Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#319 - M - " Luz desde adentro ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglas de 3 mm.
Transparencias en impresión.
Este tablero no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones : Pulgadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Esta tabla se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura 514 Roble (Pulgadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible para envío por un importe adicional de 90 € IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Un certificado de autenticidad lo acompaña.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con sede en París. Sus obras se exhiben en toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana marzo de 2026.


Biografía

Nací en Ginebra, Suiza, y crecí rodeada de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra natal. En mi familia se valoraba la creatividad, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, quien sembró la semilla de lo que con el tiempo se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993, empecé a pintar en privado, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos de tamaño A4 y luego A3: siempre he sentido que las imágenes grandes te vienen directamente encima, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Al principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y si bien me considero ateo, también desarrollé un aprecio por los materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para convertirse verdaderamente en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, desarrollé una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó a recorrer el planeta, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva y me expusieron a una gran variedad de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en el ambiente artístico local y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de mi enfoque en mi carrera profesional, el arte siempre formó parte de mí, latente y silenciosa. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta, una manera de desconectar del mundo y conectar con mi interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias auténticas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a los demás un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo obtuvo rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.


Currículum artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas tradicionales de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás extrudado reciclado (Perpex), ligero, suave, brillante y a veces
superficie frágil. Este proceso me impide ver el trabajo a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que bienvenida. Permito “experimentos aleatorios” —cualquier cosa vale para acortar la razón!— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente quede expuesta. Pero aclaremos: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad plantea las preguntas; las “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque que hace eco del proceso de revelación / fijación de la fotografía es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una calidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple.

Ni la “emoción” ni la “concepción teórica”, sino la experiencia de ser. Ni el “consumo rápido” ni la “intellectualización / posesión intelectual”, sino ensanchamiento de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de “la vida en el mismo corazón de la vida”, para lo que Alain Damasio llama “lo vivo”.

Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi trabajo, mis pinturas carecen de objeto. Como todos los objetos, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito.

Aunque mi obra a veces pueda evocar la transparencia y la luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracta. Además, el plexiglás dota a la pintura de una piel iridiscente en la que se puede vislumbrar la propia silueta, distinta para cada espectador.

Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, mira.

La interacción de la luz, el color y la textura, así como de las partes ausentes, solo requiere empatía. Ojalá, la dicotomía entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo”, incentive a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantenerme humilde respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionar y crecer. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a pulir mis habilidades y a explorar más lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver."



Acerca de la coherencia en mi práctica.

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos de color y de luz dentro del plexiglás—son los resultados discretos de una larga y deliberada indagación. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que ésta surja.

Esta práctica se basa en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como «sin objeto» y al decir que poseen «ni contenido, ni significado, ni sentido», espero aflojar suavemente la expectativa de lo narrativo. Es una invitación a alejarse de la decodificación y a adoptar un modo de mirar más directo.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que pienso como una “experiencia de ser.” La obra se convierte en menos un objeto para ser interpretado que un evento silencioso para ser sentido, modelado por luces cambiantes, capas translúcidas y el leve reflejo de que el espectador se encuentra con su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve.”

El tercero es donde la idea se encuentra con la mano: Process as Embodied Thought. Pintar al reverso del plexiglás, trabajando sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto en sí mismo,” completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones, hay algunas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Suerte y Disciplina
Hablo de «coincidencias» significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin mensaje
Espero poder “comunicar algo” a través de obras a las que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no es una declaración, sino un estado—una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del presente
Una suave nostalgia persiste en la obra, y, sin embargo, está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece discretamente.
Esfuerzo y facilidad

El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se siente autónomo, como si hubiera surgido por sí solo. Me atrae lo que se siente perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que «la era de lo informal apenas ha comenzado». Mi práctica debe mucho al espíritu del Art Informel, aunque quizá con menos angustia y más calma—una informalidad en la que la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su corazón está la búsqueda de «le vif» —el núcleo vivo. La obra se inclina hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La escala modesta que suelo elegir suele estar destinada a fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en una paradoja tranquila no debe ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner