Keith Haring - Untitled (cup man) - Giclée - Artestar licensed print

Impression Giclée (*) de Keith Haring (**)
Reproduction de l’œuvre « Untitled », sérigraphie créée par Haring en 1989.
Édition de luxe sur papier numérique de conservation mate de haut grammage (250 g/m²). Un papier très polyvalent et de haute qualité, fabriqué en Allemagne avec de la pulpe de bois sans acide ni chlore.
Impression autorisée par Artestar New York. Droits d’auteur : Keith Haring Foundation

- Dimensions de la feuille : 60 x 47 cm
- Dimensions du motif : 50 x 37 cm
- État : Excellent (cœuvre jamais encadrée ni exposée, toujours conservée dans un dossier professionnel d’art, elle est donc proposée en état immaculé).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un emballage en carton renforcé. L’expédition sera certifiée avec numéro de suivi (UPS DPD DHL FedEx)

L’expédition inclura également une assurance transport pour la valeur finale de l’œuvre avec remboursement intégral en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Giclée est un terme désignant un type d’impression d’art de haute qualité, créée numériquement avec des imprimantes à jet d’encre. Ce procédé utilise des encres à base de pigments et des papiers spécialisés pour obtenir une grande netteté, une précision des couleurs et une durabilité, idéal pour les reproductions d’art et de photographies.

(**) Keith Haring est né en 1958 à Reading, en Pennsylvanie, États-Unis.
Il a grandi à Kutztown et, dès son plus jeune âge, a manifesté un grand intérêt pour l’art. Il a étudié le design graphique à The Ivy School of Professional Art, à Pittsburg, et à 19 ans, déjà ouvertement gay, il a déménagé à New York, où il a trouvé l’inspiration dans l’art du graffiti et s’est inscrit à la School of Visual Arts où il a reçu l’influence de Keith Sonnler et Joseph Kossuth, qui l’ont encouragé à se former comme artiste conceptuel après l’expérimentation sur la forme et la couleur.
Haring a attiré l’attention du public en 1980, lorsqu’il a commencé à dessiner des images ressemblant à des caricatures au marqueur dans le métro de la Grande Pomme, puis il a peint avec des craies blanches des bandes dessinées sur des panneaux noirs destinés à la publicité, ce qui lui a valu plus d’un arrestation.
Ses lignes nettes, ses couleurs vives et ses figures actives portaient de forts messages sur la vie et l’unité et ses expositions ont été filmées par le photographe Tseng Kwong Chi.
Toujours à cette époque, il organisa une exposition au Club 57, et participa à une exposition sur Times Square, où il dessina pour la première fois des animaux et des visages humains.
Sa première exposition individuelle fut à la Galerie Tony Shafrazi en 1981, la même année où il prit part à l’exposition Documenta 7, à Kassel, Allemagne.
En 1982, il se lia d’amitié avec des artistes émergents de l’époque comme Kenny Scharf, Madonna et Jean-Michel Basquiat, et rencontra même le célèbre Andy Warhol.
En 1984, Harin partit en Australie et peignit plusieurs murs à Melbourne et Sydney, et reçut même de l’argent pour son travail de la part de la Galerie nationale Victoria et du Centre australien d’art contemporain.
Il réalisa aussi des visites et peignit à Rio de Janeiro, au Musée d’Art Moderne de Paris, à Minneapolis et à Manhattan.
À cette époque, il conçut même une veste rose que Madonna porta pour interpréter son titre « Like a Virgin » dans l’émission « Solid Gold ».
En 1985, le Musée d’Art Moderne de Bordeaux réalisa une exposition de son travail, et il participa également à la Biennale de Paris.
Il apparut en novembre de cette année sur la chaîne MTV où il pinta dans une émission présentée par son ami Nick Rhodes, du groupe Duran Duran.
En 1986, il pinta des fresques à Amsterdam, Paris, Phoenix et Berlin, il peignit aussi le corps de Grace Jones pour son clip « I’m not Perfect », et ouvrit une boutique pour vendre ses travaux à SOHO.
À ce moment-là, ses œuvres commencèrent à refléter les problèmes socio-politiques de l’époque comme l’anti-apartheid, le SIDA et la drogue.
Il créa également des pièces d’art pop pour des marques comme Absolut Vodka, Lucky Strike et Coca-Cola, et conçut même la pochette de l’album caritatif « A Very Special Christmas », dans lequel son amie Madonna était incluse.
En 1988, il fut inclus dans une liste restreinte d’artistes dont les œuvres apparaissaient sur les étiquettes des vins Château Mouton Rothschild, et cette même année, il reçut le diagnostic du SIDA, ce qui amena l’année suivante l’ouverture de la Keith Haring Foundation dont l’objectif était de lutter contre les problèmes sociaux liés à cette maladie et de faire connaître le travail de l’artiste à travers des expositions, des publications et les licences de son travail.
En juin 1989, il peignit son dernier travail public sur un mur du couvent de l’église Saint-Antoine à Pise. Cette œuvre était intitulée « Tuttomondo ».
Keith Haring est décédé le 16 février 1990 à l’âge de 32 ans, victime du SIDA.

(**) « L’Homme de la Coupe », 1989, est un témoignage vivant de la capacité de l’artiste à combiner des images ludiques avec une profonde profondeur symbolique. Cette sérigraphie capture l’énergie caractéristique de Haring, utilisant des lignes audacieuses, des plans de couleurs vibrantes et une composition dynamique pour créer une figure à la fois capricieuse et captivante. La figure centrale, dont le torse segmenté suggère une structure en couches, presque comme une matriochka, est saisie en mouvement, les bras levés dans un geste exalté, rayonnant de vitalité et de mouvement. Les lignes et formes environnantes amplifient cette sensation d’énergie cinétique, transformant la figure en un phare de vie et d’animation.
Sur un fond bleu-vert saisissant avec un fond pommelé violacé, l’œuvre montre l’usage magistral du contraste et du rythme par Haring. L’interaction de couleur, forme et mouvement incarne l’intérêt de Haring pour l’universalité de l’expression humaine, traduisant joie, vitalité et connectivité dans un langage visuel reconnaissable instantanément. La figure du « Homme de la Coupe » encapsule l’exploration par Haring de la transformation, de la multiplicité et de l’interaction entre l’expérience individuelle et collective, reflétant son engagement vitaliste envers des thèmes sociaux à travers des images accessibles.
Cette œuvre illustre l’héritage durable de Haring : sa capacité à créer un art visuellement captivant, socialement pertinent et profondément humain. C’est à la fois une célébration du mouvement et de l’énergie et un reflet émouvant de la vision innovante de Haring dans l’art contemporain de la fin du XXe siècle."