Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#197 - S - "Backwash 2".
Un bonito cuadrito que pasó el año pasado en Australia.

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Esta pintura no es una impresión. Se trata de una obra original de varias capas cuyo acabado brillante "glossy", parecido a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Pulg. 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm sin marco.

Esta obra se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura Blanco o Plata mate (Pulg. 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendado y disponible al envío por un importe adicional de 70€ IVA incluído.

La obra está firmada por la espalda.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, Suiza y Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza. Crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, quien influyó para sembrar la semilla de lo que más tarde sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de manera privada, probando innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes vienen hacia ti de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, burbujeando en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo probar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi taller en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un taller más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artísticas

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en el reverso de plexiglás extrusionado reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra mientras se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con gusto. Permito experimentos "aleatorios" —todo vale para acortar la razón— que guían el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero aclaro: en mis imágenes el azar nunca toma las decisiones; como mucho, el azar plantea las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que dotan a cada obra de una cualidad “ascética”: me alegra reconocer “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif” (lo vivo). Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Ojalá el juego entre “detalles para el close” —un detalle de una imagen es una completamente nueva— y “la distancia para el todo” anime a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero seguir siendo humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a perfeccionar mis habilidades y explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era del informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: “La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la interacción silenciosa entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que no haya “contenido, ni sentido, ni significado”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y dirigirse hacia un tipo de mirada más directo.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que tengo por una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para sentir: modelada por la luz cambiante, capas translúcidas y el tenue reflejo del espectador ante su propio mirar. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, dejando que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Manteniendo estas intenciones hay algunas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo carentes de sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia silenciosa, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia persiste en la obra, pero curiosamente se dirige al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de plena presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “emergiera por sí mismo”. Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era del informal apenas ha comenzado”. Mi práctica se debe al espíritu del Art Informel, aunque quizá con menos angustia y más calma: una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador tranquilo.

En su esencia hay una búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está diseñada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, dichas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner