Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Obra única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del estudio.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Pulg. 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulg. 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un costo adicional de 70€ IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza. Crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista ya fallecido, cuya influencia sembró la semilla de lo que acabaría convirtiéndose en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con un sinfín de acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes van directo hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé un cariño por los materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, ejercí una carrera internacional en los negocios que me llevó a recorrer el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me involucré con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio debajo de la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo probar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he querido ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva distinta y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo con la pintura. Establecí mi estudio en París y empecé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando acomodo en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en el reverso de plexiglas extrudado reciclado (Perpex), una superficie ligera, lisa, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra tal como se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para hacer saltar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza queda expuesta por fin. Pero, para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad plantea las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con un gran dominio. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enrichen con capas y transparencias, sin embargo dando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra reconocer “necesidades irreductibles”, es decir, lo que probablemente descubrimos cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia del ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización / posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi obra, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y la luminosidad del vitral, permanece casi totalmente abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel deslumbrante en la que se puede vislumbrar la propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. la interacción de luz, color y textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva— y “distancia para el todo” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a pulir mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de abrir conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde concepto y forma tienen la misma importancia, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas —campos que brillan de color y luz dentro del plexiglás— son los resultados tranquilos de una investigación amplia y deliberada. Para mí, el verdadero enfoque no está en la imagen final sino en la interacción silenciosa entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al afirmar que no tienen “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y dirigirse hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto acontecimiento para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el débil reflejo del espectador que encuentra su propia mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma” independiente, plenamente revelado solo cuando está completa. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciencia para esperar lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones, hay unos pocos paradoxes suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un invitado bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreductibles” halladas en “silencio y luz”, un deseo de pura presencia que la obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se siente autónomo, como si hubiera emergido por voluntad propia. Me atrae lo que se siente absolutamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal acaba de empezar”. Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informal, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En el fondo está la búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La escala modesta que a menudo elijo está pensada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, estas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner