Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#88 - XL - "Squander".

a) Acrílico en spray sobre placa de Perspex de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapa" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 24,2" x 34,3" x 0,12" (61,5 x 87 x 0,3 cm) sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura 514 Roble (Dim. 0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 150€IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana mayo de 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi abuelo, artesano y artista, quien sembró la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de frente, dominantes e intimidadoras, mientras las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Al principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé un gusto por los materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirte en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, pursued una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me conecté con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí: una forma de escapar del mundo y concentrarse en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en un sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a fines de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado (Perspex), una superficie ligera, lisa, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo feedback visual ni control durante el proceso—algo que acabo aceptando. Permito “experimentos aleatorios” —cualquier cosa vale para cortar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se exponga. Pero para ser claro: en mis cuadros, la suerte nunca toma las decisiones; como mucho, la suerte hace las preguntas; coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, al tiempo que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos quedamos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el centro mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas carecen de objeto. Como todo objeto, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vitral, continúa siendo casi por completo abstracto. Además, el plexiglás dota a la pintura de una piel brillosa donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Confiadamente, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “distancia para el conjunto”, incentivará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad ante lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a refinar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de suscitar conversaciones significativas, una búsqueda de un pigmento tan perfecto que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver."

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos de color y luz que brillan dentro del plexiglás—son los silenciosos resultados de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la quieta interacción del pensamiento y el proceso que permite que emerja.

Esta práctica descansa en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al tener “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narración. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que podría llamar una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento silencioso para ser sentido—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador encontrando su propio mirar. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la cara opuesta del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejarse llevar. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero abandono el resultado, dejando que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico—una paciencia que espera a lo que llega “aquí y ahora.”

Sostienen estas intenciones unos pocos paradoxes suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias” significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no sea una afirmación, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud tangible.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia se escurre en el trabajo, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se hallan en la “silencio y la luz”: un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “emergiera por su cuenta.” Me atrae lo que se siente inevitablemente correcto.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas comienza.” Mi práctica se debe al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En su esencia hay una búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. El trabajo se inclina hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. El modesto tamaño que suelo elegir pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en un paradoja tranquila no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, creo que tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner