École européenne (XX) - La Vierge en contemplation
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Peinture à l'huile de l'École européenne (XX), intitulée La Vierge en contemplation, période 1940–1950, origine Espagne, vendue avec cadre.
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Description fournie par le vendeur
Élégante et délicate peinture à l’huile représentant un buste de la Vierge Marie, réalisée selon les modèles traditionnels de la peinture religieuse européenne.
L’œuvre se distingue par la sérénité de sa composition, la délicatesse du traitement du visage, la profondeur expressive du regard et une harmonie cromatique soigneusement travaillée, caractéristiques qui renvoient à la tradition picturale dévotionnelle et aux grands modèles de représentation mariale développés depuis la Renaissance.
La Vierge apparaît représentée dans un portrait de busto, le visage légèrement surélevé et le regard dirigé vers le haut, dans une attitude de recueillement spirituel et de profonde contemplation.
La peinture présente une attention notable au modelé du visage, aux transitions lumineuses et à la représentation des tissus, combinant une technique figurative de caractère académique avec une sensibilité religieuse traditionnelle.
La composition est délimitée par une ouverture ovalisée, entourée d’un large passe-partout de tonalité claire et présentée dans un élégant cadre de finition dorée et marron, avec ornementation classique.
L’œuvre est protégée par du verre, circonstance qui contribue à préserver la surface picturale contre la poussière et le contact direct.
Description et iconographie
La peinture représente la Vierge Marie dans une composition de busto, suivant une typologie iconographique largement diffusée dans la tradition chrétienne.
Le visage apparaît légèrement tourné et élevé, les yeux dirigés vers la partie supérieure de la composition.
L’expression combine sérénité, mélancolie et une profonde intensité spirituelle.
Les yeux, de tonalité bleutée et soigneusement modelés, constituent l’un des principaux centres d’attention de la peinture.
Son regard ascendant transmet une sensation de contemplation et de recueillement, caractéristique de nombreuses représentations marianes de caractère dévotionnel.
La bouche apparaît légèrement entrouverte, les lèvres délicatement définies par des tonalités rougeâtres.
Le nez présente une structure classique et proportionnée, tandis que les joues sont travaillées par de suaves transitions entre lumières et ombres.
Le visage montre une idéalisation caractéristique de la peinture religieuse traditionnelle, qui cherche à transmettre beauté, pureté et spiritualité.
La tête est couverte par un manteau bleu profond, combiné avec un voile de tonalités dorées et ocre qui descend autour du visage et du cou.
En partie inférieure se distingue une tenue de couleur rouge, créant une combinaison cromatique traditionnellement associée aux représentations de la Vierge.
La figure se découpe sur un fond sombre, qui concentre l’attention sur le visage et accentue le caractère intime et contemplatif de l’image.
La tradition de la peinture mariane
La représentation de la Vierge Marie constitue l’un des thèmes fondamentaux de l’histoire de l’art occidental.
Depuis le Moyen Âge, iconographie mariane a acquis une importance extraordinaire dans la peinture européenne, tant dans de grandes compositions destinées aux églises et aux couvents que dans de petites images conçues pour la dévotion privée.
Pendant la Renaissance, des artistes italiens et d’autres écoles européennes ont développé des modèles caractérisés par l’idéalisation des traits, l’harmonie de la composition et l’expression des sentiments spirituels par des gestes contenus.
La figure de la Vierge fut fréquemment représentée avec la tête couverte par un manteau et le visage éclairé par une lumière douce, capable de transmettre sérénité et recueillement.
Ces formules iconographiques ont continué à se développer durant le Baroque et les siècles qui suivirent.
En particulier, les représentations de la Vierge avec le regard élevé ont connu une diffusion notable, permettant d’exprimer des sentiments de prière, d’espoir, de contemplation et d’abandon spirituel.
La présente œuvre reprend cette tradition par une interprétation picturale réalisée au XXe siècle, en conservant les éléments essentiels des modèles devotionnels classiques.
Influences renaissance et baroque
Du point de vue stylistique, la peinture présente des affinités avec la tradition figurative développée pendant la Renaissance et le Baroque.
L’idéalisation du visage, la suavité du modelé et la soignée transition entre les zones éclairées et les ombres rappellent certaines procédures de la peinture religieuse classique.
Le regard élevé et l’expression émotionnelle contenue trouvent des parallèles iconographiques avec de nombreuses représentations marianes diffusées par la peinture italienne et espagnole.
L’œuvre peut être liée, de manière générale, à la tradition des images dévotionnelles inspirées des grands maîtres des XVIe et XVIIe siècles.
Néanmoins, il s’agit d’une interprétation réalisée au XXe siècle, qui revalorise ces modèles par une sensibilité académique et traditionaliste.
L’artiste accorde une importance particulière à l’expression du visage, évitant les éléments narratifs secondaires.
Cette concentration sur la figure permet de transmettre le contenu spirituel de la scène par des moyens essentiellement picturaux.
L’expression et le traitement psychologique
L’un des principaux attraits de la peinture réside dans l’expressivité du visage.
La Vierge apparaît représentée dans un instant de contemplation, avec le regard dirigé vers le haut et les lèvres légèrement séparées.
L’inclinaison de la tête introduit un mouvement subtil qui rompt la rigidité d’une représentation strictement frontale.
L’artiste parvient à transmettre une expression sereine, bien que nuancée par un sentiment de mélancolie.
Les yeux acquièrent une importance particulière.
Leur direction ascendante et le délicat traitement des paupières contribuent à créer une sensation de profondeur émotionnelle.
Les sourcils, légèrement arqués, accompagnent l’expression du visage.
Le modelé des joues, du nez et du menton permet de construire une silhouette de traits harmonieux.
L’absence de gestes exagérés renforce le caractère contenu et spirituel de la composition.
Le traitement de la lumière
L’éclairage constitue l’un des éléments fondamentaux de l’œuvre.
Le visage apparaît baigné d’une lumière chaude et douce, qui se détache sur le fond sombre.
Les zones de plus grande luminosité se concentrent sur le front, le pont du nez, les joues et le menton.
Les zones d’ombre se distribuent de manière graduelle, notamment autour des yeux, sous le nez et dans la partie inférieure du visage.
Ce traitement permet de construire les volumes par des transitions tonales délicates.
L’éclairage contribue également à mettre en valeur les plis du voile et du manteau.
Le contraste entre les carnations lumineuses et les tonalités sombres du fond apporte de la profondeur à l’image.
Le résultat est une composition équilibrée, dans laquelle la lumière remplit une fonction à la fois descriptive et expressive.
La couleur et l’harmonie chromatique
La peinture présente une palette chromatique chaude et soigneusement équilibrée.
Les carnations sont construites par des tonalités dorées, ocre, rosées et marrons doux.
Le visage se distingue par sa luminosité et par la délicatesse de ses transitions cromatiques.
Le manteau bleu introduit l’un des principaux contrastes de la composition.
Sa tonalité profonde encadre le visage et contribue à diriger le regard du spectateur vers l’expression de la Vierge.
Le voile de couleur ocre doré apporte de la chaleur à l’ensemble.
En partie inférieure apparaît une tenue rouge, qui établit un contraste avec le bleu du manteau.
La combinaison de bleu et de rouge constitue l’une des formules chromatiques les plus caractéristiques de l’iconographie mariale occidentale.
Le fond sombre permet que ces couleurs se détachent sans distraire l’attention du visage.
Le dessin et la technique picturale
L’œuvre présente un dessin soigné, particulièrement perceptible dans la construction du visage.
Les yeux, le nez et la bouche montrent une définition précise, tandis que les transitions entre lumières et ombres contribuent à adoucir les contours.
L’artiste combine une structure dessinistique académique avec un traitement pictural de surfaces soigneusement modelées.
Les plis du manteau et du voile sont représentés par des variations chromatiques qui suggèrent la chute des tissus.
La pincelada demeure relativement contenue, subordonnée à la représentation des volumes et à l’expression du personnage.
Le résultat est une peinture de caractère figuratif traditionnel, conçue pour transmettre une beauté idéalisée et une spiritualité.
La composition ovalisée
L’un des éléments les plus caractéristiques de la présentation est son format visuel ovale.
L’image apparaît delimitée par une ouverture ovalisée qui concentre l’attention sur le busto de la Vierge.
Ce type de présentation possède une longue tradition dans l’histoire du portrait et de la peinture dévotionnelle.
Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, les formats ovales furent particulièrement appréciés pour les portraits et les représentations religieuses destinées à des espaces domestiques.
Leur utilisation a continué au XXe siècle, notamment dans des œuvres inspirées par des modèles classiques.
Dans la présente peinture, l’ovale contribue à renforcer la sensation d’intimité et de recueillement.
La figure est isolée de tout élément narratif, permettant au visage de devenir tout le protagoniste.
Cadre, passe-partout et protection par cristal
L’œuvre se présente dans un cadre de style classique, avec moulure de finition dorée et marron.
L’enmarquage associe des profils ornementaux dorés à des zones de tonalité sombre et une décoration à aspect boisé.
L’ensemble présente une esthétique traditionnelle qui s’harmonise avec le caractère religieux de la peinture.
L’image est entourée d’un vaste passe-partout de tonalité claire, dont l’ouverture ovalée met en valeur la composition.
Cette ressource offre un contraste visuel entre la peinture et le cadre, favorisant la perception du visage.
L’œuvre est protégée par du cristal, ce qui évite le contact direct avec la surface picturale et contribue à sa protection contre les agents extérieurs.
Le cadre est offert comme cadeau à l’acheteur, sans valeur commerciale, et ne fait pas partie de l’évaluation économique de la peinture.
Il est recommandé d’examiner attentivement les photographies pour évaluer son état de conservation et celui du cadre.
État de conservation
La peinture est présentée encadrée et protégée par cristal.
L’état de conservation doit être évalué à partir des photographies fournies.
La présence du cristal peut rendre difficile l’observation directe de certains détails superficiels.
Il n’est pas possible d’établir uniquement à partir des images l’existence ou l’absence de restaurations, retouches ou interventions antérieures.
Les photographies font partie intégrante de la description.
Intérêt artistique et collectionnel
L’œuvre constitue une interprétation attrayante de l’iconographie mariane traditionnelle réalisée au cours du XXe siècle.
Son principal intérêt réside dans la délicatesse du traitement du visage, l’expressivité du regard et la reprise des modèles classiques de la peinture religieuse européenne.
L’harmonie chromatique, la douceur du modelé et le caractère contemplatif de la figure permettent de la relier à la tradition académique et dévotionnelle.
La présentation ovalisée, le large passe-partout et le cadre décoratif renforcent son attrait décoratif.
Il s’agit d’une peinture particulièrement adaptée aux collectionneurs d’art religieux, de peinture figurative traditionnelle, d’iconographie mariale et d’œuvres d’inspiration renaissante et baroque.
Caractéristiques de l’œuvre
École : Européenne.
Époque : XXe siècle.
Technique : Huile.
Thème : Vierge Marie.
Génie : Peinture religieuse.
Style : Figuratif académique d’inspiration renaissante et baroque.
Composition : Portrait de busto avec présentation ovalisée.
Présentation : Encadrée, avec passe-partout et protégée par cristal.
Expédition
L’œuvre sera emballée avec soin et de manière professionnelle, en utilisant des matériaux de protection appropriés pour garantir sa sécurité pendant le transport.
Une attention particulière sera portée à la protection du cadre et du cristal lors de l’emballage.
Les envois à destination hors de l’Union européenne peuvent être soumis à des taxes, droits de douane, frais d’importation, frais de douane et formalités douanières. Ces éventuels frais seront à la charge exclusive de l’acheteur et ne sont pas inclus dans le prix d’adjudication ni dans les frais de port.
De même, les envois à destination d’îles, de territoires insulaires ou de zones considérées comme reculées ou difficiles d’accès par les sociétés de transport peuvent entraîner des coûts supplémentaires. Tout supplément appliqué par la société de transport pour ce motif devra être assumé par l’acheteur.
Il est recommandé de consulter préalablement les conditions douanières et les éventuels suppléments de transport applicables à la destination.
À propos du vendeur
Chez ARTEMISA, nous nous consacrons à la sélection et à la vente aux enchères d'œuvres d'art, d'antiquités et d'objets de collection, en combinant expérience, passion et un soin particulier dans le choix et la présentation de chaque pièce.
Au cours de notre parcours, nous avons réuni un catalogue de plus de 10 000 œuvres, couvrant une grande variété d’écoles, de styles et de périodes, avec une attention particulière à la peinture et à l’art européen. Les pièces proviennent principalement de collections privées et d’autres sources sélectionnées, ce qui nous permet de proposer une offre large, diversifiée et en constante renouvellement.
Chaque œuvre est étudiée et présentée dans le but de fournir au collectionneur une information rigoureuse et transparente, en prêtant une attention particulière à sa catalogation, son état de conservation et son contexte artistique.
Nous travaillons aussi bien pour les collectionneurs expérimentés que pour ceux qui commencent à découvrir le monde de l’art, en proposant des œuvres accessibles jusqu’à des pièces d’intérêt historique, artistique ou décoratif.
Chez ARTEMISA, nous considérons chaque vente aux enchères comme une opportunité de découvrir, de préserver et de donner une nouvelle vie à des œuvres chargées d’histoire, en les connectant avec des collectionneurs du monde entier.
Traduit par Google TraductionÉlégante et délicate peinture à l’huile représentant un buste de la Vierge Marie, réalisée selon les modèles traditionnels de la peinture religieuse européenne.
L’œuvre se distingue par la sérénité de sa composition, la délicatesse du traitement du visage, la profondeur expressive du regard et une harmonie cromatique soigneusement travaillée, caractéristiques qui renvoient à la tradition picturale dévotionnelle et aux grands modèles de représentation mariale développés depuis la Renaissance.
La Vierge apparaît représentée dans un portrait de busto, le visage légèrement surélevé et le regard dirigé vers le haut, dans une attitude de recueillement spirituel et de profonde contemplation.
La peinture présente une attention notable au modelé du visage, aux transitions lumineuses et à la représentation des tissus, combinant une technique figurative de caractère académique avec une sensibilité religieuse traditionnelle.
La composition est délimitée par une ouverture ovalisée, entourée d’un large passe-partout de tonalité claire et présentée dans un élégant cadre de finition dorée et marron, avec ornementation classique.
L’œuvre est protégée par du verre, circonstance qui contribue à préserver la surface picturale contre la poussière et le contact direct.
Description et iconographie
La peinture représente la Vierge Marie dans une composition de busto, suivant une typologie iconographique largement diffusée dans la tradition chrétienne.
Le visage apparaît légèrement tourné et élevé, les yeux dirigés vers la partie supérieure de la composition.
L’expression combine sérénité, mélancolie et une profonde intensité spirituelle.
Les yeux, de tonalité bleutée et soigneusement modelés, constituent l’un des principaux centres d’attention de la peinture.
Son regard ascendant transmet une sensation de contemplation et de recueillement, caractéristique de nombreuses représentations marianes de caractère dévotionnel.
La bouche apparaît légèrement entrouverte, les lèvres délicatement définies par des tonalités rougeâtres.
Le nez présente une structure classique et proportionnée, tandis que les joues sont travaillées par de suaves transitions entre lumières et ombres.
Le visage montre une idéalisation caractéristique de la peinture religieuse traditionnelle, qui cherche à transmettre beauté, pureté et spiritualité.
La tête est couverte par un manteau bleu profond, combiné avec un voile de tonalités dorées et ocre qui descend autour du visage et du cou.
En partie inférieure se distingue une tenue de couleur rouge, créant une combinaison cromatique traditionnellement associée aux représentations de la Vierge.
La figure se découpe sur un fond sombre, qui concentre l’attention sur le visage et accentue le caractère intime et contemplatif de l’image.
La tradition de la peinture mariane
La représentation de la Vierge Marie constitue l’un des thèmes fondamentaux de l’histoire de l’art occidental.
Depuis le Moyen Âge, iconographie mariane a acquis une importance extraordinaire dans la peinture européenne, tant dans de grandes compositions destinées aux églises et aux couvents que dans de petites images conçues pour la dévotion privée.
Pendant la Renaissance, des artistes italiens et d’autres écoles européennes ont développé des modèles caractérisés par l’idéalisation des traits, l’harmonie de la composition et l’expression des sentiments spirituels par des gestes contenus.
La figure de la Vierge fut fréquemment représentée avec la tête couverte par un manteau et le visage éclairé par une lumière douce, capable de transmettre sérénité et recueillement.
Ces formules iconographiques ont continué à se développer durant le Baroque et les siècles qui suivirent.
En particulier, les représentations de la Vierge avec le regard élevé ont connu une diffusion notable, permettant d’exprimer des sentiments de prière, d’espoir, de contemplation et d’abandon spirituel.
La présente œuvre reprend cette tradition par une interprétation picturale réalisée au XXe siècle, en conservant les éléments essentiels des modèles devotionnels classiques.
Influences renaissance et baroque
Du point de vue stylistique, la peinture présente des affinités avec la tradition figurative développée pendant la Renaissance et le Baroque.
L’idéalisation du visage, la suavité du modelé et la soignée transition entre les zones éclairées et les ombres rappellent certaines procédures de la peinture religieuse classique.
Le regard élevé et l’expression émotionnelle contenue trouvent des parallèles iconographiques avec de nombreuses représentations marianes diffusées par la peinture italienne et espagnole.
L’œuvre peut être liée, de manière générale, à la tradition des images dévotionnelles inspirées des grands maîtres des XVIe et XVIIe siècles.
Néanmoins, il s’agit d’une interprétation réalisée au XXe siècle, qui revalorise ces modèles par une sensibilité académique et traditionaliste.
L’artiste accorde une importance particulière à l’expression du visage, évitant les éléments narratifs secondaires.
Cette concentration sur la figure permet de transmettre le contenu spirituel de la scène par des moyens essentiellement picturaux.
L’expression et le traitement psychologique
L’un des principaux attraits de la peinture réside dans l’expressivité du visage.
La Vierge apparaît représentée dans un instant de contemplation, avec le regard dirigé vers le haut et les lèvres légèrement séparées.
L’inclinaison de la tête introduit un mouvement subtil qui rompt la rigidité d’une représentation strictement frontale.
L’artiste parvient à transmettre une expression sereine, bien que nuancée par un sentiment de mélancolie.
Les yeux acquièrent une importance particulière.
Leur direction ascendante et le délicat traitement des paupières contribuent à créer une sensation de profondeur émotionnelle.
Les sourcils, légèrement arqués, accompagnent l’expression du visage.
Le modelé des joues, du nez et du menton permet de construire une silhouette de traits harmonieux.
L’absence de gestes exagérés renforce le caractère contenu et spirituel de la composition.
Le traitement de la lumière
L’éclairage constitue l’un des éléments fondamentaux de l’œuvre.
Le visage apparaît baigné d’une lumière chaude et douce, qui se détache sur le fond sombre.
Les zones de plus grande luminosité se concentrent sur le front, le pont du nez, les joues et le menton.
Les zones d’ombre se distribuent de manière graduelle, notamment autour des yeux, sous le nez et dans la partie inférieure du visage.
Ce traitement permet de construire les volumes par des transitions tonales délicates.
L’éclairage contribue également à mettre en valeur les plis du voile et du manteau.
Le contraste entre les carnations lumineuses et les tonalités sombres du fond apporte de la profondeur à l’image.
Le résultat est une composition équilibrée, dans laquelle la lumière remplit une fonction à la fois descriptive et expressive.
La couleur et l’harmonie chromatique
La peinture présente une palette chromatique chaude et soigneusement équilibrée.
Les carnations sont construites par des tonalités dorées, ocre, rosées et marrons doux.
Le visage se distingue par sa luminosité et par la délicatesse de ses transitions cromatiques.
Le manteau bleu introduit l’un des principaux contrastes de la composition.
Sa tonalité profonde encadre le visage et contribue à diriger le regard du spectateur vers l’expression de la Vierge.
Le voile de couleur ocre doré apporte de la chaleur à l’ensemble.
En partie inférieure apparaît une tenue rouge, qui établit un contraste avec le bleu du manteau.
La combinaison de bleu et de rouge constitue l’une des formules chromatiques les plus caractéristiques de l’iconographie mariale occidentale.
Le fond sombre permet que ces couleurs se détachent sans distraire l’attention du visage.
Le dessin et la technique picturale
L’œuvre présente un dessin soigné, particulièrement perceptible dans la construction du visage.
Les yeux, le nez et la bouche montrent une définition précise, tandis que les transitions entre lumières et ombres contribuent à adoucir les contours.
L’artiste combine une structure dessinistique académique avec un traitement pictural de surfaces soigneusement modelées.
Les plis du manteau et du voile sont représentés par des variations chromatiques qui suggèrent la chute des tissus.
La pincelada demeure relativement contenue, subordonnée à la représentation des volumes et à l’expression du personnage.
Le résultat est une peinture de caractère figuratif traditionnel, conçue pour transmettre une beauté idéalisée et une spiritualité.
La composition ovalisée
L’un des éléments les plus caractéristiques de la présentation est son format visuel ovale.
L’image apparaît delimitée par une ouverture ovalisée qui concentre l’attention sur le busto de la Vierge.
Ce type de présentation possède une longue tradition dans l’histoire du portrait et de la peinture dévotionnelle.
Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, les formats ovales furent particulièrement appréciés pour les portraits et les représentations religieuses destinées à des espaces domestiques.
Leur utilisation a continué au XXe siècle, notamment dans des œuvres inspirées par des modèles classiques.
Dans la présente peinture, l’ovale contribue à renforcer la sensation d’intimité et de recueillement.
La figure est isolée de tout élément narratif, permettant au visage de devenir tout le protagoniste.
Cadre, passe-partout et protection par cristal
L’œuvre se présente dans un cadre de style classique, avec moulure de finition dorée et marron.
L’enmarquage associe des profils ornementaux dorés à des zones de tonalité sombre et une décoration à aspect boisé.
L’ensemble présente une esthétique traditionnelle qui s’harmonise avec le caractère religieux de la peinture.
L’image est entourée d’un vaste passe-partout de tonalité claire, dont l’ouverture ovalée met en valeur la composition.
Cette ressource offre un contraste visuel entre la peinture et le cadre, favorisant la perception du visage.
L’œuvre est protégée par du cristal, ce qui évite le contact direct avec la surface picturale et contribue à sa protection contre les agents extérieurs.
Le cadre est offert comme cadeau à l’acheteur, sans valeur commerciale, et ne fait pas partie de l’évaluation économique de la peinture.
Il est recommandé d’examiner attentivement les photographies pour évaluer son état de conservation et celui du cadre.
État de conservation
La peinture est présentée encadrée et protégée par cristal.
L’état de conservation doit être évalué à partir des photographies fournies.
La présence du cristal peut rendre difficile l’observation directe de certains détails superficiels.
Il n’est pas possible d’établir uniquement à partir des images l’existence ou l’absence de restaurations, retouches ou interventions antérieures.
Les photographies font partie intégrante de la description.
Intérêt artistique et collectionnel
L’œuvre constitue une interprétation attrayante de l’iconographie mariane traditionnelle réalisée au cours du XXe siècle.
Son principal intérêt réside dans la délicatesse du traitement du visage, l’expressivité du regard et la reprise des modèles classiques de la peinture religieuse européenne.
L’harmonie chromatique, la douceur du modelé et le caractère contemplatif de la figure permettent de la relier à la tradition académique et dévotionnelle.
La présentation ovalisée, le large passe-partout et le cadre décoratif renforcent son attrait décoratif.
Il s’agit d’une peinture particulièrement adaptée aux collectionneurs d’art religieux, de peinture figurative traditionnelle, d’iconographie mariale et d’œuvres d’inspiration renaissante et baroque.
Caractéristiques de l’œuvre
École : Européenne.
Époque : XXe siècle.
Technique : Huile.
Thème : Vierge Marie.
Génie : Peinture religieuse.
Style : Figuratif académique d’inspiration renaissante et baroque.
Composition : Portrait de busto avec présentation ovalisée.
Présentation : Encadrée, avec passe-partout et protégée par cristal.
Expédition
L’œuvre sera emballée avec soin et de manière professionnelle, en utilisant des matériaux de protection appropriés pour garantir sa sécurité pendant le transport.
Une attention particulière sera portée à la protection du cadre et du cristal lors de l’emballage.
Les envois à destination hors de l’Union européenne peuvent être soumis à des taxes, droits de douane, frais d’importation, frais de douane et formalités douanières. Ces éventuels frais seront à la charge exclusive de l’acheteur et ne sont pas inclus dans le prix d’adjudication ni dans les frais de port.
De même, les envois à destination d’îles, de territoires insulaires ou de zones considérées comme reculées ou difficiles d’accès par les sociétés de transport peuvent entraîner des coûts supplémentaires. Tout supplément appliqué par la société de transport pour ce motif devra être assumé par l’acheteur.
Il est recommandé de consulter préalablement les conditions douanières et les éventuels suppléments de transport applicables à la destination.
À propos du vendeur
Chez ARTEMISA, nous nous consacrons à la sélection et à la vente aux enchères d'œuvres d'art, d'antiquités et d'objets de collection, en combinant expérience, passion et un soin particulier dans le choix et la présentation de chaque pièce.
Au cours de notre parcours, nous avons réuni un catalogue de plus de 10 000 œuvres, couvrant une grande variété d’écoles, de styles et de périodes, avec une attention particulière à la peinture et à l’art européen. Les pièces proviennent principalement de collections privées et d’autres sources sélectionnées, ce qui nous permet de proposer une offre large, diversifiée et en constante renouvellement.
Chaque œuvre est étudiée et présentée dans le but de fournir au collectionneur une information rigoureuse et transparente, en prêtant une attention particulière à sa catalogation, son état de conservation et son contexte artistique.
Nous travaillons aussi bien pour les collectionneurs expérimentés que pour ceux qui commencent à découvrir le monde de l’art, en proposant des œuvres accessibles jusqu’à des pièces d’intérêt historique, artistique ou décoratif.
Chez ARTEMISA, nous considérons chaque vente aux enchères comme une opportunité de découvrir, de préserver et de donner une nouvelle vie à des œuvres chargées d’histoire, en les connectant avec des collectionneurs du monde entier.
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Vendu avec cadre
Oui
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Galerie
Édition
Original
Artiste
École européenne (XX)
Titre de l'œuvre d'art
La Vierge en contemplation
Technique
Peinture à l’huile
Signature
Non signé(e)
Pays d’origine
Espagne
Condition
Bon état
Hauteur
49 cm
Largeur
40 cm
Représentation/thème
Religion
Période
1940-1950
Vendu par
