Keith Haring - Untitled (cup man) - Giclée - 60x47 - Artestar licensed print - COA

Impression Giclée (*) de Keith Haring (**)
Reproduction de l'œuvre “Untitled”, sérigraphie créée par Haring en 1989.
Édition de luxe sur papier numérique given de conservation mate de gros gramage (250 g/m²). Un papier très polyvalent et de haute qualité, fabriqué en Allemagne à partir de pulpe de bois sans acide ni chlore.
Impression autorisée par Artestar New York. Droits d’auteur : Keith Haring Foundation

- Dimensions de la feuille : 60 x 47 cm
- Dimensions du motif : 50 x 37 cm
- État : Excellent (cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, toujours conservée dans un dossier professionnel d’art, et se présente donc en état immaculé).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un colis en carton renforcé. L’expédition sera certifiée avec numéro de suivi (UPS DPD DHL FedEx)

L’envoi inclura également une assurance transport couvrant la valeur finale de l’œuvre avec remboursement intégral en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Giclée est un terme désignant un type d’impression d’art haut de gamme, créée numériquement avec des imprimantes à jet d’encre. Ce procédé utilise des encres à base de pigments et des papiers spécialisés pour obtenir une grande netteté, une précision des couleurs et une durabilité, idéal pour les reproductions d’art et de photographies.

(**) Keith Haring est né en 1958 à Reading, en Pennsylvanie, États-Unis. Il a grandi à Kutztown et, dès son jeune âge, montra un grand intérêt pour l’art. Il étudia le design graphique à The Ivy School of Professional Art, à Pittsburg, et à 19 ans, déjà ouvertement gay, il s’installa à New York, où il trouva l’inspiration dans l’art du graffiti et intégra la School of Visual Arts, où il reçut l’influence de Keith Sonnler et Joseph Kossuth, qui l’encouragèrent à se former en artiste conceptuel après l’expérimentation avec la forme et la couleur.
Haring attira l’attention du public en 1980, lorsqu’il commença à dessiner des images ressemblant à des caricatures au marqueur dans les métros de New York, puis peignit des bandes dessinées sur des panneaux noirs destinés à la publicité à l’aide de craies blanches, ce qui lui valut plusieurs arrestations.
Ses lignes claires, ses couleurs vives et ses figures actives véhiculèrent des messages forts sur la vie et l’unité et ses expositions furent filmées par le photographe Tseng Kwong Chi.
Toujours à cette époque, il organisa une exposition au Club 57 et participa à une exposition sur Times Square, où il dessina pour la première fois des animaux et des visages humains.
Sa première exposition personnelle eut lieu à la Galerie Tony Shafrazi en 1981, la même année où il participa à l’exposition Documenta 7 à Kassel, Allemagne.
En 1982, il befrièrent des artistes émergents de l’époque tels que Kenny Scharf, Madonna et Jean-Michel Basquiat, et il rencontra même le célèbre Andy Warhol.
En 1984, Harin partit en Australie et peignit plusieurs fresques à Melbourne et Sydney, et y reçut des fonds pour son travail de la part de la National Gallery Victoria et du Australian Centre for Contemporary Art.
Il réalisa également des visites et peignit à Rio de Janeiro, au Musée d’Art Moderne de Paris, à Minneapolis et à Manhattan.
À cette époque, il conçut même une veste rose que Madonna porta pour interpréter son titre “Like a Virgin” dans l’émission “Solid Gold”.
En 1985, le Musée d’Art Moderne de Bordeaux organisa une exposition de son travail, et il participa également à la Biennale de Paris.
Il apparut en novembre de cette année sur la chaîne MTV où il pinta dans une émission présentée par son ami Nick Rhodes du groupe Duran Duran.
En 1986, il réalisa des fresques à Amsterdam, Paris, Phoenix et Berlin, et peignit également le corps de Grace Jones pour son clip de la chanson “I’m Not Perfect”, et ouvrit une boutique pour vendre ses œuvres à SOHO.
Pour lors, ses œuvres commencèrent à refléter les problèmes sociopolitiques de l’époque tels que l’anti-apartheid, le sida et les drogues.
Il créa aussi des pièces d’art pop pour des marques telles qu’Absolut Vodka, Lucky Strike et Coca-Cola, et dessina même la pochette de l’album caritatif “A Very Special Christmas”, dans lequel son amie Madonna était incluse.
En 1988, il fut inclus dans une liste restreinte d’artistes dont les œuvres figurèrent sur les étiquettes des vins Château Mouton Rothschild, et cette même année on lui diagnostiqua le SIDA, ce qui le conduisit, l’année suivante, à fonder la Keith Haring Foundation dont l’objectif était de lutter contre les problèmes sociaux liés à cette maladie et de faire connaître l’œuvre de l’artiste à travers des expositions, des publications et les licences de son travail.
En juin 1989, il peignit sa dernière œuvre publique sur un mur du couvent de l’église Saint-Antoine à Pise. Cette œuvre fut intitulée “Tuttomondo”.
Keith Haring est décédé le 16 février 1990 à l’âge de 32 ans des suites du SIDA.

(**) "L’Homme de la Coupe", 1989, témoigne de manière frappante de la capacité de l’artiste à mêler des images ludiques à une profondeur symbolique. Cette sérigraphie capture l’énergie caractéristique de Haring, utilisant des lignes audacieuses, des plans de couleurs vives et une composition dynamique pour créer une figure à la fois capricieuse et captivante. La figure centrale, dont le torse segmenté suggère une structure en couches, presque comme une matriochka, est représentée en plein mouvement, les bras levés dans un geste exubérant, irradiant vitalité et mouvement. Les lignes et formes environnantes amplifient cette sensation d’énergie cinétique, transformant la figure en un phare de vie et d’animation.
Sur un fond bleu-verdâtre frappant, avec un arrière-plan violet ponctué de points, l’œuvre illustre l’utilisation magistrale du contraste et du rythme par Haring. L’interaction des couleurs, des formes et du mouvement incarne l’intérêt de Haring pour l’universalité de l’expression humaine, traduisant joie, vitalité et connectivité dans un langage visuel immédiatement reconnaissable. La figure de l "Homme de la Coupe" encapsule l’exploration par Haring de la transformation, de la multiplicité et de l’interaction entre l’expérience individuelle et collective, reflétant son engagement de toute une vie envers des questions sociales à travers des images accessibles.
Cette œuvre illustre l’héritage durable de Haring : sa capacité à créer un art visuellement captivant, socialement porteur et profondément humain. Elle est à la fois une célébration du mouvement et de l’énergie, et un reflet touchant de la vision innovante de Haring dans l’art contemporain de la fin du XXe siècle.