Keith Haring - Untitled (cup man) - Giclée - Artestar licensed print

Impression Giclée (*) de Keith Haring (**)
Reproduction de l’œuvre « Untitled », sérigraphie créée par Haring en 1989.
Édition de luxe sur papier numérique de conservation mate de haut grammage (250 g/m²). Un papier très polyvalent et de haute qualité, fabriqué en Allemagne à partir de pulpe de bois sans acide ni chlore.
Impression autorisée par Artestar New York. Copyright : Keith Haring Foundation

- Dimensions de la feuille : 60 x 47 cm
- Dimensions du motif : 50 x 37 cm
- État : Excellent (Cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, toujours conservée dans un dossier professionnel d’art, d’où un état immaculé).

L’œuvre sera manipulée et empaquetée avec soin dans un emballage en carton renforcé. L’envoi sera certifié avec numéro de suivi (UPS DPD DHL FedEx)

L’envoi inclura en outre une assurance de transport pour la valeur finale de l’œuvre avec remboursement total en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Giclée est un terme désignant un type d’impression d’arts plastiques de haute qualité, créée numériquement avec des imprimantes à jet d’encre. Ce procédé utilise des encres à base de pigments et des papiers spécialisés pour obtenir une grande netteté, une précision des couleurs et une durabilité, idéal pour les reproductions d’art et de photographies.

(**) Keith Haring est né en 1958 à Reading, en Pennsylvanie, États-Unis.
Il a grandi à Kutztown et, dès son plus jeune âge, il a manifesté un grand intérêt pour l’art. Il a étudié le design graphique à The Ivy School of Professional Art, à Pittsburg, et à 19 ans, déjà ouvertement gay, il s’est installé à New York, où il trouva l’inspiration dans l’art du graffiti et s’est inscrit à la School of Visual Arts où il reçut l’influence de Keith Sonnler et Joseph Kossuth, qui l’ont incité à se former en tant qu’artiste conceptuel après l’expérimentation de la forme et de la couleur.
Haring attira l’attention du public en 1980, lorsqu’il commença à dessiner des images ressemblant à des caricatures au marqueur dans le métro de la Grosse Pomme, puis il peignit des bandes dessinées sur des panneaux noirs destinés à la publicité, ce qui lui valu plus d’un arrestation.
Ses lignes épurées, ses couleurs vives et ses figures actives portaient des messages forts sur la vie et l’unité et ses expositions furent filmées par le photographe Tseng Kwong Chi.
Également à cette époque, il organisa une exposition au Club 57 et prit part à une exposition au Times Square, où il dessina pour la première fois des animaux et des visages humains.
Sa première exposition en solo eut lieu à la galerie Tony Shafrazi en 1981, la même année où il participa à l’exposition Documenta 7, à Kassel, Allemagne.
En 1982, il se lia d’amitié avec des artistes émergents de l’époque tels que Kenny Scharf, Madonna et Jean-Michel Basquiat, et fit même la connaissance du célèbre Andy Warhol.
En 1984, Harin partit en Australie et peignit plusieurs murales à Melbourne et Sydney, et reçut même de l’argent pour son travail de la part de la National Gallery of Victoria et du Australian Centre for Contemporary Art.
Il réalisa aussi des visites et peignit à Rio de Janeiro, au Musée d’Art Moderne de Paris, à Minneapolis et à Manhattan.
Même à cette époque, il conçut une veste rose que Madonna porta pour interpréter son titre « Like a Virgin » dans l’émission « Solid Gold ».
En 1985, le Musée d’Art Moderne de Bordeaux organisa une exposition de son travail, et il prit aussi part à la Biennale de Paris.
Il apparut en novembre de cette année sur la chaîne MTV où il peignit dans une émission présentée par son ami Nick Rhodes, du groupe Duran Duran.
En 1986, il peignit des murales à Amsterdam, Paris, Phoenix et Berlin, peignit aussi le corps de Grace Jones pour son clip de la chanson « I’m Not Perfect », et ouvrit une boutique pour vendre ses œuvres dans SOHO.
À ce stade, ses œuvres commencèrent à refléter les problèmes sociopolitiques de l’époque tels que l’anti-Apartheid, le Sida et les drogues.
Il créa aussi des pièces d’art-pop pour des marques comme Absolut Vodka, Lucky Strike et Coca-Cola, et conçut même la pochette de l’album caritatif « A Very Special Christmas », dans lequel son amie Madonna était inclus.
En 1988, il fut inclus dans une liste restreinte d’artistes dont les œuvres apparurent sur les étiquettes des vins Château Mouton Rothschild, et la même année il reçut le diagnostic du SIDA, ce qui le poussa, l’année suivante, à inaugurer la Keith Haring Foundation dont l’objectif était de lutter contre les problèmes sociaux liés à cette maladie et de faire connaître le travail de l’artiste à travers des expositions, publications et licences de son œuvre.
En juin 1989, il peignit sa dernière œuvre publique sur le mur du couvent de l’église Saint-Antoine à Pise. Cette œuvre fut intitulée « Tuttomondo ».
Keith Haring est décédé le 16 février 1990 à l’âge de 32 ans des suites du SIDA.

(**) « L’Homme de la Coupe », 1989, est un témoignage vivant de la capacité de l’artiste à combiner des images ludiques avec une profondeur symbolique. Cette sérigraphie capture l’énergie caractéristique de Haring, utilisant des lignes audacieuses, des plans de couleurs vibrantes et une composition dynamique pour créer une figure à la fois capricieuse et captivante. La figure centrale, dont le torse segmenté suggère une structure en couches, presque comme une matriochka, est captée en plein mouvement, les bras levés dans un geste exuberant, irradiant vitalité et mouvement. Les lignes et formes environnantes amplifient cette sensation d’énergie cinétique, transformant la figure en un phare de vie et d’animation.
Sur un fond bleu-verdâtre frappant, avec un fond ponctué de violet, l’œuvre montre la maîtrise de l’utilisation du contraste et du rythme par Haring. L’interaction de couleur, forme et mouvement incarne l’intérêt de Haring pour l’universalité de l’expression humaine, traduisant joie, vitalité et connectivité en un langage visuel immédiatement reconnaissable. La figure du « Homme de la Coupe » encapsule l’exploration par Haring de la transformation, de la multiplicité et de l’interaction entre l’expérience individuelle et collective, reflétant son engagement tout au long de la vie envers les problématiques sociales à travers des images accessibles.
Cette œuvre illustre l’héritage durable de Haring : sa capacité à créer un art visuellement captivant, socialement résonnant et profondément humain. C’est à la fois une célébration du mouvement et de l’énergie, et un reflet émouvant de la vision innovante de Haring dans l’art contemporain de la fin du XXe siècle.