Анна Каренина - 13:15

Envío y manipulación: para garantizar la máxima protección, la obra se envía enrollada en un tubo rígido de cartón; por lo tanto, se VENDE SIN MARCO Y SIN BAR A ESTIRAR. A petición, el coleccionista puede gestionar que la lona sea estirada: en ese caso, los costos del servicio y los gastos de envío ajustados correrán a cargo del comprador. La pintura mide aproximadamente 62 x 51 cm para facilitar su enmarcado.
El certificado de autenticidad también se enviará junto con la obra.
La obra está creada sobre lienzo de yute, preparado con cola de piel de conejo y Gesso di Bologna.

TÍTULO: 13:15
13:15 se presenta como una imagen aparentemente simple, casi infantil en su trazo, pero cargada de una tensión silenciosa que surge de la relación entre el tiempo, la quietud y la supervivencia.
En el centro de la obra, un tiesto que contiene una planta delgada con tallos largos e irregulares parece luchar por crecer. Las hojas son pocas, frágiles, casi incompletas: no hay verdor aquí, solo una obstinada insistencia en existir. La maceta está sumergida en agua, o tal vez rodeada por ella—un elemento ambiguo que puede leerse tanto como nutriente como amenaza. El agua no muestra movimiento; es una inercia azul plana que aisla el objeto en lugar de sostenerlo.
En la derecha, una forma circular evoca un reloj o un sol atenuado. Las agujas marcan las 13:15, una hora suspendida: ni el comienzo ni el fin del día, sino un momento intermedio, a menudo anónimo, en el que el tiempo continúa pasando sin acontecimientos. Es la hora en la que todo debería estar vivo, pero aquí predomina una sensación de espera muda. El tiempo no actúa; observa.
La línea incierta, casi temblorosa, y la paleta de colores reducida refuerzan la idea de precariedad. La obra parece rechazar cualquier sensación de estética acabada en favor de una verdad emocional más cruda: la de un crecimiento ralentizado, controlado, quizá descuidado. La planta no se marchita, pero tampoco florece. Sobrevive.
13:15 se convierte así en una metáfora de la existencia contemporánea: inmersa en condiciones que deberían fomentar la vida, pero incapaz de transformarlas plenamente en impulso vital. Es la hora de un equilibrio inestable, de “permanecer”, de vivir sin erupción. Una obra que habla suavemente, pero deja una huella persistente—como el eco de un minuto que continúa repitiéndose.

Ana Karenina

Detrás del seudónimo Анна Каренина se encuentra una figura artística de profunda sensibilidad introspectiva, quien ha elegido deliberadamente la sombra como un espacio de libertad creativa. Su verdadera identidad permanece oculta, protegida por un velo de privacidad que desvía por completo la atención del espectador del rostro de la artista hacia la sustancia de su trabajo. Esta distancia respecto del sistema artístico tradicional se enfatiza mediante una elección operativa específica: la artista no mantiene lazos directos con galerías o museos, prefiriendo navegar por el mundo del arte a través de intermediarios y agentes que actúan como guardianes de su privacidad y mensajeros de su estética.
Su lenguaje visual se desplaza a lo largo de una cresta delicada que separa la figuración estilizada de la pura abstracción, tomando mucho de las lecciones del modernismo europeo—mostrando una afinidad particular por el rigor rítmico de Paul Klee y las exploraciones cromáticas de la vanguardia histórica. Анна Каренина's creativo camino se distingue por una constante investigación de la estructura: el mundo visible se reduce a signos primordiales, donde líneas finas y elegantes se alternan con campos geométricos sólidos. Para ella, el cuadrado y el rectángulo no son jaulas formales sino unidades de medida emocional; sus retículas nunca parecen rígidas, sino pulsantes y casi orgánicas, gracias a una aplicación del color que conserva una calidez táctil y una vibración humana.
En sus composiciones más abstractas, la pintora explora el concepto de ritmo visual. Al yuxtaponer azulejos cromáticos que flotan sobre fondos a menudo neutros o crudos, la artista crea partituras visuales donde el color—a veces brillante y primario, otras veces atenuado y terroso—dicta el pulso de la narrativa. Incluso cuando aborda temas de la vida cotidiana, ella realiza un proceso de síntesis extrema: las formas quedan desprovistas de lo superfluo para revelar la esencia del objeto, transformando elementos comunes en iconos de una poética de la fragilidad.
El silencio y la ausencia son componentes fundamentales de su estética. Sus lienzos ofrecen un espacio para la meditación, un lugar donde el equilibrio de pesos visuales invita a una lectura lenta y solitaria, que replica su propia manera de existir dentro del mundo del arte. Ana Karenina no busca el clamor del éxito público, sino una resonancia profunda; su arte es un diálogo silencioso entre el orden del pensamiento y la imprevisibilidad del sentir, mediado por una invisibilidad que hace que cada una de sus apariciones cromáticas sea aún más preciosa y codiciada.