de carácter expresivo, que permite relacionarla con la tradición del bodegón español y con las corrientes naturalistas y posimpresionistas desarrolladas durante el siglo XX.
El artista organiza los diferentes objetos sobre una superficie horizontal, frente a un fondo de tonalidades pardas y grisáceas, construyendo una composición equilibrada en la que la luz desempeña un papel fundamental.
La pintura presenta una atmósfera silenciosa y recogida, caracterizada por la ausencia de elementos accesorios y por una atención especial a las relaciones entre volumen, materia y color.
El resultado es una obra de notable sensibilidad pictórica, en la que la representación de objetos cotidianos adquiere una dimensión estética que trasciende su sencillez.
Descripción y análisis artístico
La composición reúne varios objetos de uso cotidiano dispuestos sobre una mesa, con una gran botella de vidrio verde como principal elemento estructural.
En primer término aparecen un cuenco oscuro, un recipiente de cristal y una manzana de color rojo intenso, que introduce el principal acento cromático de la pintura.
La paleta está dominada por verdes profundos, marrones, grises, ocres y tonalidades terrosas, con pequeños contrastes de luz que destacan determinadas superficies.
El artista utiliza una pincelada visible y expresiva, especialmente apreciable en el fondo y en el tratamiento de los objetos.
La botella presenta una construcción volumétrica mediante superposiciones de verdes, negros y reflejos claros, mientras que los restantes elementos se integran en una atmósfera de iluminación tenue.
La manzana, representada mediante rojos intensos y sombras violáceas, aporta un contrapunto cálido frente al predominio de las tonalidades oscuras.
El fondo aparece resuelto mediante amplias pinceladas y variaciones cromáticas que sugieren un espacio interior sin definirlo de manera precisa.
La composición transmite una sensación de equilibrio, intimidad y silencio, características que la relacionan con una larga tradición de la pintura española.
La tradición del bodegón español
La obra se inscribe estilísticamente dentro de la importante tradición del bodegón español, un género que alcanzó un extraordinario desarrollo desde finales del siglo XVI y durante el siglo XVII.
La pintura española concedió una especial importancia a la representación de objetos cotidianos, alimentos, recipientes y elementos domésticos, frecuentemente organizados mediante composiciones austeras y una iluminación cuidadosamente estudiada.
Uno de los principales representantes de esta tradición fue Juan Sánchez Cotán (1560–1627), cuyas naturalezas muertas se caracterizan por la sobriedad de los elementos representados, la claridad compositiva y una atmósfera de intenso recogimiento.
Posteriormente, artistas como Francisco de Zurbarán (1598–1664) desarrollaron una interpretación especialmente sensible de los objetos, concediendo gran importancia a su presencia material, a los volúmenes y a los efectos de la luz.
En estas composiciones, los objetos más sencillos podían adquirir una notable intensidad visual mediante su aislamiento y una iluminación cuidadosamente organizada.
La presente pintura recoge parte de esta sensibilidad, especialmente por la austeridad de su planteamiento y por la importancia concedida a la presencia individual de los objetos.
Sin embargo, su ejecución pictórica responde a una sensibilidad moderna, caracterizada por una mayor libertad de pincelada y por una interpretación cromática menos dependiente de los procedimientos académicos tradicionales.
Durante los siglos XIX y XX, numerosos artistas españoles recuperaron la naturaleza muerta como un género especialmente adecuado para investigar las relaciones entre forma, color, volumen y materia.
La presente obra puede situarse dentro de esta continuidad artística, en la que la tradición del bodegón clásico se combina con los lenguajes pictóricos de la modernidad.
Influencias posimpresionistas y pintura moderna
Desde el punto de vista estilístico, la pintura presenta afinidades con las corrientes posimpresionistas que transformaron la representación de la naturaleza muerta a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
El posimpresionismo supuso una renovación de los procedimientos pictóricos, concediendo una mayor importancia a la estructura de la composición, la autonomía del color y la construcción de los volúmenes mediante relaciones cromáticas.
Uno de los artistas fundamentales en esta evolución fue Paul Cézanne (1839–1906), cuya producción de naturalezas muertas ejerció una influencia decisiva sobre la pintura moderna.
Cézanne desarrolló una interpretación de los objetos basada en su estructura, su volumen y su relación con el espacio, alejándose progresivamente de la representación estrictamente académica.
En la presente obra pueden reconocerse determinadas afinidades generales con esta sensibilidad, especialmente por la importancia concedida a la organización de los volúmenes y a las relaciones cromáticas entre los diferentes objetos.
La botella, el cuenco, el recipiente de cristal y la manzana están construidos mediante masas de color que permiten establecer una composición sólida y equilibrada.
La pincelada visible y la simplificación de determinados detalles refuerzan esta orientación moderna.
Asimismo, la obra presenta ciertas afinidades con el expresionismo figurativo, especialmente en el tratamiento del fondo y en la utilización de tonalidades oscuras que contribuyen a crear una atmósfera emocional.
El artista no busca únicamente reproducir las características materiales de los objetos, sino transmitir una determinada sensación de silencio y recogimiento.
Estas influencias permiten relacionar la pintura con las tendencias figurativas desarrolladas durante el siglo XX, en las que la tradición naturalista convivió con una mayor libertad técnica y expresiva.
La naturaleza muerta en la pintura española del siglo XX
Durante el siglo XX, el bodegón mantuvo una presencia destacada dentro de la pintura española, tanto entre artistas vinculados a la tradición figurativa como entre aquellos que participaron en las corrientes de renovación artística.
La representación de objetos cotidianos ofrecía amplias posibilidades para investigar la composición, el color, la luz y la materia pictórica.
Artistas como Francisco Bores, Pancho Cossío y Daniel Vázquez Díaz, desde lenguajes diferentes, contribuyeron a renovar la pintura figurativa española mediante una mayor libertad formal y una interpretación personal del color.
La naturaleza muerta se convirtió en un género especialmente adecuado para desarrollar estas investigaciones.
En algunas composiciones, los objetos aparecen simplificados y organizados mediante estructuras geométricas; en otras, la materia pictórica y la atmósfera adquieren un protagonismo fundamental.
La presente obra se aproxima a esta segunda sensibilidad, caracterizada por una representación contenida de los objetos y una especial atención a las cualidades expresivas de la pintura.
El artista utiliza una composición sencilla para explorar las relaciones entre los colores oscuros, los reflejos del vidrio y los pequeños contrastes luminosos.
La ausencia de elementos decorativos innecesarios refuerza el carácter introspectivo de la escena.
La obra puede entenderse así como una interpretación moderna de la tradición española del bodegón, en la que la austeridad compositiva convive con una pincelada libre y expresiva.
Color, luz y técnica pictórica
Uno de los principales atractivos de la pintura es su tratamiento de la luz.
El artista utiliza una iluminación tenue que permite destacar determinados reflejos sobre el vidrio y pequeñas zonas de claridad en los objetos.
La gran botella verde constituye el principal volumen de la composición, construida mediante una combinación de verdes profundos, negros y matices grisáceos.
Los recipientes del primer término presentan tonalidades oscuras que contribuyen a reforzar la atmósfera de recogimiento.
La manzana introduce un contraste cromático especialmente significativo, mediante rojos intensos y pequeñas zonas de luz que destacan sobre el conjunto.
El fondo está construido mediante pinceladas amplias y superposiciones de marrones, grises y ocres, creando una superficie de notable riqueza matérica.
La pincelada aparece claramente visible y contribuye a definir los volúmenes sin recurrir a una representación excesivamente detallada.
La composición presenta una organización equilibrada, en la que los objetos se distribuyen mediante diferentes alturas y formas.
La verticalidad de la botella contrasta con los volúmenes redondeados de los restantes elementos, generando un ritmo visual contenido.
El resultado es una pintura de gran sobriedad, en la que el color, la materia y la iluminación constituyen los principales recursos expresivos.
Interés artístico y coleccionístico
La obra constituye una atractiva interpretación de la naturaleza muerta dentro de la tradición figurativa española del siglo XX.
Su principal interés reside en la austeridad de la composición, la riqueza de los matices cromáticos y el tratamiento expresivo de la materia pictórica.
La pintura recoge influencias del bodegón clásico español y de las corrientes posimpresionistas, combinando una estructura tradicional con una ejecución de carácter moderno.
La presencia de objetos cotidianos, la iluminación tenue y la paleta de tonalidades profundas contribuyen a crear una atmósfera de gran intimidad.
La composición presenta una sensibilidad cercana a determinadas tendencias del realismo moderno y del expresionismo figurativo, especialmente por su interés en la presencia material de los objetos y por la expresividad de la pincelada.
Se trata de una pintura especialmente interesante para coleccionistas de bodegones españoles, pintura figurativa del siglo XX, posimpresionismo, naturalismo y arte moderno de carácter intimista.
Características de la obra
Autor: No identificado.
Escuela: Española.
Época: Siglo XX.
Técnica: Óleo.
Estilo: Bodegón figurativo de tradición naturalista, con influencias posimpresionistas y expresionistas.
Género: Naturaleza muerta.
Tema: Bodegón con botella verde, recipientes y manzana.
Presentación: Enmarcada.
Marco y estado de conservación
La pintura se presenta con un marco de madera de tonalidad blanca, con acabado envejecido y moldura ancha de líneas clásicas.
La superficie del marco presenta desgastes y pequeñas marcas que aportan un carácter decorativo de inspiración tradicional.
El acabado blanco contrasta con la paleta oscura de la pintura y contribuye a destacar la composición.
El marco se ofrece como obsequio al comprador, sin valor comercial, y no forma parte de la valoración económica de la obra.
Se recomienda examinar detenidamente todas las fotografías, que forman parte integrante de la descripción, para valorar el estado de conservación y las características visibles del conjunto.
Envío
La obra será embalada cuidadosamente y de manera profesional, utilizando materiales de protección adecuados a sus características.
Se prestará especial atención a la protección de la superficie pictórica y a la seguridad del conjunto durante el transporte.
Los envíos con destino fuera de la Unión Europea pueden estar sujetos a impuestos, aranceles, tasas de importación, gastos de despacho y trámites aduaneros. Estos posibles gastos serán responsabilidad del comprador y no están incluidos en el precio de adjudicación ni en los gastos de envío.
Asimismo, los envíos con destino a islas, territorios insulares o zonas consideradas remotas o de difícil acceso por las compañías de transporte pueden comportar gastos adicionales. Cualquier suplemento aplicado por la empresa de transporte por este motivo deberá ser asumido por el comprador.
El vendedor y su historia
En ARTEMISA nos dedicamos a la selección y subasta de obras de arte, antigüedades y objetos de colección, combinando experiencia, pasión y un cuidado especial en la elección y presentación de cada pieza.
A lo largo de nuestra trayectoria hemos reunido un catálogo de más de 10.000 obras, que abarca una amplia variedad de escuelas, estilos y periodos, con especial atención a la pintura y al arte europeo. Las piezas proceden principalmente de colecciones privadas y otras fuentes seleccionadas, lo que nos permite mantener una oferta amplia, diversa y en constante renovación.
Cada obra es estudiada y presentada con el objetivo de proporcionar al coleccionista una información rigurosa y transparente, prestando especial atención a su catalogación, estado de conservación y contexto artístico.
Trabajamos tanto para coleccionistas experimentados como para quienes comienzan a descubrir el mundo del arte, ofreciendo desde obras accesibles hasta piezas de especial interés histórico, artístico o decorativo.
En ARTEMISA entendemos cada subasta como una oportunidad para descubrir, conservar y dar una nueva vida a obras con historia, conectándolas con coleccionistas de todo el mundo.
Datos
Se vende con marco
Sí
Vendido por
Galería
Edición
Original
Artista
École espagnole (XX)
Título de la obra
Le Silence des objets
Técnica
Pintura al óleo
Firma
Sin firmar
País de origen
España
Estado
En buen estado
Alto
51 cm
Ancho
51 cm
Representación/tema
Bodegón
Periodo
1950-1960
Vendido por
