Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#366 - S - "Chromatic MR#7".

Acrílico en spray sobre una placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de varias capas, cuyo acabado brillante "glossy" similar a la aplicación de resina es único.

Dimensiones: 9,1 x 12,6 x 0,12 pulgadas / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (9,0 cm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible en el momento del envío por un importe adicional de 70 €IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista fallecido, cuya influencia sembró la semilla de lo que sería, con el tiempo, mi pasión de vida.
En 1993, comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos de A4 y luego de A3; siempre sentí que las grandes imágenes te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Primero me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente ser artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, desempeñé una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. A dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a los demás un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogar en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas pictóricas tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás extrusionado reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que acepto. Permitо “experimentos aleatorios” —cualquier cosa vale para acortar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar lugar a revelaciones y descubrimientos cuando la pieza finalmente se expone. Pero aclaremos: en mis cuadros, la casualidad nunca toma decisiones; como mucho, la casualidad plantea preguntas; las “coincidencias” significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que hace eco al proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, otorgando a cada obra una calidad “ascética”: me siento contento cuando reconozco las “necesidades irreducibles”, es decir, aquello que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y en la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de aquello que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi trabajo, mis pinturas son sin objeto. Como todo objeto, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo” animará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y a explorar más lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de generar conversaciones significativas, una búsqueda de un color tan perfecto que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: " La práctica diaria multiplica la pasión por ver."

Acerca de la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los silenciosos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la quieta interacción del pensamiento y el proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que tengan “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de descifrar y acercarse a una mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto acontecimiento para ser sentido, moldeado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el proceso como pensamiento encarnado. Pintar en la parte trasera del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma” independiente, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Manteniendo estas intenciones, se presentan algunas paradojas suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con cuidado.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo compartido no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia silenciosa, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia late en la obra, y sin embargo está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” encontradas en “el silencio y la luz”, un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece de forma silenciosa.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere una atención constante, pero se orienta hacia un resultado que se siente autónomo, como si “hubiera surgido por sí solo”. Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a creer que “la era de lo informal acaba de empezar”. Mi práctica se debe al espíritu del Informalismo, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora tranquila.

En el fondo está la búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que elijo a menudo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, creo que esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner