Une tête en bronze - Idia - Bénin - Nigeria

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Dimitri André
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Titulaire d'un diplôme de troisième cycle en études africaines et 15 ans d'expérience en art africain.

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Une tête en bronze représentant Iyoba Idia, Benin, Nigeria, en état passable, haute de 51 cm, pesant 8,2 kg, authenticité originale, sans socle.

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Description fournie par le vendeur

Cette remarquable paire de figures en fonte presque identiques représentant l’Iyoba Idia constitue une survie exceptionnelle dans le corpus de l’art de cour béninois. Les deux sculptures proviennent de la même collection privée et présentent des correspondances si proches dans la conception, les proportions, le modelage et le détail qu’elles semblent avoir été conçues comme une paire et ont très probablement été produites au sein du même atelier, peut-être même par le même fondeur particulièrement habile.

La figure féminine appartient à la tradition iconographique de l’Iyoba, ou Reine Mère, l’une des titulatures les plus importantes à la cour de Bénin. L’institution de l’Iyoba est traditionnellement associée à Idia, mère d’Oba Esigie (r. vers 1504–1550), dont le soutien politique, militaire et rituel à son fils l’a établie comme l’une des femmes les plus célèbres de l’histoire du royaume. Son image est ensuite devenue un prototype pour les représentations de la maternité royale et de l’autorité féminine dans l’art de cour béninois.

L’Iyoba occupait une position exceptionnelle dans la hiérarchie politique et spirituelle du royaume. Sa protection de la personne et du bien-être de l’Oba était entendue plus largement comme contribuant à la sécurité, à la continuité et à la prospérité du Bénin lui-même. Après sa mort, un autel commémoratif fut établi dans le palais, doté de sculptures en fonte et en ivoire par lesquelles sa mémoire était perpétuée et la communication rituelle avec le royaume ancestral entretenue.

La survie des figures actuelles en tant que paire est particulièrement significative. Le jumelage et la répétition symétrique sont bien documentés au sein des traditions artistiques et rituelles du Bénin. Philip J. C. Dark notait la tendance marquée des artistes béninois à produire des objets par paires, tandis que la célèbre photographie prise par Cyril Punch au palais royal en 1891, avant l’invasion britannique de 1897, montre des têtes en fonte et d’autres objets rituels disposés symétriquement sur un autel ancestral, étroitement apparentés.

Une telle répétition ne doit pas nécessairement être comprise comme représentant deux individus distincts. Dans le langage visuel hautement ordonné de l’art de cour béninois, la duplication et la symétrie peuvent plutôt renforcer la présence, le statut et la puissance rituelle de la figure représentée tout en établissant l’équilibre visuel caractéristique des ensembles d’autels royaux.

Un parallèle particulièrement important est fourni par les célèbres masques pendants en ivoire du xvie siècle associés à la Reine Mère Idia. L’exemple du Metropolitan Museum of Art, à New York, et son pendant presque identique au British Museum, à Londres, démontrent que des représentations fortement rapprochées de l’Iyoba peuvent en effet être conçues comme des commandes royales liées.

Felicity Bodenstein a en outre souligné que les cinq masques survivants associés à Idia ne doivent pas être compris simplement comme des représentations indépendantes, mais comme un « multiple » : un groupe conçu à l’origine pour fonctionner ensemble et probablement produit au sein du même atelier, peut-être même par la même main. Plus largement, elle identifie la répétition et la multiplication de modèles étroitement liés comme des caractéristiques fondamentales des pratiques commémoratives et religieuses de la cour béninoise.

Vu dans ce contexte, les sculptures actuelles acquièrent une importance qui va au-delà de la qualité individuelle de chaque figure. Leur origine commune et leur extraordinaire correspondance formelle préservent la preuve de la logique originelle de répétition, de symétrie et d’amplification rituelle qui gouvernait l’arrangement des sculptures sur les autels royaux et ancestraux béninois.

À l’issue de la séquence photographique, un Hommage à Paul Delvaux met le monde pictural énigmatique de l’artiste belge en dialogue avec l’une des figures présentes attribuée à Iyoba Idia.

La composition s’inspire de certains des motifs définissant l’œuvre de Delvaux : la figure féminine lointaine et énigmatique, l’architecture classique, les places désertes, la lumière nocturne et la locomotive à vapeur au loin. Ensemble, ces éléments créent un domaine suspendu entre rêve, mémoire et réalité.

Dans ce cadre imaginé, la figure béninoise monumentale devient l’équivalent de la jeune femme caractéristique de l’univers pictural de Delvaux. Leur juxtaposition établit la tension centrale de la composition. La jeune femme est physiquement présente mais psychologiquement distante et inaccessible, une ambiguïté fondamentale dans les représentations des femmes par Delvaux. En face d’elle, l’Iyoba apparaît comme une incarnation concentrée de dignité, d’autorité et de mémoire. Jeunesse et ascendance, désir et autorité, fugacité et permanence sont amenés dans un dialogue silencieux.

Des temporalités historiques et culturelles différentes s’entrelacent délibérément. L’architecture européenne classique, le chemin de fer comme emblème de la modernité et l’imagerie royale béninoise coexistent dans un seul espace imaginaire. L’Hommage est donc conçu moins comme une reconstruction d’une œuvre particulière de Delvaux que comme une libre continuation de sa méthode surréaliste : des objets, des cultures et des périodes historiques normalement séparés par la géographie et le temps se rencontrent dans une nouvelle réalité poétique.

Littérature :

Philip J. C. Dark, An Introduction to Benin Art and Technology, Oxford, Clarendon Press, 1973.

Kate Ezra, Royal Art of Benin: The Perls Collection in the Metropolitan Museum of Art, New York, 1992.

Felicity Bodenstein, “Cinq masques de l’Iyoba Idia du royaume de Bénin : vies sociales et trajectoires d’un objet multiple,” Perspective, 2, 2019, pp. 227–238.

Le prix ne comprend pas l’analyse TL mais peut être effectué dans un délai de quatre semaines pour 350,- euros.

Certaines informations proviennent de l’intelligence artificielle et s’appuient sur des sources publiées dans les domaines de l’ethnographie, de l’archéologie et de l’histoire de l’art.

Invt. No. MAZ22200

Hauteur : 51 cm / 51 cm
Poids : 4,1 kg / 4,1 kg

Le vendeur garantit et peut prouver que l’objet a été obtenu légalement. Le vendeur a été informé par Catawiki qu’il devait fournir la documentation requise par les lois et règlements en vigueur dans son pays de résidence. Le vendeur garantit et est habilité à vendre/exporter cet objet. Le vendeur fournira toutes les informations de provenance connues concernant l’objet à l’acheteur. Le vendeur s’assurera que les autorisations nécessaires sont/jour à obtenir. Le vendeur informera immédiatement l’acheteur de tout retard dans l’obtention de ces autorisations.

À propos du vendeur

L’engagement de Wolfgang Jaenicke envers l’art africain n’a pas commencé sur le terrain ou sur le marché, mais dans un espace plus calme et plus intérieur — parmi des papiers, des livres et des objets qui appartenaient à son père. Les archives sur les anciennes colonies allemandes n’étaient pas ordonnées pour raconter une histoire unique; elles en suggéraient plusieurs. Elles invitaient à l’examen plutôt qu’à la révérence, et elles ont appris très tôt à Jaenicke que les objets ne restent jamais muets. Ils portent le temps en eux — fracture et continuité tenues sous la même forme — et ils demandent à être lus aussi attentivement que des textes. Pendant plus d’un quart de siècle, Jaenicke a travaillé comme collectionneur, négociant et intermédiaire, bien qu’aucun de ces termes ne saisisse vraiment la forme de sa pratique. Ce qui, autrefois, était regroupé, de manière trop légère, sous l’étiquette « Art tribal », ne lui a jamais paru comme une catégorie scellée ou historique. C’est, au contraire, un ensemble de traditions vivantes, négociant constamment le présent. Sa formation universitaire — en ethnologie, histoire de l’art et droit comparé — a fourni une grammaire. Le langage lui-même, il l’a appris ailleurs. Au Mali, au Cameroun, en Côte d’Ivoire, au Burkina Faso, au Togo et au Ghana, la connaissance a émergé lentement, à travers des rencontres répétées qui se sont durcies en relations, et par la confiance construite non pas d’un seul coup mais sur des années. Le Mali est devenu le centre gravitationnel de cette expérience. Entre 2002 et 2012, Jaenicke a vécu et travaillé à Bamako et Ségou, où il dirigeait Tribalartforum, une galerie donnant sur le fleuve Niger. L’espace résistait à une chronologie facile. Sculptures et céramiques partageaient la pièce avec de la photographie, et des œuvres de Malick Sidibé — des images de la jeunesse malienne dans les années 1970, assurées d’elles et exuberantes — étaient accrochées à côté de formes rituelles plus anciennes. L’effet n’était pas nostalgique mais clarifiant : passé et présent ne s’annulaient pas mutuellement ; ils s’aiguisèrent l’un l’autre. La guerre de 2012 a mis fin abruptement à ce chapitre, comme les guerres savent si bien le faire. Mais elle n’a pas dissous le travail. Avec Aguibou Kamaté, Jaenicke s’est re regroupé à Lomé, plus près des lieux où bon nombre des objets ont pris origine et des routes qu’ils continuent à emprunter. Depuis 2018, Berlin est devenu un autre point sur cette carte. La Galerie Wolfgang Jaenicke est désormais installée en face du palais de Charlottenburg, soutenue par une petite équipe de spécialistes. Son accent repose, en particulier, sur les bronzes et les terres cuites d’Afrique de l’Ouest — des matériaux façonnés par la terre et le feu, et par des formes de mémoire qui résistent à une traduction aisée. Ce qui distingue la pratique de Jaenicke n’est pas seulement son étendue géographique mais sa tension interne. Le travail de terrain est associé à la recherche de provenance; le commerce est traité comme inséparable de la responsabilité. En collaboration avec des musées et des initiatives savantes, la circulation n’est pas encadrée comme une extraction mais comme un processus éthique qui reste inachevé. Le but n’est pas d’extraire les objets du monde et de les sceller, mais de les maintenir lisibles au sein de ce monde — leur permettant de continuer à parler, même lorsque les conditions de leur parole évoluent. ------------ Galerie Wolfgang Jaenicke est une galerie berlinoise spécialisée dans la sculpture d’Afrique de l’Ouest, les bronzes, les terres cuites, les masques et l’art africain contemporain. Elle est dirigée par Wolfgang Jaenicke, dont le travail combine collection, négoce, recherche de provenance, travail sur le terrain et documentation archivistique. Selon le récit même de la galerie, Jaenicke a étudié l’ethnologie, l’histoire de l’art et le droit comparé et a travaillé dans le domaine de l’art africain pendant plus de vingt-cinq ans. Ses activités se sont développées à travers un engagement à long terme dans des pays tels que le Mali, le Cameroun, la Côte d’Ivoire, le Burkina Faso, le Ghana et le Togo. Plutôt que de présenter l’art africain comme une catégorie historique close, il le décrit comme une tradition culturelle continue façonnée par des communautés vivantes et des contextes historiques changeants. Une phase particulièrement importante de sa carrière s’est déroulée au Mali, où il a vécu et travaillé entre environ 2002 et 2012 à Bamako et Ségou. Là, il dirigeait Tribalartforum, une galerie qui mêlait sculpture africaine historique et photographie africaine contemporaine, y compris des œuvres de Malick Sidibé. La crise politique et militaire au Mali en 2012 a conduit à la fermeture de cette phase d’activité. Plus tard, avec Aguibou Kamaté, Jaenicke a poursuivi son travail à Lomé, au Togo, avant d’établir une présence galeriste à Berlin, près du palais de Charlottenburg. La galerie met l’accent sur les bronzes ouest-africains, les terres cuites, les œuvres liées au Bénin et à Ife, la sculpture Nok, l’art Dogon, la sculpture Baule, les objets Senufo et le matériel Yoruba. Un aspect distinctif de la position publique de Jaenicke est son insistance répétée sur la transparence de la provenance et les débats sur la restitution. Dans plusieurs notices d’œuvres publiées, la galerie aborde explicitement les questions liées aux documents d’exportation, aux conventions de l’UNESCO, à l’historique de propriété et à la communication avec les savants et les chercheurs en restitution. Ces déclarations reflètent des débats contemporains plus larges sur la circulation du patrimoine culturel africain, la légalité, l’histoire du collectionnisme et les pratiques d’acquisition muséales. La galerie maintient d’importants archives et catalogues en ligne documentant des centaines d’objets africains, y compris des bronzes béninois et Ife, des terres cuites Nok, des sculptures Dogon, des figures Baule, des objets Fon, des figures Moba et d’autres matériaux d’Afrique de l’Ouest. Pour les chercheurs intéressés par l’histoire du commerce de l’art africain, Jaenicke représente une génération plus tardive de marchands par rapport à des figures comme John J. Klejman. Alors que Klejman faisait partie du marché new-yorkais de l’après-guerre des années 1950–1970, le travail de Jaenicke a été façonné par des préoccupations contemporaines telles que la documentation de terrain, la recherche de provenance, les discussions sur la restitution, les archives numériques et l’engagement direct avec les réseaux ouest-africains et les artistes. Ce texte est basé sur des informations générées par l’IA
Traduit par Google Traduction

Cette remarquable paire de figures en fonte presque identiques représentant l’Iyoba Idia constitue une survie exceptionnelle dans le corpus de l’art de cour béninois. Les deux sculptures proviennent de la même collection privée et présentent des correspondances si proches dans la conception, les proportions, le modelage et le détail qu’elles semblent avoir été conçues comme une paire et ont très probablement été produites au sein du même atelier, peut-être même par le même fondeur particulièrement habile.

La figure féminine appartient à la tradition iconographique de l’Iyoba, ou Reine Mère, l’une des titulatures les plus importantes à la cour de Bénin. L’institution de l’Iyoba est traditionnellement associée à Idia, mère d’Oba Esigie (r. vers 1504–1550), dont le soutien politique, militaire et rituel à son fils l’a établie comme l’une des femmes les plus célèbres de l’histoire du royaume. Son image est ensuite devenue un prototype pour les représentations de la maternité royale et de l’autorité féminine dans l’art de cour béninois.

L’Iyoba occupait une position exceptionnelle dans la hiérarchie politique et spirituelle du royaume. Sa protection de la personne et du bien-être de l’Oba était entendue plus largement comme contribuant à la sécurité, à la continuité et à la prospérité du Bénin lui-même. Après sa mort, un autel commémoratif fut établi dans le palais, doté de sculptures en fonte et en ivoire par lesquelles sa mémoire était perpétuée et la communication rituelle avec le royaume ancestral entretenue.

La survie des figures actuelles en tant que paire est particulièrement significative. Le jumelage et la répétition symétrique sont bien documentés au sein des traditions artistiques et rituelles du Bénin. Philip J. C. Dark notait la tendance marquée des artistes béninois à produire des objets par paires, tandis que la célèbre photographie prise par Cyril Punch au palais royal en 1891, avant l’invasion britannique de 1897, montre des têtes en fonte et d’autres objets rituels disposés symétriquement sur un autel ancestral, étroitement apparentés.

Une telle répétition ne doit pas nécessairement être comprise comme représentant deux individus distincts. Dans le langage visuel hautement ordonné de l’art de cour béninois, la duplication et la symétrie peuvent plutôt renforcer la présence, le statut et la puissance rituelle de la figure représentée tout en établissant l’équilibre visuel caractéristique des ensembles d’autels royaux.

Un parallèle particulièrement important est fourni par les célèbres masques pendants en ivoire du xvie siècle associés à la Reine Mère Idia. L’exemple du Metropolitan Museum of Art, à New York, et son pendant presque identique au British Museum, à Londres, démontrent que des représentations fortement rapprochées de l’Iyoba peuvent en effet être conçues comme des commandes royales liées.

Felicity Bodenstein a en outre souligné que les cinq masques survivants associés à Idia ne doivent pas être compris simplement comme des représentations indépendantes, mais comme un « multiple » : un groupe conçu à l’origine pour fonctionner ensemble et probablement produit au sein du même atelier, peut-être même par la même main. Plus largement, elle identifie la répétition et la multiplication de modèles étroitement liés comme des caractéristiques fondamentales des pratiques commémoratives et religieuses de la cour béninoise.

Vu dans ce contexte, les sculptures actuelles acquièrent une importance qui va au-delà de la qualité individuelle de chaque figure. Leur origine commune et leur extraordinaire correspondance formelle préservent la preuve de la logique originelle de répétition, de symétrie et d’amplification rituelle qui gouvernait l’arrangement des sculptures sur les autels royaux et ancestraux béninois.

À l’issue de la séquence photographique, un Hommage à Paul Delvaux met le monde pictural énigmatique de l’artiste belge en dialogue avec l’une des figures présentes attribuée à Iyoba Idia.

La composition s’inspire de certains des motifs définissant l’œuvre de Delvaux : la figure féminine lointaine et énigmatique, l’architecture classique, les places désertes, la lumière nocturne et la locomotive à vapeur au loin. Ensemble, ces éléments créent un domaine suspendu entre rêve, mémoire et réalité.

Dans ce cadre imaginé, la figure béninoise monumentale devient l’équivalent de la jeune femme caractéristique de l’univers pictural de Delvaux. Leur juxtaposition établit la tension centrale de la composition. La jeune femme est physiquement présente mais psychologiquement distante et inaccessible, une ambiguïté fondamentale dans les représentations des femmes par Delvaux. En face d’elle, l’Iyoba apparaît comme une incarnation concentrée de dignité, d’autorité et de mémoire. Jeunesse et ascendance, désir et autorité, fugacité et permanence sont amenés dans un dialogue silencieux.

Des temporalités historiques et culturelles différentes s’entrelacent délibérément. L’architecture européenne classique, le chemin de fer comme emblème de la modernité et l’imagerie royale béninoise coexistent dans un seul espace imaginaire. L’Hommage est donc conçu moins comme une reconstruction d’une œuvre particulière de Delvaux que comme une libre continuation de sa méthode surréaliste : des objets, des cultures et des périodes historiques normalement séparés par la géographie et le temps se rencontrent dans une nouvelle réalité poétique.

Littérature :

Philip J. C. Dark, An Introduction to Benin Art and Technology, Oxford, Clarendon Press, 1973.

Kate Ezra, Royal Art of Benin: The Perls Collection in the Metropolitan Museum of Art, New York, 1992.

Felicity Bodenstein, “Cinq masques de l’Iyoba Idia du royaume de Bénin : vies sociales et trajectoires d’un objet multiple,” Perspective, 2, 2019, pp. 227–238.

Le prix ne comprend pas l’analyse TL mais peut être effectué dans un délai de quatre semaines pour 350,- euros.

Certaines informations proviennent de l’intelligence artificielle et s’appuient sur des sources publiées dans les domaines de l’ethnographie, de l’archéologie et de l’histoire de l’art.

Invt. No. MAZ22200

Hauteur : 51 cm / 51 cm
Poids : 4,1 kg / 4,1 kg

Le vendeur garantit et peut prouver que l’objet a été obtenu légalement. Le vendeur a été informé par Catawiki qu’il devait fournir la documentation requise par les lois et règlements en vigueur dans son pays de résidence. Le vendeur garantit et est habilité à vendre/exporter cet objet. Le vendeur fournira toutes les informations de provenance connues concernant l’objet à l’acheteur. Le vendeur s’assurera que les autorisations nécessaires sont/jour à obtenir. Le vendeur informera immédiatement l’acheteur de tout retard dans l’obtention de ces autorisations.

À propos du vendeur

L’engagement de Wolfgang Jaenicke envers l’art africain n’a pas commencé sur le terrain ou sur le marché, mais dans un espace plus calme et plus intérieur — parmi des papiers, des livres et des objets qui appartenaient à son père. Les archives sur les anciennes colonies allemandes n’étaient pas ordonnées pour raconter une histoire unique; elles en suggéraient plusieurs. Elles invitaient à l’examen plutôt qu’à la révérence, et elles ont appris très tôt à Jaenicke que les objets ne restent jamais muets. Ils portent le temps en eux — fracture et continuité tenues sous la même forme — et ils demandent à être lus aussi attentivement que des textes. Pendant plus d’un quart de siècle, Jaenicke a travaillé comme collectionneur, négociant et intermédiaire, bien qu’aucun de ces termes ne saisisse vraiment la forme de sa pratique. Ce qui, autrefois, était regroupé, de manière trop légère, sous l’étiquette « Art tribal », ne lui a jamais paru comme une catégorie scellée ou historique. C’est, au contraire, un ensemble de traditions vivantes, négociant constamment le présent. Sa formation universitaire — en ethnologie, histoire de l’art et droit comparé — a fourni une grammaire. Le langage lui-même, il l’a appris ailleurs. Au Mali, au Cameroun, en Côte d’Ivoire, au Burkina Faso, au Togo et au Ghana, la connaissance a émergé lentement, à travers des rencontres répétées qui se sont durcies en relations, et par la confiance construite non pas d’un seul coup mais sur des années. Le Mali est devenu le centre gravitationnel de cette expérience. Entre 2002 et 2012, Jaenicke a vécu et travaillé à Bamako et Ségou, où il dirigeait Tribalartforum, une galerie donnant sur le fleuve Niger. L’espace résistait à une chronologie facile. Sculptures et céramiques partageaient la pièce avec de la photographie, et des œuvres de Malick Sidibé — des images de la jeunesse malienne dans les années 1970, assurées d’elles et exuberantes — étaient accrochées à côté de formes rituelles plus anciennes. L’effet n’était pas nostalgique mais clarifiant : passé et présent ne s’annulaient pas mutuellement ; ils s’aiguisèrent l’un l’autre. La guerre de 2012 a mis fin abruptement à ce chapitre, comme les guerres savent si bien le faire. Mais elle n’a pas dissous le travail. Avec Aguibou Kamaté, Jaenicke s’est re regroupé à Lomé, plus près des lieux où bon nombre des objets ont pris origine et des routes qu’ils continuent à emprunter. Depuis 2018, Berlin est devenu un autre point sur cette carte. La Galerie Wolfgang Jaenicke est désormais installée en face du palais de Charlottenburg, soutenue par une petite équipe de spécialistes. Son accent repose, en particulier, sur les bronzes et les terres cuites d’Afrique de l’Ouest — des matériaux façonnés par la terre et le feu, et par des formes de mémoire qui résistent à une traduction aisée. Ce qui distingue la pratique de Jaenicke n’est pas seulement son étendue géographique mais sa tension interne. Le travail de terrain est associé à la recherche de provenance; le commerce est traité comme inséparable de la responsabilité. En collaboration avec des musées et des initiatives savantes, la circulation n’est pas encadrée comme une extraction mais comme un processus éthique qui reste inachevé. Le but n’est pas d’extraire les objets du monde et de les sceller, mais de les maintenir lisibles au sein de ce monde — leur permettant de continuer à parler, même lorsque les conditions de leur parole évoluent. ------------ Galerie Wolfgang Jaenicke est une galerie berlinoise spécialisée dans la sculpture d’Afrique de l’Ouest, les bronzes, les terres cuites, les masques et l’art africain contemporain. Elle est dirigée par Wolfgang Jaenicke, dont le travail combine collection, négoce, recherche de provenance, travail sur le terrain et documentation archivistique. Selon le récit même de la galerie, Jaenicke a étudié l’ethnologie, l’histoire de l’art et le droit comparé et a travaillé dans le domaine de l’art africain pendant plus de vingt-cinq ans. Ses activités se sont développées à travers un engagement à long terme dans des pays tels que le Mali, le Cameroun, la Côte d’Ivoire, le Burkina Faso, le Ghana et le Togo. Plutôt que de présenter l’art africain comme une catégorie historique close, il le décrit comme une tradition culturelle continue façonnée par des communautés vivantes et des contextes historiques changeants. Une phase particulièrement importante de sa carrière s’est déroulée au Mali, où il a vécu et travaillé entre environ 2002 et 2012 à Bamako et Ségou. Là, il dirigeait Tribalartforum, une galerie qui mêlait sculpture africaine historique et photographie africaine contemporaine, y compris des œuvres de Malick Sidibé. La crise politique et militaire au Mali en 2012 a conduit à la fermeture de cette phase d’activité. Plus tard, avec Aguibou Kamaté, Jaenicke a poursuivi son travail à Lomé, au Togo, avant d’établir une présence galeriste à Berlin, près du palais de Charlottenburg. La galerie met l’accent sur les bronzes ouest-africains, les terres cuites, les œuvres liées au Bénin et à Ife, la sculpture Nok, l’art Dogon, la sculpture Baule, les objets Senufo et le matériel Yoruba. Un aspect distinctif de la position publique de Jaenicke est son insistance répétée sur la transparence de la provenance et les débats sur la restitution. Dans plusieurs notices d’œuvres publiées, la galerie aborde explicitement les questions liées aux documents d’exportation, aux conventions de l’UNESCO, à l’historique de propriété et à la communication avec les savants et les chercheurs en restitution. Ces déclarations reflètent des débats contemporains plus larges sur la circulation du patrimoine culturel africain, la légalité, l’histoire du collectionnisme et les pratiques d’acquisition muséales. La galerie maintient d’importants archives et catalogues en ligne documentant des centaines d’objets africains, y compris des bronzes béninois et Ife, des terres cuites Nok, des sculptures Dogon, des figures Baule, des objets Fon, des figures Moba et d’autres matériaux d’Afrique de l’Ouest. Pour les chercheurs intéressés par l’histoire du commerce de l’art africain, Jaenicke représente une génération plus tardive de marchands par rapport à des figures comme John J. Klejman. Alors que Klejman faisait partie du marché new-yorkais de l’après-guerre des années 1950–1970, le travail de Jaenicke a été façonné par des préoccupations contemporaines telles que la documentation de terrain, la recherche de provenance, les discussions sur la restitution, les archives numériques et l’engagement direct avec les réseaux ouest-africains et les artistes. Ce texte est basé sur des informations générées par l’IA
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Détails

Nom de l’objet indigène
Idia
Ethnie / culture
Benin
Pays d’origine
Nigeria
Matériau
Bronze
Sold with stand
Non
État
État correct
Titre de l’œuvre
A bronze head
Hauteur
51 cm
Poids
8,2 kg
Authenticité
Original/officiel
AllemagneVérifié
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Objets vendus
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