Tijs Dragtsma (1992) - A Parasol Scratched From Wind

Tuulen tuo ensin, ennen kuin naisen itsensä hahmo lopulta asettuu: kenttä hienoja naarmuja, kerättynä ripsauksen kaareen, kääntyneen huivin laskeutuessa hänen kasvojensa edestä, ruohikon notkuttaessa hänen jalkojensa alla, avonainen kehräsen keppiin pantu sateenvarjo kohti taivasta, joka ei anna mitään takaisin muuta kuin mustan.

Tämä on Claude Monetin 1875 maalattua teosta Nainen sateenvarjon kanssa, Madame Monet ja hänen poikansa, joka on nykyisin Washingtonin Kansallisen taidegallerian omistuksessa. Alhaalta päin katsottuna hame ja huivi ovat puoleksi tuulen sieppaamia, ja se on yksi niistä maalauksista, jotka ovat eniten vastuussa ajatuksesta, että sää itse, ei nainen, joka siinä seisoo, voisi olla kuvan todellinen aihe.

Miksi alkuperäisesti rakastetaan, on sen kieltäytyminen pysyä paikoillaan. Monet rakentivat koko kankaan yhtenä hyökyä lähteestään, jonka silmä ei näe vaan voi päätellä helman kulmasta, huivin vetäytymisestä, pienen-pojan etäisyydestä ruohon keskellä hänen takanaan. Tämä versio pitää saman epävarmuuden: hahmo, joka nojautuu voimaa vasten, joka ei koskaan hellitä.

Mikään maali, mikään painatus ei säily. Nainen, hänen sateenvarjonsa ja hänen edessään olevan pojan ovat kiinni hienossa naarmujen kentässä akryylilasien pinnalla, olemassa sekä valaistussa että pimeässä huoneessa. Valo ei luo tätä kuvaa. Se terävöittää sen, tuo sateenvarjon kylkiluut ja huivin laskun eteenpäin, syventäen ruohon ja hänen jalkojensa edessä olevan mustan välisiä kontrasteja, joka nielee taivaan yllä.

A Parasol Scratched From Wind kuuluu After the Masters -sarjaan, joka sijoittuu Art with Scratch -sarjan sisälle ja jonka Tijs Dragtsma rakentaa kuvan kontrolloidun pinnan vahingoittamisen avulla sen maalin tai tulosteen sijaan, ja jossa sama vaurio toimii keinona kysyä, kuinka vähän maalauksesta tarvitsee jäädä jäljelle, jotta silmä silti täydellistää sen, mukaan lukien tuulen.

Tämä on Dragtsman itsenäinen teos, uusi tulkinta naarmuissa, eikä kopio, replikaatiokaan Monetin maalauksesta.

"Tuuli oli aina aihe. Tässä se on myös ainoa jäljellä oleva."

Tietoja Art with Scratchista

Art with Scratch on teoskokonaisuus, jossa kuvaa ei piirretä, vaan päästetään vapaaksi. Syvälle mustaan pintaan kaiverrettu viiva viiva kerrallaan, jokainen teos syntyy lukemattomien tarkkojen naarmujen kautta, jotka tarttuvat valoon ja tuovat muodon pimeästä.

Kaukaa katsottuna kuva näyttää melkein valokuvamaiselta. Voimakas, tunnistettava ja täynnä läsnäoloa. Läheltä katsottuna teos hajoaa tiheäksi yksittäisten merkkien verkoksi. Ohuiden, haurasten ja melkein painottomien. Mikä näytti jämähtävälle paljastuu hienoksi viivojen verkkoksi, jokainen viiva tarkoituksellinen ele, jokainen oleellinen koko kokonaisuudelle.

Valo ei luo kuvaa. Se terävöittää sen. Musta pinta imee, kun taas naarmutetut viivat heijastavat. Valon liikkuessa pinnalla kuva hengittää. Yhdestä kulmasta hahmo on selkeä ja määritelty. Toisesta se pehmenee ja palaa takaisin mustuuteen, josta se tuli, mutta ei koskaan katoa. Tarkennetun kohovalon alla kontrasti syvenee ja kuva saa veistoksellisen, melkein valonkaltaisen laadun.

Miten tämä medium on niin kiehtova, on sen hiljainen jännitys. Naarmuttamisen teko on suora ja peruuttamaton. Jokainen viiva on päätös, jota ei voi kumota. Mutta lopputulos ei ole ankara. Se on intiimi, tunnelmallinen ja elävä liikkeellä. Kovuus muuttuu pehmeydeksi. Tuho syntyy luomisen kautta. Apopeus muuttuu läsnäoloksi.

Kuvissa kuten tässä muotokuvassa hahmo ei ole koskaan täysin kiinteä. Viivan, valon ja varjon vuorovaikutuksessa kuva muuttuu perspektiivin ja tunnelman mukaan. Tietyllä hetkellä subjekti tuntuu astuvan esiin mustasta. Toisinaan se asettuu takaisin paikalleen. Siinä liikkeen sisällä, terävyyden ja rauhallisuuden välillä, teos herää eloon.

Kuten ajan koskettamat kaikki materiaalit, pinnalla on oma hiljainen elämänsä. Jokainen naarmu pitää sisällään hetken, hengenvedon, eleen. Yhdessä ne muodostavat ei vain kuvan, vaan olemassaolon, joka jatkaa paljastumistaan valon muuttuessa.

Tietoja taiteilijasta

Nimeni on Tijs Dragtsma, TD Fine Art Studio -perustaja.

Taiteilijana minulla on aina ollut halu tutkia uusia visuaalisia kieliä. En näe taidetta kiinteänä tyylinä, vaan kehittyvänä löytöalanana, jossa materiaali, rakenne, valo ja tunteet kohtaavat.

Työni alkaa usein yksinkertaisesta kysymyksestä. Miten materiaali voi puhutella uudella tavalla? Miten kovuudesta voi tulla intiimiä? Miten täsmällisyys voi luoda tunteen? Tämä etsiminen on kaiken keskiössä, mitä luon.

TD Fine Art Studio -uudessa jokainen teossarja lähestytään omana maailmansa, omalla logiikallaan, ilmapiirillään ja visuaalisella identiteetillään. Osa teoksista rakentuu rytmin, toiston ja rakenteen kautta. Toiset syntyvät poissaolosta, varjosta, heijastuksesta tai jännitteestä. Mitä yhdistää niitä on omaperäisyyden, selkeyden ja tunteellisen läsnäolon yhteinen sitoutuminen.

Minua kiehtoo kontrasti. Vahvuuden ja haurauden välillä. Hallinnan ja tunteen välillä. Mitä nähtävissä ja mitä jätetään tulkinnan varaan. Tavoitteeni ei ole pelkästään tehdä kuvaa, vaan luoda teos, joka pitää huomion, kutsuu reflektointiin ja paljastaa itsensä uudelleen ajan myötä.

TD Fine Art Studio on tila, jossa nämä tutkimukset yhdistyvät. Se ei ole vain studio, vaan kehittyvä taiteellinen universumi, jota muovaa uteliaisuus, tarkkuus ja se kunnianhimo luoda teoksia, jotka tuntuvat erottuvilta, tarkoituksellisilta ja eläviltä.