Anton Kaestner - #395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Unikamske maleri, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
Min allerførste maleri på glas, et glas hentet i Marokko i 1994.
#395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Acrylique i spray på glaspanel (Marokko 1994) på 3 mm.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk "multi-slag" hvis blanke, glossy finish, der minder om påføringen af et harpiks, er unik.

Dimensioner: Tommer 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelsen mod en yderligere pris på 60€inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker vises over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi
Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og den kulturelle rigdom i mit hjemland. Skabelse blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse satte frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og senere A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke øjeblikkelig.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede min horisont, og jeg blev udsat for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Overalt hvor jeg rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hver enkel by.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille kørende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—en måde at bryde fri af verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og opleve autentiske erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra en anden vinkel og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særpræget tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalpigmenter og spray på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglass (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkommenter. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” -alt går for at afbryde fornuften! - at vejlede udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældigheden aldrig beslutningerne; højest, den stiller spørgsmål; meningsfulde “s-aminer” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der afspejler åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irredigerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper op i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk koncept” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet i hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Følgelig har de hverken indhold, eller mening, eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, slut, eller formål. Mens mit arbejde sommetider kan fremkalde gennemsigtigheden og luminositeten af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glimrende hud, hvor man kan få Øje for sin egen silhuet, forskellig for hver ny seer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et detaljeret billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelte finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørgsmål og vækst. Hver ny skabelse er en konfrontation med mine begrænsninger, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske yderligere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter et farvem til det perfekte, så det ikke har brug for os. Tiden for det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis fordobler lidenskaben for at se.

Om sammenhæng i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende placering, men af nærvær. Mine malerier—skimmerende farvefelter og lys inden i plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre samstemmende intentioner.

Den første er en Tilbageholdenhed fra Påtvinget mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og med “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om fortælling. Det er en invitation til at træde væk fra at afkode og mod en mere direkte form for kiggen.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i det åbne rum prøver jeg at placere hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt der fortolkes end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “livet lever, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som legemliggjort tanke. Maleri på bagsiden af plexiglass, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst løsrivelse af kontrol i selve skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver mig til udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldt fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—et tålmodigt vente på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er der nogle milde paradokser, der understøtter arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—a tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en gennemtrængende ro.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi hænger ved værket, men er underligt rettet mod nuet: et ønske om de “uundværlige nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om en ren tilstedeværelse, som arbejdet i sig selv fredeligt tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sig selv.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd føler jeg, at “tiden for det uformelle kun er lige begyndt.” Min praksis er forpligtet til ånden i Art Informel, dog måske med mindre smerte og mere ro—en uformalisme hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I kernen er der et søgen efter “le vif”—det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er tænkt som at fremme intimitet, ikke spektakel.

Til sidst er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner