Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#295 - XL - "Mirror #1".

Acrílico en spray sobre placa de Perpex de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Pulgadas 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
El marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura 514 Roble (Pulgadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el momento del envío por un importe adicional de 150€IVA incluido.

La obra está firmada por la parte posterior.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi país. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista, quien influyó en mí sembrando la semilla de lo que con el tiempo se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes llegan directo, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. En un primer momento me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una predilección por materiales espirituales, ya que resuenan con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para llegar realmente a ser artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, perseguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Wherever I went, me sumergí en las escenas artísticas locales y me relacioné con la energía creativa de cada lugar.
Desempeñando un papel central en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me dediqué por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la cara posterior de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, lisa, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso; algo que doy la bienvenida. Permito “experimentos aleatorios” —cualquier cosa vale para provocar una ruptura de la razón— para guiar el resultado, las capas y efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero, para ser claro: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad plantea preguntas; coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una calidad “ascética”: me alegro cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino la experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles, mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel resplandeciente con la que uno puede vislumbrar su propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo” animará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es una confrontación con mis límites, que me impulsa a perfeccionar mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una manera de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver."

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas —campos que brillan de color y luz dentro del plexiglás— son los quietos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción del pensamiento y el proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacerlas “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y acercarse a una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto evento a sentir—formado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo de quien la mira encontrando su propio mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la cara posterior del plexiglás, trabajando sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma”, completamente revelado solo cuando está completa. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico, una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica algunos suaves paradojas que sostienen la obra:

Caos y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreductibles” encontradas en “silencio y luz”, un deseo de presencia pura que la obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se siente autónomo, como si “emergiera por sí mismo.” Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su esencia se busca el “le vif” —el núcleo vivo. El trabajo tiende a la experiencia directa más que a la intelectualización. La modesta escala que suelo elegir está pensada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio paradójico no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, estas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner