Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Unik genstand, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
Mit andet blyant på glas, et glas fundet i Marokko i 1994.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Sprøjteakryl på 3 mm glasplade.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk i "multilag" hvis klare, blanke udtryk "glossy" nær resinens anvendelse er unikt.
Gennemsigtighed ved tryk.

Dimensioner: Tomme 8,9 x 10 x 0,12 inches / 22,5 x 25,5 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Der er en helt lille hak bagsiden; det er en del af værket.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for et tillæg på 60€ inkl. moms.

Værket er signerede på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter fra Schweiz bosat i Paris. Hans værker er udstillet overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste personlige udstilling: Genève 18/28 juni 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, er jeg opvokset omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslang passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-Notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder en direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af non-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en pris for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke øjeblikkelig.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og eksponeret mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvorend jeg rejste, fordøjede jeg mig i det lokale kunstmiljø og enede den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter jeg trådte tilbage fra min forretningskarriere, fuldt ud engagerede jeg mig i maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at aftage mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse, og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos," som blev holdt i Paris i slutningen af 2024, viste en karakteristisk tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuelt feedback eller kontrol under processen – noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt er tilladt for at afkoble fornuften! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig bliver udstillet. Men lad os være tydelige: i mine billeder tager tilfældigheden ikke beslutningerne; maks. tilfældigheden stiller spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer fotos revelerings-/fikseringsproces, er udfordrende og befriende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “irreducible nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk begreb” men erfaringen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering/intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter “livets kerne i hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgia altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekter. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller mening. De er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, eller endemål, eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glassene, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skindende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også de manglende dele, kræver blot empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær” - et detalje af et maleri er et helt nyt maleri - og “afstand for helheden” opmuntre seerne til at begynde deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der får mig til at forfine mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. For mig er maleri en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, et jagt på en maling så perfekt, at den ikke behøver os. Alder af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtræden, men af tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der tillader det at opstå.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvunget Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og hen mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levende Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at lægge det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Arbejdet bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle – formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sin egen blikke. Som jeg ofte bemærker, “lever værket, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som Legemet Tankegang. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuelt feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i selve skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv”, fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling – tålmodig venten på, hvad der kommer “her og nu.”

At holde disse intentioner kræver også nogle blide paradokser som nærer arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’,” men de er kun mulige inden for nøje grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske hvad der deles ikke er en erklæring, men en tilstand – en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et begær efter de “irreducible nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille giver.

Indsats og Indsatsløshed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen kraft.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “den uformelle æra lige er begyndt.” Min praksis skylder ånden fra Art Informel, om end måske med mindre angst og mere ro – en uformelhed hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet er der en søgen efter “le vif” – det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot en kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner