Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente desde el estudio.
#188 - S - "Backwash 1".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 9,1 x 12,6 x 0,12 pulgadas / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Esta obra se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura Blanc o Plata mate (1, small 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 70€TTC.

La obra está firmada por la parte trasera.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está asegurada.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza, y crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad siempre fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, cuyo influjo sembró la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma Privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes vienen directo a ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para llegar a ser verdaderamente artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, perseguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me integré en las escenas artísticas locales y me involucré con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, humeando silenciosamente bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí: una manera de romper con el mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglas reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso evita que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para interrumpir la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad plantea preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición quedan enriquecidos por capas y transparencias, dando a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco las “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detengamos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente sencillo. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/ posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de “la vida en el propio corazón de la vida”, para lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha sido parte de mi obra, mis cuadros son sin objeto. Como todos los objetos, son objetos en sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Si bien mi trabajo a veces puede evocar la transparencia y luminosidad de un vitral, sigue siendo casi por completo abstracto. Además, el plexiglás proporciona a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva— y “distancia para el conjunto” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de estimular conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no me necesite. La era informal apenas ha empezado.

Como diría Jean Bazaine: “La práctica diaria multiplica la pasión por ver”.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por la prominencia, sino por la presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los silenciosos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que “no tengan contenido, ni significado, ni sentido”, espero desenganchar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto a interpretar que en un quieto acontecimiento para sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, dejando que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma”, plenamente revelado solo cuando está completa. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Manteniendo estas intenciones hay unos pocos paradoxas suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no sea una declaración, sino un estado: una textura de la luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, y sin embargo está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” halladas en “silencio y luz”: un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí solo”. Me atrae lo que parece inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informel, aunque quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora tranquila.

En el fondo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra se inclina hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está pensada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un solo artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso contraste no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner