Tristan DeLacour - Lustro ścienne - Drewno sosnowe, Dąb

Mire Broczące;

Rzeźba na lustrze starego pochodzenia
Rzeźba-sztuka wykonana z wykorzystaniem lustra z XIX wieku, którego forma i proporcje wpisują się w spadkobierstwo luster w stylu Louis-Philippe’a.
Początkowe lustro zostało użyte jako podpora dla całkowitej transformacji artystycznej, będącej na pograniczu rzeźby, sztuki współczesnej i funkcjonalnego mebla.
Dzieło zachowuje swoją pierwszą funkcję: lustro nadal jest użyteczne i pozwala na patrzenie w siebie. Jednak jego rama została celowo agresywnie potraktowana – spalona, przebita, wyrwana i wzbogacona o różne elementy, aby radykalnie zmienić sposób odbioru.

Lustro „zranione”
Zasada pracy polega na prostej idei: zranić przedmiot odbijający nasz własny obraz.
Rama fizycznie nosi ślady tej ingerencji. Niektóre fragmenty drewna zostały głęboko przypalone, inne tylko wystawione na działanie płomienia, aby uzyskać różne odcienie czerni i różne tekstury.
Spalanie powoduje miejscami pojawienie się powierzchni spękanej, przypominającej skórę, podczas gdy profile i niedoskonałości starego lustra pozostają widoczne.
Spalone drewno zostało następnie ustabilizowane, aby wizualnie utrzymać efekty karboryzacji przy jednoczesnym ograniczeniu osadów sadzy i czarnych śladów podczas manipulacji.
Gwoździe, drut kolczasty, fragmenty ostrzy pił i różne elementy metalowe wchodzą w ramę lub ją ograniczają.
Materiały te bezpośrednio odwołują się do wizualnego słownika punkowego i przemysłowego: wypaczenie, przemoc wymierzona w przedmiot, widoczny metal, samodzielny majsterkowanie i odrzucenie zbyt doskonałego wykończenia.

Do tego rejestru punkowego nawiązuje wymiar bardziej gotycki, zwłaszcza dzięki obecności świec, wosku, głębokich czerni i niemal pogrzebowego charakteru kompozycji.
Interwencje sugerujące krew i rany uzupełniają ten słownik.
Odbicie jako integralna część dzieła
Wymuszona siła na ramie nie jest jedynie dekoracyjna.
Lustro to przedmiot ściśle związany z tym, kto na nie patrzy.
W przeciwieństwie do tradycyjnej rzeźby, którą ogląda się z zewnątrz, widz pojawia się wewnątrz dzieła, gdy tylko zbliża się do niego.
Rama została zraniła, ale to nasze własne odbicie w niej się mieści.
Płomienie, perforacje, oderwania i blizny otoczone przez taflę stają się symbolicznie bliznami osoby, która się w niej przegląda.
Dzieło może być zrozumiane jako przedstawienie sposobu, w jaki urazy, wypadki i przeżycia gromadzą się wokół tożsamości, niekoniecznie ją niszcząc.
Lustro nadal spełnia swoją funkcję pomimo ingerencji, jakiej uległo.
Ta trwałość jest kluczowa dla kompozycji: przedmiot jest uszkodzony, przekształcony i naznaczony, lecz nadal odbija obraz.
Ślepy plamowy przebieg na szkle, celowo zachowany, również uczestniczy w tej ingerencji i nie powinien być traktowany jako wada ani przypadkowe uszkodzenie.

Dzieło między sztuką a meblem
Ten element myślany jest jako pełnoprawne dzieło sztuki, ale celowo zachowuje charakter mebla. Może być zawieszony i używany jak lustro, a jednocześnie przez swój wygląd i materiały pełnić rolę ważnej kompozycji rzeźbiarskiej na ścianie.
Kontrast między starożytnym lustrem, tradycyjnie kojarzonym z elegancją wnętrza mieszczańskiego z XIX wieku, a współczesnymi interwencjami — ogień, metal, gwoździe, drut kolczasty, ostrza i wosk — stanowi fundamentalną część dzieła.
Celem nie było zatem przywrócenie lustra do stanu sprzed, ani zatarcie jego wieku czy niedoskonałości, lecz przeciwnie – wykorzystanie jego historii, śladów i materii jako punktu wyjścia do nowego dzieła.
Nierówności, poparzenia, pęknięcia, perforacje, ślady wosku i widoczne ingerencje w ramę stanowią integralną część kompozycji artystycznej i są celowo zachowywane.