William Eggleston - Porträts - 2016

OKAZJA BARDZO OGRANICZONA do zakupu tego fantastycznego tytułu Williama „Bill” Egglestona z 2016 roku - w DOSKONALYM, ŚWIEŻYM STANIE.

Poetyckie, ponadczasowe, tajemnicze: portrety Williama Eggleston’a.

Scheidegger and Spiess. We współpracy z National Portrait Gallery w Londynie. 2016.
Pierwsze niemieckie wydanie, pierwsze drukowanie.

Twarda oprawa (jak w wydaniu). 280 x 275 mm. 184 strony. 89 zdjęć czarno-białych i 122 kolorowe. Zdjęcia: William Eggleston. Redakcja Philip Prodger. Z rozmową Williama Eggleston z Phillipem Prodgerem, Rose Shoshana, Maud Schuyler Clay i Lesley Young. Tekst po niemiecku.

Stan:
Wewnątrz i na zewnątrz świeży i nieskazitelny; najmniejsze ślady użytkowania. Brak marks, brak przebarwień, brak istotnych wad. Ogólnie bardzo dobry stan.

Świetna książka fotograficzna Williama Eggleston’a - w cudownym, świeżym stanie.

"William Eggleston, urodzony w 1939 roku, jest amerykańskim fotografem. Powszechnie uznawany jest za przyczynienie się do uznania koloru jako legalnego środka artystycznego. Książki Eggleston’a obejmują William Eggleston's Guide (1976) oraz The Democratic Forest (1989).
Eggleston otrzymał stipendium Guggenheim w 1974 roku, Nagrodę Hasselblada w 1998 roku oraz Honorowe Członkostwo Royal Photographic Society w 2003 roku.
William Eggleston urodził się w Memphis, Tennessee i dorastał w Sumner, Mississippi. Jego ojciec był inżynierem, a matka była córką znanego lokalnego sędziego. Jako chłopiec Eggleston był introwertyczny; lubił grać na pianinie, rysować i pracować z elektroniką. Od młodości ciągnęło go do mediów wizualnych; podobno lubił kupować pocztówki i wycinać z magazynów zdjęcia.
W wieku 15 lat Eggleston trafił do Webb School, szkoły z internatem. Eggleston later wspominał niewiele miłych wspomnień ze szkoły, mówiąc reporterowi: „Miała pewną Spartanitudę, by ‚budować charakter’. Nie wiedziałem, co to miało znaczyć. To było tak bezduszne i głupie. To było miejsce, gdzie uważano za kobiece lubić muzykę i malarstwo.” Eggleston wyróżniał się wśród rówieśników, rezygnując z tradycyjnych południowych męskich zajęć, jak polowanie i sport, na rzecz zainteresowań artystycznych i obserwowania świata. Mimo to, zauważył, że nigdy nie czuł się outsiderem. „Nigdy nie miałem wrażenia, że się nie dopasowuję,” powiedział reporterowi, „Ale prawdopodobnie tak było.” Eggleston uczęszczał na Vanderbilt University przez rok, Delta State College przez semestr, a Uniwersytet Missisipi przez około pięć lat, lecz nie ukończył żadnego stopnia. Mimo to jego zainteresowanie fotografią zakorzeniło się, gdy przyjaciel z Vanderbilt podarował Egglestonowi aparat Leica. Został zapoznany z abstrakcyjnym ekspresjonizmem w Ole Miss przez odwiedzającego malarza Toma Younga.
Wczesne wysiłki fotograficzne Egglestone’a inspirowane były pracą szwajcarsko-urodzonego fotografa Roberta Franka oraz książką francuskiego fotografa Henriego Cartier-Bressona, The Decisive Moment. Eggleston później wspominał, że książka była „pierwszą poważną książką, jaką znalazłem, spośród wielu okropnych książek… Nie rozumiałem jej zupełnie, a potem zrozumiałem, i pomyślałem: Boże, to wspaniała.” Najpierw fotografował w czerni i bieli, a w 1965–1966 zaczął eksperymentować z kolorem po tym, jak zapoznał się z tym formatem dzięki Williamowi Christenberry’owi. Kolorowy film przeźroczysty stał się jego dominującym medium w późnych latach 60. Eggleston rozwijał się jako fotograf w stosunkowo izolowany sposób od innych artystów. W wywiadzie John Szarkowski opisuje swoje pierwsze spotkanie z młodym Egglestonem w 1969 roku jako „absolutnie znikąd.” Po zapoznaniu się z pracą Eggleston’a (którą wspominał jako walizkę pełną kolorowych odbitek z „apteki”) Szarkowski namówił Komitet Fotografii MoMA, by kupił jedną z fotografii Eggleston’a.
W 1970 roku przyjaciel Eggleston’a, William Christenberry, przedstawił go Walterowi Hoppsowi, dyrektorowi Corcoran Gallery w Waszyngtonie. Hopps później wyznał, że był „zdumiony” pracą Eggleston’a: „Nigdy niczego takiego nie widziałem.”
Eggleston wykładał na Harvardzie w 1973 i 1974 roku, i to właśnie w tych latach odkrył drukowanie barwą dyfuzyjny; przeglądał cennik fotograficznego laboratorium w Chicago, kiedy przeczytał o tym procesie. Jak później wspominał: „To były reklamy „od najtańszych do najlepszych odbitek.” Najlepsza odbitka była dyfującą transferem barwnika. Wszedłem tam prosto, by zobaczyć, jak wygląda i wszystko, co zobaczyłem, było pracą komercyjną, jak zdjęcia paczek papierosów czy butelek perfum, ale nasycenie koloru i jakość tuszu były przytłaczające. Nie mogłem się doczekać, by zobaczyć, jak wyglądałaby zwykła fotografia Eggleston z tym samym procesem. Każde zdjęcie, które później wydrukowałem tym procesem, wydawało się fantastyczne i każde wydawało się lepsze od poprzedniego." Proces transferu barwnika doprowadził do jednych z najbardziej uderzających i najsłynniejszych prac Eggleston’a, takich jak jego fotografia z 1973 roku zatytułowana The Red Ceiling (Czerwona Sufit), o czym Eggleston powiedział: „Czerwona Sufit jest tak potężna, że w rzeczywistości nigdy nie widziałem jej zreprodukowaną na stronie, z mojej satysfakcji. Kiedy patrzysz na barwnik, to jak krwawo czerwona plama na ścianie... Trochę czerwieni zazwyczaj wystarcza, ale praca z całą czerwoną powierzchnią była wyzwaniem.”
W Harvardzie Eggleston przygotował swój pierwszy portfolio, zatytułowane 14 Pictures (1974). Prace Eggleston’a były wystawiane w MoMA w 1976 roku. Chociaż miało to miejsce ponad trzy dekady po tym, jak MoMA zorganizowała solo wystawę kolorowych fotografii Eliota Portera i dziesięć lat po tym, jak MoMA pokazała kolorowe fotografie Ernsta Haasa, opowieść, że wystawa Eggleston’a była pierwszą wystawą koloru w MoMA, jest często powtarzana, a wystawa z 1976 roku uważana jest za punkt zwrotny w historii fotografii, oznaczający „akceptację fotografii kolorowej przez najwyższą instytucję wyższą” (słowa Marka Holborna).
W okresie zbliżającym się do wystawy MoMA z 1976 roku, Eggleston nawiązał kontakt z Vivą, „superstarą” Andy’ego Warhola, z którą nawiązał długotrwały związek. W tym czasie Eggleston zapoznał się z kręgiem Andy Warhola, co mogło pomóc w rozwinięciu idei „demokratycznej kamery” Eggleston’a, sugeruje Mark Holborn. Również w latach 70. Eggleston eksperymentował z wideo, tworząc kilka godzin przybliżonych materiałów, które Eggleston nazywa Stranded in Canton. Pisarz Richard Woodward, który obejrzał ten materiał, porównuje go do „oszalałego domowego filmu”, łącząc drżące ujęcia jego dzieci w domu z nagranymi pijanymi imprezami, publicznym oddawaniem moczu i mężczyzną odgryzającym głowę kurczaka przed wiwatującym tłumem w Nowym Orleanie. Woodward sugeruje, że film odzwierciedla „nieustraszony naturalizm Eggleston’a — przekonanie, że patrząc cierpliwie na to, co inni ignorują lub odwracają wzrok, można dostrzec interesujące rzeczy.”
Publikacje i portfolio Eggleston’a obejmują Los Alamos (ukończone w 1974, ale opublikowane znacznie później), William Eggleston's Guide (katalog wystawy MoMA z 1976 roku), ogromny Election Eve (1977; portfolio zdjęć z okolic Plains, Georgia, wiejskiego miejsca zamieszkania Jimmy’ego Cartera przed wyborami prezydenckimi w 1976 roku), The Morals of Vision (1978), Flowers (1978), Wedgwood Blue (1979), Seven (1979), Troubled Waters (1980), The Louisiana Project (1980), William Eggleston's Graceland (1984; seria zdjęć z Graceland Elvis’a, przedstawiająca dom piosenkarza jako oskrzypany, bez okien grobowiec w niestandardowym okropnym guście), The Democratic Forest (1989), Faulkner's Mississippi (1990) i Ancient and Modern (1992).
Niektóre z jego wczesnych serii nie były pokazywane aż do późnych lat 2000. The Nightclub Portraits (1973), seria dużych czarno-białych portretów w barach i klubach w Memphis, była w dużej mierze nie pokazywana aż do 2005 roku. Lost and Found, część serii Los Alamos Eggleston’a, to zbiór fotografii, które pozostawały niepokazane przez dekady, ponieważ aż do 2008 roku nikt nie wiedział, że należą do Waltera Hopps’a; prace z tej serii dokumentują podróże Eggleston’a z Hopps’em, zaczynające się w Memphis i prowadzące aż na Zachodnie Wybrzeże. Zdjęcia Election Eve Eggleston’a nie były edytowane aż do 2011 roku.
Eggleston pracował także z twórcami filmowymi, fotografując plan filmu Johna Hustona Annie (1982) i dokumentując prace nad filmem True Stories Davida Byrna (1986).
W 2017 roku ukazał się album z muzyką Eggleston’a, Musik. Zawiera 13 „eksperymentalnych elektronicznych pejzaży dźwiękowych”, „często dramatyczne improwizacje na kompozycjach Bacha (jego bohater) i Handla, a także jego unikalne wariacje na temat utworu Gilberta i Sulliwana oraz standard jazzowy On the Street Where You Live.”[13] Musik została całkowicie stworzona na syntezatorze Korg z lat 80., nagrana na dyskietkach. Kompilacja Musik z 2017 została wyprodukowana przez Tom Lunt i wydana przez Secretly Canadian. W 2018 roku Áine O'Dwyer wykonała muzykę na organach w czasie festiwalu muzycznego Big Ears w Knoxville.

Dojrzałe prace Eggleston’a charakteryzują się zwyczajnym tematem. Jak zauważyła Eudora Welty w swoim wstępie do The Democratic Forest, fotografia Eggleston’a może zawierać „stare opony, maszyny Dr. Pepper, wyrzucone klimatyzatory, automaty sprzedające, puste i brudne butelki Coca-Coli, porwane plakaty, słupy i przewody energetyczne, barykady uliczne, znaki one-way, objazdy, No Parking, parkometry i palmy zajmujące ten sam chodnik.”

Eudora Welty sugeruje, że Eggleston widzi złożoność i piękno zwykłego świata: „Nadzwyczajne, pociągające, uczciwe, piękne i bezkompromisowe fotografie wszystkie mają związek z jakością naszego życia w codziennym świecie: udaje im się pokazać nam ziarno teraźniejszości, jak przekrój drzewa... Skupiają się na świecie zwykłym. Ale żaden temat nie jest pełniejszy implikacji niż świat zwykły!” Mark Holborn, w swoim wstępie do Ancient and Modern, pisze o mrocznej sprzeczce tych przyziemnych scen widzianych przez obiektyw Eggleston’a: „[Przedmioty Eggleston’a] na powierzchni to zwyczyni mieszkańcy i otoczenie przedmieść Memphis i Mississippi — przyjaciele, rodzina, grill, podwórka, rowerek trójkołowy i bałagan codzienności. Normalność tych tematów jest zwodnicza, bo za obrazami kryje się poczucie ukrytego niebezpieczeństwa.” Amerykański artysta Edward Ruscha powiedział o twórczości Eggleston’a: „Kiedy widzisz zdjęcie, które zrobił, wchodzisz w jakiś rodzaj ostrej, poszarpanej rzeczywistości, która wydaje się jak Eggleston World.”

Według Philipa Geftera z Art & Auction, „Warto zauważyć, że Stephen Shore i William Eggleston, pionierzy fotografii kolorowej na początku lat 70., pożyczali, świadomie lub nie, od photorealistów. Ich fotograficzna interpretacja amerykańskiego języka potocznego—stacje benzynowe, restauracje, parkingi—jest zapowiedziana w fotorealistycznych obrazach, które poprzedzały ich zdjęcia.”
(Wikipedia)