Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#355 - S - "Homenaje a Richter en París".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Transparencias en impresión.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de múltiples capas cuyo acabado brillante tipo “glossy”, similar a la aplicación de resina, es único.
El blanco es más intenso en la realidad que en la foto.

Dimensiones: 9,1 x 12,6 x 0,12 pulgadas / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de alta calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura Blanc o Argent mat (pulg 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible durante el envío por un monto adicional de 70€ IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, Suiza y Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza; crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, artesano y artista, cuyo influjo sembró la semilla de lo que más tarde sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3. Siempre he sentido que las grandes imágenes te avanzan de golpe, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Primero me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me vinculaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera profesional, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí: una manera de romper con el mundo y concentrarse en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias auténticas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a los demás un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo con la pintura. Establecí mi estudio en París y empecé a dedicarme por entero a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y sprays en la parte trasera de plexiglás extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que acepto. Permito “experimentos aleatorios”—todo vale para interrumpir la razón—que guían el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero para ser claro: en mis imágenes, la suerte nunca toma las decisiones; como mucho, la suerte plantea preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con un gran nivel de disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que confieren a cada obra una calidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, aquello que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente sencillo. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como cualquier objeto, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mis obras a veces evocan la transparencia y la luminosidad del vitral, siguen siendo casi enteramente abstractas. Además, el plexiglas otorga a la pintura una piel iridiscente donde se puede captar la silueta del propio observador, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, se ve. El juego de la luz, el color y la textura, así como las partes ausentes, solo requieren empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para el acercamiento” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “distancia para el conjunto” incentivará a los espectadores a iniciar sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver."

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear una obra definida no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos destellantes de color y luz dentro del plexiglass—son los silenciosos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se basa en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Imponible. Al describir las obras como “sin objeto” y con “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra pasa a ser menos un objeto para interpretar y más un quieto acontecimiento para sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador al encontrarse con su propia mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, se ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la cara inversa del plexiglass, trabajando sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejarse llevar. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una paciente espera de lo que llega aquí y ahora.

Mantener estas intenciones implica algunos suaves paradojas que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado—una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreducibles” encontradas en “silencio y luz”—un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “emergiera por competencia propia.” Me atrae lo que parece inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica se debe al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más serenidad—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En el fondo hay una búsqueda de “el vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está pensada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner