Mark Rothko - Sin título (Verde sobre morado)

Offset Lithografi Sin título (Verde sobre morado) / 1961/ Mark Rothko.
Copyright @ Kate Rothko Prizel og Christophel Rothko / VEGAP Madrid.
Udgivet af Thyssen-Bornemisza Museo Nacional .

Selvom Rothko er forbundet med abstrakt ekspressionisme, afviger hans maleri fra den gestuelle og spontane stil hos hans samtidige. I sit modne værk svæver en eller flere rektangulære former generelt på overfladen af baggrunden uden at skille sig ud fra den. De levende, stærkt fortyndede farver, påført i efterfølgende glaser, indhyller beskueren og trækker dem ind i en ny form for rumlighed, der ligger uden for nogen målbar fornemmelse. I 1960’erne gav de klare, ekspansive farver fra forrige decade af i hans arbejde plads til dunkle, mere inadvendte toner—lilla, grå, mørkegrønne og brune. I maleriet her giver udtrykket “abstraktion af det sublime,” som kritikeren Robert Rosenblum anvendte på hans arbejde, dets fulde betydning.

Selvom han generelt forbindes med generationen af abstrakte ekspressionistiske malere fra New York-skolen, ophørte Rothko meget hurtigt med at dele med sine jævnaldrende den gesturale og spontane natur i deres maleri. Allerede i begyndelsen af 1950’erne havde Mark Rothko udviklet et personligt abstrakt sprog, som han bort gennem de følgende tyve år gennemgik en proces med forfinelse og forenkling. Hans lærreder—som regel store i format, idet han mente, at dette skabte en større følelse af intimitet, når man så dem—er opdelt i flere rektangulære farvecilder, mere eller mindre vandrette, åbne og levende, som, uden relation til geometri, ser ud til at flyde i et ubestemt rum. Farverne, påført i efterfølgende, tynde glaser—som om de var vandfarver snarere end oliefarver—afslører aldrig børstestrøgene, hvilket reducerer maleriernes tekstur til sitt absolutte minimum.

Rothko så sine værker som dramaer, som skildringen af en tidløs tragedie. Hans malerier, gennemsyret af stor åndelig intensitet, omkreds beskueren med stærke følelser og inviterer dem til at eftertænke og meditere. Robert Rosenblum beskrev hans maleri som “abstraktionen af det sublime” og knyttede det til den romantiske tradition i de nordiske lande. Ifølge denne forfatter søger Rothkos malerier, ligesom Friedrichs for et århundrede siden, “det hellige i en profan verden.”

Rothko troede, at ren farve var den bedste måde at udtrykke følelser på, og i denne forstand kan vi drage en forbindelse mellem hans arbejde og de mystiske teorier om abstraktion udviklet af Kandinsky. Ligesom Kandinsky mente Rothko, at farve virker direkte på sjælen og var i stand til at vække dybe følelser hos beskueren. I begyndelsen af 1960’erne blev de stærke, klare nuancer i hans tidligere malerier—der skabte en form for ekspansiv glød—erstattet af dunkle farver, såsom purpur, grå, mørkegrøn og brun, hvormed Rothko skabte mere gådefulde, endda mere ærefrygtindgydende værker.

I 1961, samme år som Rothko malede *Green on Purple* (Thyssen-Bornemisza Museum), fandt en stor udstilling af kunstnerens værker sted på Museum of Modern Art—den første soloudstilling som dette New York-museum nogensinde havde viet en kunstner fra New York-skolen. Rothko, som altid omhyggeligt overvågede installationen af sine værker—da han lagde stor vægt på, hvordan beskueren oplevede dem—skapede en meget intens og dramatisk præsentation, med malerierne anbragt tæt sammen og belysningen stærkt diffust, hvilket forudså den ændring, der fandt sted i hans arbejde, et ægte spejl af den depressive tilstand, han var i. Selvom det ikke er sikkert kendt, bemærker Gail Levin, at *Green on Purple* sandsynligvis blev malet efter afslutningen af den nævnte udstilling og betragtes som et af de tidligste eksempler på udviklingen af Rothkos maleri mod mere uigennemsigtige og dystre toner.

Jeffrey Weiss refererede til konflikten mellem tiltrækningen, vi føler til Rothkos malerier—som lægger sig til langvarig overvejelse—og hvor vanskelige de er at tyde. Paradoxalt nok stræbte Rothko altid efter at blive forstået, overbevist om at “udviklingen af en malers arbejde er en rejse gennem tiden mod klarhed: mod eliminering af alle forhindringer mellem maleren og ideen, og mellem ideen og beskueren”; og for ham var “opnåelsen af den klarhed blot at blive forstået.”

Et stort samlerobjekt.

Plakatens mål er 68 x 89 cm.

Alle plakater er udvalgt af kunstelskere til kunstelskere.

Plakaten vil blive afsendt i et stift kartonrør.

Denne vare afsendes certifi ceret med sporingsnummer og omhyggeligt beskyttet.