Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#332 - S - " Enough 2 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Esta obra no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", cercano a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones : Inch 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Esta pintura se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 70€TTC.

La obra está firmada en la parte trasera.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y selección en www.antonkaestner.com.

Proxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, artesano y artista, quien influyó sembrando la semilla de lo que finalmente sería la pasión de mi vida.
En 1993, empecé a pintar de forma privada, experimentando con incontables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes van directo a ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirte en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me comprometía con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias auténticas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejándose de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás extrusionado reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con agrado. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para desviar la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad formula preguntas; las “coincidencias” significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, pero dando a cada obra una calidad “ascética”: me alegra cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que probablemente descubriremos cuando nos quedamos en silencio y en la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intellectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles, mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas están desprovistas de objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y luminosidad del vitral, sigue siendo casi completamente abstracto. Además, el plexiglas proporciona a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo” alentará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y explorar más allá lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión de ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos que brillan de color y luz dentro del plexiglas—son los resultados silenciosos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que el quieto juego entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer “ningún contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa narrativa. Es una invitación a alejarse de descifrar y hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser.” La obra se vuelve menos un objeto para interpretar que un quieto evento para sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador al encontrar su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la cara posterior del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico—una paciencia para esperar lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones hay algunas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se arma con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo compartido no sea una declaración, sino un estado—una textura de luz, una presencia serena, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” halladas en “silencio y luz”—un deseo de plena presencia que la obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera emergido por sí mismo.” Me atrae lo que se siente inevitablemente perfecto.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la edad de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Arte Informel, quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su esencia, es una búsqueda de “le vif”—el núcleo viviente. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, dichas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner