Bruno Munari - Libro illeggibile bianco nero giallo. - 1956-2011

Bruno Munari. Livre Illeggibile Bianco Nero Giallo 1956. Milan, Giorgio Lucini Éditeur, 2011. Édition hors commerce avec des copies dédicacées à la personne, gracieuseté d'Alberto Munari. Dimensions 30x24 cm. Reliure en demi-toile avec une couverture en carton jaune. Fac-similé de la signature de Munari sur la première de couverture de la pochette et sur l'avant-dernier feuillet. 50 cartes blanches, noires et jaunes non numérotées, coupées de différentes manières pour former des dessins géométriques. En excellent état - quelques traces d'usage minimes, marginales et négligeables sur la couverture.


Bruno Munari (Milan, 24 octobre 1907 – Milan, 30 septembre 1998) était un artiste, designer et écrivain italien.

Aux côtés de l'artiste spatial Lucio Fontana, Bruno Munari s'impose sur la scène milanaise des années cinquante-soixante ; ce sont les années du boom économique, durant lesquelles apparaît la figure de l'artiste opérateur-visuel, qui devient conseiller d'entreprise et contribue activement à la renaissance industrielle italienne de l'après-guerre.

Munari a participé très jeune au Futurisme, dont il s'est éloigné avec un sens de légèreté et d'humour, en inventant la machine aérienne (1930), le premier mobile dans l'histoire de l'art, et les machines inutiles (1933). En 1948, il fonde le MAC (Mouvement d'Art Concrète) avec Gillo Dorfles, Gianni Monnet et Atanasio Soldati. Ce mouvement sert de coalitionur aux revendications abstraites italiennes, proposant une synthèse des arts capable d'associer à la peinture traditionnelle de nouveaux outils de communication et de démontrer aux industriels et aux artistes la possibilité d'une convergence entre art et technique. En 1947, il réalise Concavo-convesso, l'une des premières installations dans l'histoire de l'art, presque contemporaine, bien que antérieure, à l'environnement noir présenté en 1949 par Lucio Fontana à la Galleria Naviglio de Milan. C'est le signe évident que la problématique d'un art qui devient environnement est désormais mature, dans lequel le spectateur est sollicité, non seulement mentalement, mais de manière désormais multisensorielle.
En 1950, il réalise la peinture projetée à travers des compositions abstraites enfermées dans les vitres des diapositives et décompose la lumière grâce à l'utilisation du filtre Polaroid, créant en 1952 la peinture polarisée, qu'il présente au MoMA en 1954 lors de l'exposition Munari's Slides. Il est considéré comme l'un des protagonistes de l'art programmé et cinétique, mais échappe à toute définition ou catégorisation en raison de la multiplicité de ses activités et de sa grande et intense créativité, avec une œuvre très raffinée.

Biographie
Quand quelqu'un dit : je sais aussi le faire, cela signifie qu'il sait le refaire, sinon il l'aurait déjà fait auparavant.
Bruno Munari, Verbale scritto, 1992

Né à Milan de Pia Cavicchioni, brodeuse d'éventails, et d'Enrico Munari, chef de rang originaire de Badia Polesine, Bruno Munari a passé son enfance et son adolescence dans la paternel Badia Polesine, où ses parents s'étaient installés pour gérer un hôtel. En 1925, il est retourné à Milan pour travailler dans plusieurs studios de graphisme professionnel. En 1927, il a commencé à fréquenter Marinetti et le mouvement futuriste, exposant avec eux dans diverses expositions. En 1929, Munari a ouvert un studio de graphisme et de publicité, de décoration, de photographie et de scénographies avec Riccardo Castagnedi, un autre artiste du groupe futuriste milanais, signant ses œuvres avec la sigle R + M jusqu'en 1937 au moins. En 1930, il a réalisé ce qui peut être considéré comme l’un des premiers meubles de l’histoire de l’art, connu sous le nom de machine aérienne, que Munari a repris en 1972 dans une édition limitée à 10 exemplaires pour les éditions Danese de Milan.
En 1933, il poursuivit la recherche d'œuvres d'art en mouvement avec les machines inutiles, objets suspendus, où tous les éléments sont en rapport harmonieux entre eux, par mesures, formes, poids.
Lors d'un voyage à Paris, en 1933, il rencontra Louis Aragon et André Breton.

En 1934, il a épousé Dilma Carnevali.
De 1939 à 1945, il a travaillé comme graphiste chez l'éditeur Mondadori, et comme directeur artistique de la revue Tempo, commençant simultanément à écrire des livres pour enfants, initialement destinés à son fils Alberto. En 1948, avec Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon et Atanasio Soldati, il a fondé le Mouvement Art Concret.

Dans les années cinquante, ses recherches visuelles le conduisent à créer des négatifs-positifs, des tableaux abstraits avec lesquels l'auteur laisse libre le spectateur de choisir la forme en premier plan ou en arrière-plan. En 1951, il présente les machines arithmiques où le mouvement répétitif de la machine est brisé par la casualité grâce à des interventions humoristiques. Toujours dans les années cinquante, il réalise les livres illisibles où le récit est purement visuel. En 1954, utilisant les lentilles Polaroid, il construit des objets d'art cinétique connus sous le nom de Polariscopi, permettant d'exploiter le phénomène de la décomposition de la lumière à des fins esthétiques. En 1953, il présente la recherche 'la mer comme artisan', en récupérant des objets façonnés par la mer, tandis qu'en 1955, il crée le musée imaginaire des îles Éoliennes, où naissent des reconstitutions théoriques d'objets imaginaires, des compositions abstraites à la limite entre anthropologie, humour et fantaisie.
En 1958, en modelant les piques des fourchettes, il crée un langage de signes à l'aide de fourchettes parlantes. La même année, il présente des sculptures nomades, une réinterprétation révolutionnaire du concept de sculpture, désormais non plus monumentale mais conçue pour voyager, à la disposition des nouveaux nomades du monde globalisé d'aujourd'hui. En 1959, il crée les fossiles du 2000, qui, avec une touche humoristique, invitent à réfléchir sur l'obsolescence de la technologie moderne.

Dans les années soixante, les voyages au Japon deviennent de plus en plus fréquents, et Munari ressent une affinité croissante avec la culture japonaise, trouvant des correspondances précises avec son intérêt pour l'esprit zen, l'asymétrie, le design et l'emballage dans la tradition japonaise. En 1965, à Tokyo, il conçoit une fontaine à 5 gouttes qui tombent de manière aléatoire en des points prédéfinis, créant une intersection d'ondes dont les sons, captés par des microphones placés sous l'eau, sont amplifiés et diffusés dans la place accueillant l'installation.

Dans les années soixante, il se consacre : aux œuvres en série avec des réalisations telles que aconà biconbì, sphères doubles, neuf sphères en colonne, tetracono (1961-1965) ou flexy (1968) ; aux expérimentations visuelles avec la machine photocopieuse (1964) ; aux performances avec l'action faire voir l'air (Como, 1968) ; aux expérimentations cinématographiques avec les films Les couleurs de la lumière (musique de Luciano Berio), inox, moiré (musique de Pietro Grossi), le temps dans le temps, échec et mat, sur les escalators (1963-64). En effet, avec Marcello Piccardo et ses cinq fils à Cardina, sur la colline de Monteolimpino à Como, entre 1962 et 1972, il a réalisé des films d'avant-garde. De cette expérience naît la 'Cineteca di Monteolimpino - Centre international du film de recherche'.
Une Cardina, également connue sous le nom de « La colline du cinéma », Bruno Munari a vécu et travaillé pendant de nombreux étés, jusqu'aux dernières années de sa vie. Sa maison-laboratoire, toujours existante et aujourd'hui siège de l'Association Cardina, était située tout au fond de la route carrossable, dans la via Conconi, en face du restaurant Crotto del Lupo.
Dans le livre « La colline du cinéma » de Marcello Piccardo (NodoLibri, Como 1992), l'expérience de ces années est résumée. Dans le récit « Haute tension » (1991) de Bruno Munari, l'artiste expose sa relation étroite avec les bois de la colline de Cardina.

En 1974, il explore les possibilités fractales de la courbe portant le nom du mathématicien italien Giuseppe Peano, courbe que Munari remplit de couleurs à des fins purement esthétiques.

En 1977, en réponse à un intérêt constant pour le monde de l'enfance, il a créé le premier atelier pour enfants dans un musée, à la Pinacothèque de Brera à Milan.

Dans les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix, sa créativité ne s'épuise pas et il réalise plusieurs cycles d'œuvres : les sculptures filipesi (1981), les constructions graphiques des noms d'amis et de collectionneurs (depuis 1982), les rotors (1989), les structures haute tension (1990), les grandes sculptures en acier corten exposées sur la promenade de Naples, Cesenatico, Riva del Garda, Cantù, les xeroritraits (1991), les idéogrammes matériels arbres (1993).

Après plusieurs et importants reconnaissances en l'honneur de sa vaste activité, Munari a réalisé sa dernière œuvre quelques mois avant de mourir à 91 ans dans sa ville natale.

Le peintre et poète Tonino Milite fut son collaborateur et travailla dans son studio pendant des années.

Munari a été le sixième en ordre chronologique parmi les huit grands de Milan inhumés au Famedio, au Cimetière Monumental[1][2].

Arts visuels
Le rêve de l'artiste est toujours d'atteindre le musée, tandis que celui du designer est d'atteindre les marchés de quartier.
(Bruno Munari, artiste et designer, 1971)

La production artistique volcanique de Munari, qui apparaît dans plus de 200 expositions personnelles et 400 expositions collectives, est un pot-pourri de techniques, méthodes et formes.

Dans les années du fascisme, Munari a travaillé comme graphiste dans le domaine du journalisme, réalisant les couvertures de plusieurs revues. Avec les futuristes, il a exposé quelques peintures, mais dès 1930, il a créé les premières « machines inutiles », de véritables œuvres abstraites développées dans l'espace qui impliquent l'environnement environnant, se consacrant à des œuvres de plus en plus peu conventionnelles, comme la « machine aérienne » (1930), la « table tactile » (1931), les « machines inutiles » (1933), les collages (1936), la mosaïque pour la Triennale de Milan (1936), les structures avec des éléments oscillants (1940).

Dans les années quarante et cinquante, il a commencé à tracer certaines lignes directrices de son exploration.

L'art comme environnement : Munari est parmi les premiers à concevoir et anticiper les installations (« Concavo-convesso », 1946), les vidéoinstallations (« projections directes », 1950) et les « projections à lumière polarisée », 1953.
L'art cinétique ('Ora X' de 1945) est probablement la première œuvre cinétique produite en série dans l'histoire de l'art.
l'art concret (les 'Negativi positivi' à partir de 1948)
la lumière (les photographies de 1950, les expériences avec la lumière polarisée de 1954)
la nature et le hasard (« Objets trouvés » de 1951, « La mer comme artisan » de 1953)
Le jeu (les 'Jouets d'artiste' de 1952)
les objets imaginaires (les « Écritures illisibles de peuples inconnus », de 1947, le « Musée imaginaire des îles Éoliennes » à Panarea en 1955, les « Fourchettes parlantes » de 1958, les « Fossiles de 2000 » de 1959)
En 1949, il a commencé à réaliser les 'livres illisibles', des livres où les mots disparaissent pour laisser place à l'imagination de ceux qui sauront inventer d'autres discours en lisant des cartes de couleurs différentes, des déchirures, des trous et des fils traversant les pages. La série des livres illisibles a continué jusqu'en 1988, tandis qu'en 1954, il a créé sa fontaine pour la Biennale de Venise.

Dans les années soixante, grâce à l'adoption de toutes les nouvelles technologies accessibles au grand public (projecteurs, photocopieurs, caméras), l'activité artistique de Munari est devenue une encyclopédie de l'art fait maison, où chaque œuvre contenait le message implicite pour l'observateur « essaie aussi » : xerographies, études sur le mouvement, fontaines, structures flexibles, illusions d'optique, films expérimentaux (« Les couleurs dans la lumière », de 1963, comprenant des musiques de Luciano Berio). En 1962, il organisa la première exposition d'art programmé, dans la boutique Olivetti de Milan.

En 1969, Munari, préoccupé par la mauvaise perception critique de son travail artistique, souvent confondu à tort avec d'autres genres (didactique, design, graphic design), a choisi la historienne de l'art Miroslava Hájek pour superviser une sélection de ses œuvres d'art les plus importantes. La collection, structurée chronologiquement, illustre sa créativité continue, sa cohérence thématique et l'évolution de sa philosophie esthétique jusqu'à sa mort.

Au cours des années soixante-dix, étant donné l'intérêt accru porté à l'enseignement proprement dit et à l'écriture, la production artistique au sens strict s'est raréfiée, pour ne reprendre qu'à la fin de la décennie. En 1979, il reçut du Teatro comunale di Firenze la mission de réaliser la partition chromatique de l'œuvre symphonique Prometheus d'Aleksandr Nikolaevič Skrjabin. L'œuvre, avec la mise en scène chromatique, créée en collaboration avec Davide Mosconi et Piero Castiglioni, fut donc représentée en mars 1980.

Dans les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix, Munari poursuit son exploration créative avec les 'huiles sur toile' (de 1980, reproduites dans une salle personnelle à la Biennale de Venise en 1986), les sculptures 'filipesi' en 1981, les 'rotors' en 1989, et les sculptures 'haute tension' de 1990-91, ainsi que certaines installations publiques de grande taille entre 1992 et 1996, et les idéogrammes matériels 'arbres' de 1993.

Dans ses dernières œuvres, la dimension privée devient de plus en plus prégnante, ce qui se reflète parallèlement dans la vaste production de livres en tirage limité imprimés avec Maurizio Corraini pour des amis et des bibliophiles.

Collaboration avec la revue « Domus »
Bruno Munari, entre la fin des années quarante et le début des années cinquante, sera emporté par une explosion créative qui mènera à la genèse d'œuvres importantes, parmi lesquelles les machines inutiles et les peintures négatif-positif, abstraites et signiques. Toutes ces expérimentations contribuent, même si avec des poids différents, à la conception et à la réalisation de certaines couvertures pour la revue « Domus », facilement rattachables au courant de l’art concret. Ce dernier, contrairement à l’abstraction pure, considère que le sujet est la peinture elle-même, c’est-à-dire des formes et des couleurs librement inventées.


Bruno Munari photographié par Federico Patellani, 1950
L'art concrète est donc celui qui révèle la nature intérieure de l'homme ou de la femme, la pensée humaine, la sensibilité, l'esthétique, le sens de l'équilibre, et tout ce qui fait partie de la nature intérieure, aussi réelle que celle de la nature extérieure.

L'abstraction concrète propose donc des formes autonomes, qui ne sont pas des figures de la réalité, mais des réalités autonomes elles-mêmes, des réalités concrètes. Parmi les différentes couvertures réalisées par l'auteur, on distingue les n°357, n°361, n°367, où les sujets centraux sont des formes de base, telles que des carrés et des rectangles, disposés individuellement en lignes de succession. Dans ces trois revues, le noir et le blanc sont présents, associés respectivement au jaune, à la combinaison de rouge et de vert, et au gris, avec des aplats plats qui évoquent fortement les machines inutiles. Grâce à ce choix expressif, les formes semblent se déplacer suspendues dans l'espace, comme si elles étaient reliées par un fil de nylon fin ; mais, en même temps, elles apparaissent indépendantes les unes des autres, contribuant à la création d’un mouvement apparent.

L’instabilité perceptuelle est donc recherchée par Munari à travers des associations de formes fondamentales et de couleurs primaires opposées, visant à dépasser toute règle liée au support ou aux matériaux utilisés. Cependant, afin de comprendre les choix effectués par l’artiste, il est nécessaire de se référer à ses œuvres positif-négatif. Dans celles-ci, chaque forme et chaque partie de la composition occupent le premier plan ou l’arrière-plan selon la lecture du spectateur. Les principes suivants s’appliquent :

Derrière les formes concrètes, il n'y a plus personne en arrière-plan.

- chaque forme présente dans le cadre possède une valeur compositionnelle précise, le cadre vit en chaque point;

Chaque élément qui compose le tableau doit pouvoir être considéré comme le 'sujet'.

Il ne doit pas y avoir de sujet posé en arrière-plan.

La structuration de l'œuvre selon ces principes entraîne justement une instabilité perceptive dans la composition, obtenue par la manière dont les lignes tracées la divisent. Cela entraîne l'annulation de l'arrière-plan par rapport aux figures au premier plan.

L'absence de fond est essentielle pour obtenir une égalité et une planéité entre les formes dessinées, comme l'artiste lui-même l'explique dans le texte : « Les négatifs positifs ».

La ligne est une frontière entre deux formes équivalentes.

La figure et le fond sont équivalents.

A et B ensemble dans un carré, ou aussi isolés.

L'effet qui en résulte fait en sorte que chaque forme composant l'œuvre semble se déplacer, avancer ou reculer dans l'espace optique perceptif du spectateur, créant une dynamique chromatique, une instabilité optique selon la manière dont le spectateur considère chaque forme.

Dans le cas particulier de la couverture n°357 de « Domus », l'arrière-plan est divisé en bandes verticales par des lignes de carrés côte à côte et superposés, tandis qu'il est divisé en bandes horizontales par l'espacement entre les carrés d'une même rangée. Comme illustré précédemment, la figure du carré est aussi essentielle dans cette revue que dans les autres, car c'est l'élément de base avec lequel sont construites les formes négatives et positives ; celles-ci semblent en premier plan ou moins selon ce que perçoit l'observateur, un peu comme dans un échiquier (même si le blanc et le noir dans ce cas sont équivalents, alors que dans les positifs-négatifs il y a une disproportion d'espace et de couleur). Une autre raison pour laquelle le carré joue un rôle particulièrement important dans la production graphique est que, grâce à ses caractéristiques structurelles, il offre un squelette harmonique sur lequel fixer la construction artistique, tant et si bien que Munari lui-même le considère comme l'élément principal de chaque époque et style.

Il est également intéressant de noter l'influence que la peinture de Mondrian a exercée sur Munari, en effet, bon nombre de ses caractéristiques se retrouvent également dans ces compositions, telles que par exemple :

la présence de formes élémentaires

l’asymétrie de la composition

la présence de beaucoup d'espace blanc et de vide.

Cependant, l'artiste va au-delà de l'essence minimaliste de Mondrian : le négatif-positif est en réalité plus un projet qu'une peinture. Dans ces nouvelles œuvres, il n'y a plus aucune sensation de profondeur ou d'expression, et les teintes sont plates ; ainsi, les négatifs-positifs pourraient être « lus » comme des architectures de formes-couleurs. Ce concept est résumé par une phrase de Munari lui-même : « Un bleu n'est pas un ciel, un vert n'est pas un champ, même si en nous ces couleurs évoquent des sensations de ciels et de champs. L'œuvre d'art concrète n'est plus même définissable dans les catégories peinture, sculpture, etc. : c'est un objet que l'on peut accrocher au mur ou au plafond, ou poser par terre. Parfois, il peut ressembler à un tableau ou à une sculpture (dans le sens moderne), mais il n'a rien en commun avec ces derniers ».

Dans cette dernière couverture, la n°361, il est évident que l'artiste privilégie l'association de couleurs complémentaires : dans ce cas, le rouge et le vert. Ce choix n'est pas fortuit, mais relève de la théorie des négatifs-positifs, car Munari considère que l'association d'éléments contrastés peut conférer à la composition une harmonie particulière. Il faut également prendre en compte la passion de Munari pour la culture orientale, d'où il s'inspire pour le concept de Yin et Yang, qui représentent l'unité formée par l'équilibre de deux forces opposées, égales et contraires. Cette unité se concrétise dans un disque dynamique constitué de deux formes tournant en sens opposé (noir/blanc). "Yang est la force positive : il est masculin, il représente la chaleur, la dureté, la fermeté, la lumière, le soleil, le feu, le rouge, la base d'une colline, la source d'une rivière. Yin est le principe négatif : il est féminin, il incarne le mystérieux, le doux, l'humide, le secret, l'obscur, l'évanescent, le trouble et l'inactif, il correspond à l'ombre nord d'une colline, à l'embouchure d'une rivière. Yang et Yin sont présents dans toutes choses (...). C'est l'équilibre des forces opposées : la fatigue alternant avec le repos, la lumière avec l'obscurité, le oui avec le non.

Dans sa rétine, un excès de lumière rouge provoque des images vertes (…) ».[6]

Design industriel
Structure montable et démontable en diverses configurations. L'habitat est une structure habitable, un support presque invisible pour votre microcosme. Il pèse 51 kilos et peut accueillir jusqu'à vingt personnes.
(Bruno Munari, artiste et designer, 1971)

Un jour, je suis allé dans une usine de chaussettes pour voir si on pouvait me fabriquer une lampe. - Nous ne fabriquons pas de lampes, monsieur. - Vous verrez que vous les ferez. Et ainsi, ce fut le cas.
Bruno Munari, à propos de la lampe Falkland

En tant que professionnel libéral, Munari a conçu, entre 1935 et 1992, plusieurs dizaines d'objets de mobilier (tables, fauteuils, bibliothèques, lampes, cendriers, chariots, mobiliers modulables, etc.), la plupart pour Bruno Danese. Et c'est précisément dans le domaine du design industriel que Munari a créé ses objets les plus célèbres, comme le jouet singe Zizi (1953), la « sculpture de voyage » pliable, pour recréer un environnement esthétique familier dans les chambres d'hôtel anonymes (1958), le porte-stylos Maiorca et l'cendrier Cubo (1958), la Lampe Falkland, l'Abitacolo (1971) et la lampe Dattilo (1978).

En plus de la conception d'objets de mobilier, Munari a également réalisé des aménagements de vitrines (La Rinascente, 1953), des combinaisons de couleurs pour la peinture des voitures (Montecatini, 1954), des éléments d'exposition (Danese, 1960, Robots, 1980), et même des tissus (Assia, 1982). À 90 ans, il a signé sa dernière œuvre, la montre « Temps libre » Swatch, en 1997.

Livres et graphisme éditorial
La production éditoriale de Munari s'étend sur soixante-dix ans, de 1929 à 1998, et comprend des livres véritables (essais techniques, poésies, manuels, livres « artistiques », livres pour enfants[9], manuels scolaires), des livres-opuscules publicitaires pour diverses industries, des couvertures, des surcouvertures, des illustrations, des photographies. Dans toutes ses œuvres, une forte impulsion expérimentale est présente, l’incitant à explorer des formes insolites et innovantes à partir de la mise en page, des livres illisibles sans texte, jusqu’à l’hypertexte avant la lettre d’œuvres de vulgarisation comme le célèbre Artista e designer (1971). À sa vaste production en tant qu’auteur s’ajoutent enfin de nombreuses couvertures et illustrations pour des livres de Gianni Rodari[10][11], Nico Orengo et d’autres.

Pour évaluer l'impact que l'œuvre de conception de Munari a eu sur l'image de la culture en Italie, on peut prendre pour exemple l'œuvre pour l'éditeur Einaudi. Munari a réalisé, avec Max Huber, entre 1962 et 1972, la graphie des collections Piccola Biblioteca (avec le carré coloré en haut), Nuova Universale (avec les bandes horizontales rouges), Collezione di poesia (avec les vers sur fond blanc en couverture), Nuovo Politecnico (avec le carré rouge central), Paperbacks (avec le carré bleu central), Letteratura, Centopagine, et des œuvres en plusieurs volumes (Storia d'Italia, Enciclopedia, Letteratura italiana, Storia dell'arte italiana). Parmi les autres réalisations graphiques de grand succès, on compte la Nuova Biblioteca di Cultura et les Œuvres de Marx-Engels pour Editori Riuniti, ainsi que deux collections d'essais pour Bompiani.

En 1974, avec Bob Noorda, Pino Tovaglia et Roberto Sambonet, il a conçu la marque et l'image coordonnée de la Région Lombardie.

Jeux éducatifs et ateliers
Il y a toujours une vieille dame qui s'en prend aux enfants en faisant des grimaces effrayantes et en racontant des stupidités avec un langage familier plein de ciccì, de coccò et de piciupaciù. En général, les enfants regardent ces personnes, qui ont vieilli en vain, avec beaucoup de sévérité ; ils ne comprennent pas ce qu'elles veulent et retournent à leurs jeux, des jeux simples et très sérieux.
(Bruno Munari, L'art comme métier, 1966)

De 1988 à 1992, Munari a personnellement collaboré aux ateliers éducatifs du Centre d'art contemporain Luigi Pecci à Prato, en formant le personnel interne, à savoir Barbara Conti et Riccardo Farinelli, qui ont poursuivi et coordonné de manière continue les ateliers muséaux jusqu'en 2014, lorsque la direction du Pecci a décidé de supprimer les activités éducatives munariennes.

Les constructions en bois « Scatola di architettura » pour Castelletti (1945).
Les jouets Gatto Meo (1949) et Scimmietta Zizì (1953) pour Pirelli
De 1959 à 1976, divers jeux pour Danese (Projections directes, ABC, Labyrinthe, Plus et moins, Mets les feuilles, Structures, Transformations, Dites-le avec des signes, Images de la réalité)
Le mani guardano (1979), Milan
Premier laboratoire pour enfants à l'Accademia di Belle Arti di Brera de Milan (1977)
Laboratoire « Jouer avec l'art » au Musée international de la céramique de Faenza (1981) en collaboration avec Gian Carlo Bojani.
Les ateliers pour enfants du Kodomo no shiro (Château des enfants) de Tokyo (1985)
Jouer avec l'art (1987) Palais Royal, Milan
Jouer avec la nature (1988) Musée d'Histoire Naturelle, Milan
Jouer avec l'art (1988) Centre d'art contemporain Luigi Pecci, Prato, ateliers permanents
Ritrovare l'infanzia (1989) Fiera Milano, ateliers dédiés à la troisième âge, Milan
Une fleur avec amour (1991) Jouer avec Munari au laboratoire de Beba Restelli
Jouer avec la photocopieuse (1991) jouer avec Munari au laboratoire de Beba Restelli
Il 'Libro letto', courtepointe écrite qui est à la fois un livre et un lit (1993) pour Interflex.
Lab-Lib (1992) Jouer avec Munari au laboratoire de Beba Restelli
Jouer avec la pointeuse (1994) à jouer avec Munari au Laboratoire de Beba Restelli
Tavole Tattili (1995) Jouer avec Munari au Laboratoire de Beba Restelli
Prix et récompenses
Prix 'Compasso d'Oro' de l'Association pour le Design Industriel (1954, 1955, 1979)
Médaille d'or de la Triennale de Milan pour les livres illisibles (1957)
Prix Andersen en tant que meilleur auteur pour l'enfance (1974)
Mention honorable de l'Académie des Sciences de New York (1974)
Prix graphique Foire de Bologne pour l'enfance (1984)
Prix de la Japan Design Foundation, « pour la valeur humaine intense de son design » (1985)
Prix LEGO pour sa contribution exceptionnelle au développement de la créativité chez les enfants (1986)
Prix 'Spiel Gut' d'Ulma (1971, 1973, 1987)
Prix Feltrinelli ex æquo pour la Graphique (1988), décerné par l'Académie des Lincei
Doctorat honoris causa en architecture de l'Université de Gênes (1989)
Membre associé honoraire de l'Académie des Beaux-Arts de Brera - Prix Marconi (1992)
Cavaliere di Gran Croce (1994)
« Compasso d'oro » à la carrière (1995)
Membre honorifique de l'Université Harvard
Bruno Munari dans les musées
Musée d'art MAGA de Gallarate (VA)
MART - Musée d'art moderne et contemporain de Trente et Rovereto (Province de Trente)
Expositions sélectionnées
Bruno Munari. Tutto, (2023), sous la direction de Marco Meneguzzo, Fondation Magnani-Rocca, Mamiano di Traversetolo, Parme
PataAsemica, (2023), sous la direction de Duccio Scheggi, Marco Garofalo et Giuseppe Calandriello, Stecca 3, Milan
Bruno Munari, (2022), édité par Manuel Fontán Del Junco, Marco Meneguzzo et Aida Capa, Fundación Juan March, Madrid
Tra Munari e Rodari, (2020), Palazzo delle Esposizioni, Rome
XXXV Biennale di Venezia, (1970), Venise
XXXIII Biennale di Venezia, (1966), Venise
Livres de Bruno Munari
Design et communication visuelle
ALBERO
l'explosion très lente
d'une graine
Bruno Munari, "Fenomeni bifronti", 1993

Palette de possibilités graphiques, avec Ricas - Muggiani éditeur (1935)
Fotoreportages de Munari - Domus (1944)
Supplément au dictionnaire italien - Carpano (1958)
Les fourchettes de Munari - La Giostra (1958)
La découverte du carré - Scheiwiller (1960)
Théorèmes sur l'art - Scheiwiller (1961)
Vitrines de magasins italiens - Editrice L'ufficio moderno (1961)
Bon design - Scheiwiller (1963)
La découverte du cercle - Scheiwiller (1964)
Arte come mestiere - Laterza (1966)
Design et communication visuelle - Laterza (1968)
Artiste et designer - Laterza (1971)
Code évident - Einaudi (1971)
La découverte du triangle - Zanichelli (1976)
Fantasia - Laterza (1977)
Xérografie originales - Zanichelli (1977)
Guide aux travaux du bois - Mondadori (1978)
C'est de fil en aiguille - Laterza (1981)
Le laboratoire pour enfants à Brera - Zanichelli (1981)
L'atelier pour enfants à Faenza au musée international de la céramique - Zanichelli (1981)
Ciccì Coccò - FotoSelex (1982)
Un spectacle de lumière - Zanichelli (1984)
Les laboratoires tactiles - Zanichelli (1985)
Direction surprise, avec Mario De Biasi - Cordani (1986)
Jeux et graphisme - commune de Soncino (1990)
Le dictionnaire des gestes italiens - adnkronos livres (1994)
Il castello dei bambini à Tokyo - Einaudi (1995)
Spazio abitabile 1968-1996 - Stampa Alternativa (1996)
Supplément au Dictionnaire Italien, Mantoue, Italie, Corraini. (2014)
Livres de recherche
Dans cette catégorie, les rares livres de poésie sont regroupés avec tous les volumes 'd'artiste' ou autrement non conventionnels, souvent imprimés en tirages limités ou en éditions hors commerce.

Livres illisibles - Librairie Salto (1949)
Livre illisible n° 8 - (1951)
Livre illisible n° 12 - (1951)
Livre illisible n° 15 - (1951)
Livre illisible - (1952)
Une impression quadrat illisible - Hilversum (1953)
Sei linee in movimento - (1958)
Livre illisible n° XXV - (1959)
Livre illisible avec pages interchangeables - (1960)
Livre illisible n° 25 - (1964)
Livre illisible 1966 - Galerie de l'Obélisque (1966)
Livre illisible N.Y.1 - The Museum of Modern Art (1967)
Guardiamoci negli occhi - Giorgio Lucini éditeur (1970)
Livre illisible MN1 - Corraini (1984)
La règle et le hasard - Mano (1984)
Negatifs-positifs 1950 - Corraini (1986)
Munari 80 à un millimètre de moi - Scheiwiller (1987)
Livre illisible MN1 - Corraini (1988)
Livre illisible 1988-2 - Arcadia (1988)
Simultanéité des opposés - Corraini (1989)
Haute tension - Vismara Arte (1990)
Livre illisible NA-1 - Beppe Morra (1990)
Strappo alla regola - (1990)
Amis de la Sincron - Galerie Sincron (1991)
Rito segreto - Laboratorio 66 (1991)
Métamorphose des plastiques - Triennale de Milan (1991)
Alla faccia ! Exercices de style - Corraini (1992)
Livre illisible MN3. Lune capricieuse - Corraini (1992)
Salutations et baisers. Exercices d'évasion - Corraini (1992)
Voyage dans l'imagination - Corraini (1992)
Penser embrouille les idées - Corraini (1992)
Aphorismes recyclés - Pulcinoelefante (1991)
Procès-verbal écrit - il Melangolo (1992)
Phénomènes bifronti - Etra/Arte (1993)
Livre illisible MN4 - Corraini (1994)
Table tactile - Alpa Magicla (1994)
Exposition collective de Bruno Munari - Corraini (1994)
Adultes et enfants dans des zones inexplorées - Corraini (1994)
Meilleurs vœux très affectueux - NodoLibri (1994)
Aphorismes - Pulcinoelefante (1994)
Livre illisible MN5 - Corraini (1995)
Il mare come artigiano - Corraini (1995)
Émotions - Corraini (1995)
À propos des nougats - Pulcinoelefante (1996)
Prima del disegno - Corraini (1996)
Qui est Bruno Munari ? - Corraini (1996)
Segno & segno - Etra/arte (1996)
Livres pour enfants
Chaque livre est lu.
Mais chaque lit n'est pas aussi un livre.
(Bruno Munari, dans Domus n.760, 1994)

Movo : modèles volants et pièces détachées - Grafitalia (1940)
Monde air eau terre - (1940)
Les machines de Munari - Einaudi (1942)
Abécédaire de Munari - Einaudi (1942)
Boîte d'architecture - Castelletti (1945)
Mai contenti - Mondadori (1945)
L'homme du camion - Mondadori (1945)
Toc toc - Mondadori (1945)
Il prestigiatore verde - Mondadori (1945)
Histoires de trois petits oiseaux - Mondadori (1945)
Le vendeur d'animaux - Mondadori (1945)
Gigi cherche son béret - Mondadori (1945)
Qu'est-ce que la montre - Editrice Piccoli (1947)
Qu'est-ce que le thermomètre - Éditrice Piccoli (1947)
Meo le chat fou - Pirelli (1948)
Acqua terre air - Orlando Cibelli Éditeur (1952)
Nella notte buia - Muggiani (1956)
L'alfabetiere - Einaudi (1960)
ABC de Bruno Munari - Maison d'édition mondiale (1960)
Bruno Munari's Zoo - World Publishing Company (1963)
La tarte dans le ciel - Einaudi (1966)
Nella nebbia di Milano - Emme éditions (1968)
Loin, c'était une île - Emme éditions (1971)
L'uccellino Tic Tic, avec Emanuele Luzzati - Einaudi (1972)
Cappuccetto Verde - Einaudi (1972)
Cappuccetto Giallo - Einaudi (1972)
Où allons-nous ?, avec Mari Carmen Diaz - Emme éditions (1973)
Une fleur avec amour - Einaudi (1973)
Un pays de plastique, avec Ettore Maiotti - Einaudi (1973)
Rose dans la salade - Einaudi (1974)
Pantera nera, avec Franca Capalbi - Einaudi (1975)
L'exemple des grands, avec Florenzio Corona - Einaudi (1976)
Il furbo colibrì, avec Paola Bianchetto - Einaudi (1977)
Dessiner un arbre - Zanichelli (1977)
Dessiner le soleil - Zanichelli (1980)
Je pré-livre (12 livres) - Danese (1980)
Cappuccetto Rosso Vert, Jaune, Bleu et Blanc - Einaudi (1981)
Tantagente - The Museum of Modern Art (1983)
Le merle a perdu le bec, avec Giovanni Belgrano - Danese (1987).
La fable des fables - Publi-Paolini (1994)
La rana Romilda - Corraini (1997)
Le prestidigitateur jaune - Corraini (1997)
Bonne nuit à tous - Corraini (1997)
Cappuccetto bianco - Corraini (1999)
Livres pour l'école
Tec 90 - Minerva Italica (1990)
L'œil et l'art - Ghisetti et Corvi (1992)
Méthodes, modèles et techniques - Minerva Italica (1993)
Sons et idées pour improviser - Ricordi (1995)
Modulart - Atlas (1999)
Publicité et industrie
Le linoléum, avec Ricas - Société du linoléum (1938)
L'idée est dans le fil - Bassetti (1964)
Xerografia - Rank Xerox (1972)
Alphabet Lucini - Lucini (1987)
Occhio alla luce - Osram (1990)
Film sur Bruno Munari
La colline du cinéma - Andrea Piccardo (1995)
Dans l'étude avec Munari - Andrea Piccardo (2007)
Albums musicaux pour Bruno Munari
Opéra réparé. Un hommage à Bruno Munari (2012) - Filippo Paolini alias Økapi et l'Orchestre Aldo Kapi
Le collectif de musiciens turinois 'Lastanzadigreta' a publié en 2020 l'album 'Macchine inutili', inspiré par les machines inutiles de Munari.