Anton Kaestner - #376 - S - " Glass Sea 1 ".

Unik brugsgenstand, originalt Anton Kaestner-maleri, direkte fra atelieret.
Min helt første maleri på glas, et glas genanvendt i Marokko i 1994.
#376 - S - " Glass Sea 1 ".

Akryl i spray på 3 mm glasplade.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk med "multi-lag", hvis blanke udseende "glossy", der minder om påføring af en resin, og som er unikt i sin glans.
Gennemsigtighed i printet.

Dimensioner: Tommer 8,7 * 10,4 * 0,12 / 22 * 26,5 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
En lille skårligning er til stede på bagsiden; den er en del af værket.
Ramme af kvalitetsmærket Nielsen fra Tyskland i aluminium, reference 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en tillægspris på 60€ inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker er udstillet i hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg findes på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg privat at male, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder kommer lige mod dig, dominerende og intimiderende, mens små værker kan vække meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af nonfigurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg gik, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simrende under overfladen. Næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at frigøre sig fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra en anden vinkel og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og De Nederlænder.

Pr. udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et tomt sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleriteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at guide udfaldet, lagene & spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet ikke beslutningerne; højest stille chance spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med åbenbarings- / fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “irriderbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men oplevelsen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet ved livets hjerte”, det, som Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden genstand. Som alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mennesker eller dage, som også har hverken grund til at være, end og formål. Mens mit arbejde sommetider kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten udelukkende abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændres, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelt, jeg finder tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces af spørgsmål og vækst. Hvert nye værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske endnu mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter et maleri så perfekt at det ikke har brug for os. Alder af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af samtidskunst, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af nærvær. Mine malerier – skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og beslutsom undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre det endelige billede end den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at fremstå.

Denne praksis hviler på tre sammenfaldne intentioner.

Den første er en Tilbageholdenhed fra påtvunnet mening. Ved at beskrive værkerne som “uden genstand” og have “hverken indhold, mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativt. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Lived Experience som primat. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles – formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og det svage spejlrefleksion af beskueren møder deres egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændrer, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som legemliggjort tænkning. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis at give afkald. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i handlingen af at skabe. Jeg fastlægger betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldført. Det er et stille parallelt forhold til fotografisk udvikling – en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde fast i disse intentioner er der nogle milde paradokser, der holder værket i live:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkomment gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand – en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stillhed.

Nostalgi for nuet
En blød nostalgia hviler i værket, men er nysgerrigt rettet mod det nuværende: et længsel efter de “irriderbare nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændigt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis er i gæld til Ånd Art Informel, om end måske med mindre smerte og mere ro – en uformalisme, hvor tilfældigheden ikke er et brud, men en stille medspiller.

I hjertet er der en søgen efter “le vif” – det levende kernen. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at opmuntre intimitet, ikke spectacle.

I sidste ende er dette blot én kunstners sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradoks ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner