Mateo Orduña Castellano (1915-1989) - Bodegón

Né dans un village de la commune d’Almoster la Real (Huelva), au sein d’une famille modeste. Boursier du Ministère de l’Instruction Publique et des Beaux-Arts, il se rendit en 1932 à Huelva pour intégrer l’Académie des Beaux-Arts de Huelva, dirigée par le peintre malagueño José Fernández Alvarado, alors directeur du Musée des Beaux-Arts de la ville. Avec le décès de Fernández Alvarado, en 1935, l’Académie disparut aussi et les espoirs du jeune Orduña, malgré les efforts de continuité de Brunt, jusqu’en 1936, puis de Pedro Gómez et Enrique García Orta. À partir de lors, Orduña dut faire face à la vie face aux événements dramatiques qui assombrissaient l’Espagne. En fin de guerre civile et après avoir quitté le métier de clerical, il se consacra professionnellement à la peinture.
En 1942, il récolta les premiers fruits à l’exposition d’Art et de Repos, remportant le premier prix. À partir de 1944, il exposa à Huelva, Séville, Bilbao et Huesca: Orduña abandonna la rigueur de la peinture de style classique, aux airs seventies, austère, ainsi que sa dévotion pour les enseignements réalistes de son maître Fernández Alvarado, pour se plonger dans la liberté impressionniste, dans la lignée de Sorolla.
L’idée de voyager, de conquérir des mondes et de connaître — question loin d’être facile dans le Huelva de l’après-guerre — déboucha sur une période courte mais intense de recherches constantes, de définition humaine et artistique. Entre 1949 et 1953, Orduña définissait sa signification picturale à travers un spectacle vibrant de lumière et de couleur, matrice de son œuvre, et d’une grande force expressive avec un clair souvenir du dernier Goya.
Pendant vingt ans, période s’étalant de 1954 à 1974, sa production prit une envergure mature, à l’empreinte personnelle. Après avoir exposé à Gijón, Madrid, Tánger, Tetuán, Gibraltar, Jerez, Séville et Barcelone, avec un grand succès critique et public, Orduña revint à Huelva avec le titre de grand peintre, et par là même, avec la reconnaissance de sa société, ce qui l’a aidé à être considéré comme « le peintre de Huelva », au-dessus de noms tels que Pedro Gómez, García Vázquez, Labrador, Vázquez Díaz ou Caballero.
Il voyagea en Suisse, où il découvrit l’œuvre de Vieira da Silva et de Nicolas Staël, et en Italie, pays dans lequel il résida durant plusieurs mois. En 1965, il partit pour New York et ne revint qu’en 1968, après une brève parenthèse d’exposition à Porto Rico. Cette longue période se caractérisa par une intériorisation personnelle lors de l’évaluation et de la perception de la nature et des hommes, où tout était présidé par une composition agressive, rugueuse et fébrile, tout en restant très élégante, d’une claire évolution expressionniste, flirtant par moments avec l’abstraction.
À partir de 1973, sa production se fit plus profonde et plus calme, et il abandonna les préoccupations plastiques et vitales d’antan. À ces moments, on remarque l’influence de Cézanne et du Vázquez Díaz les plus concrets, bien que, à certains instants, le peintre ofhbunien cherche de nouvelles inquietudes plastiques allant du réalisme poétique Sévillan jusqu’à un métaréalisme surréaliste.
Avec son décès, l’art de Huelva perdit peut-être son peintre le plus inquiet et imprévisible. Il traduivit presque tous les langages plastiques de la première moitié du xxe siècle sans devoir nuire à la représentation des objets et à leurs empreintes personnelles coloristes et compositionnelles."