Humberto Rivas - Violeta,1998 copia del autor

Humberto Rivas est né à Buenos Aires en 1937. De 1976 jusqu'à sa mort en 2009, il a vécu et travaillé comme photographe et pédagogue à Barcelone.

Origines
Humberto Rivas était le petit-fils d'immigrants italiens et portugais (il a appris la langue lusitanienne de sa grand-mère portugaise, qui était blanchisseuse de profession) et le fils d'ouvriers textiles, métier qu'il a lui-même pratiqué à treize ans, tandis que les week-ends, il s'entraînait avec son père pour devenir cycliste de circuit. À l'âge de dix-sept ans, il a commencé un cours de dessin par correspondance et a vendu son vélo de course pour s'acheter un chevalet de peintre. Un an plus tard, il a commencé à travailler comme apprenti dans une agence de publicité et a pu s'offrir son premier appareil photo, un Argus de 35 mm avec une optique fixe. En 1959, il a acheté le Rolleiflex 6 x 6, qui lui permettait de relever des défis plus importants.
En 1958, il a organisé sa première exposition de dessins et peintures à la Galerie Lirolay, et l'année suivante, il a présenté sa première exposition de photographies à la Galerie Galatea. En 1962, le designer et sculpteur Juan Carlos Distéfano, alors directeur du département de design de l'Institut Torcuato Di Tella à Buenos Aires, l'a invité à diriger le département de photographie de ce centre d'art contemporain légendaire. Au cours des années soixante et soixante-dix, de nombreuses personnalités créatives d'Argentine défilaient dans ce centre, et elles furent capturées par l'objectif implacable de Rivas, influencé à cette époque par Richard Avedon et Diane Arbus.
Comme exemples de cette période figurent les portraits de l'artiste argentin Roberto Aizenberg réalisés en 1967 dans une décharge à Buenos Aires, ainsi qu'un portrait de Jorge Luis Borges de 1972. Juan Carlos Distéfano, Roberto Páez, Rubén Fontana, La Polaca et le Groupe Lobo sont d'autres figures remarquables du milieu culturel bonaerense portraiturées par Rivas durant ces années.
Cette formation a permis à Rivas de développer sa propre esthétique, axée sur la découverte du côté caché de la personne photographiée. Plus tard, il a commencé à intégrer dans son œuvre le mystère des identités et la poétique du silence et de l'absence. La relation d'amitié étroite qu'il a maintenue pendant ces années jusqu'à sa mort avec le photographe Anatole Saderman, qu'il considérait comme son maître, aurait été déterminante dans son évolution en tant que photographe.


Les contrastes sont une constante dans sa photographie. Humberto Rivas est l’un des photographes qui utilise le plus et le mieux le noir, en tant que couleur en soi et en tant que concept, c’est-à-dire comme une zone dépourvue de lumière. Ce sont ses noirs qui mettent en évidence ce qu’il souhaite souligner le plus dans la photo ; ou avec lesquels il perfille des bâtiments à l’aube. Ou, comme nous le voyons dans les séries de portraits de personnes, le fond qui va séparer le qui du où.

Rivas n’a jamais ‘tiré’ sur une personne qui ne manifestait pas son accord à être photographiée. Il faut donc considérer son œuvre en sachant qu’il y a un accord préalable, une scène et une pose. Et il est indéniable qu’il a choisi sa propre position pour chaque modèle, en fonction de ce que celui-ci lui inspirait. Fierté, curiosité, peur, surprise… chaque geste est ou semble calculé.
La scénographie est également très soignée. Dans son travail en tant que portraitiste, il y a deux parties assez distinctes. Dans ses premières années, les personnes qu'il photographie sont dans leur contexte, bien que celui-ci cède la place à l'expression. Ce sont, en tout cas, des images de pure documentation, comme une sorte de certificat de vie d'un moment et d'un lieu.

Des années plus tard, avec un style plus épuré et peut-être imprégné d'une plus grande liberté artistique qui le rapproche de ses débuts en tant que peintre, il y a des estampes plus picturales. Bien qu'il soit mal vu de parler à la première personne, je reconnais ma faible expertise en tant qu'observateur en contemplant les portraits exposés et en me concentrant tellement sur l'expression que je n'ai pas remarqué un détail, plus propre à sa seconde période : au fond noir qui découpe la silhouette des sujets et qui fixe le regard sur eux, s'ajoute un sol fabriqué à partir d'une toile froissée. Un signe distinctif que je n'ai perçu qu'en le lisant sur l'un des panneaux. Tant dans l'une que dans l'autre variante, Rivas disposait d'une autre ressource qui rend son travail encore plus précieux : revenir aux mêmes personnes avec des années, voire des décennies d'écart.