Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#378 - S - "Cities".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de varias capas cuyo acabado brillante tipo resina es único.
Transparencia en la impresión.

Dimensiones: 9,1 pulgadas x 12,6 pulgadas x 0,12 pulgadas / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (pulgadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible durante el envío por un importe adicional de 70€ IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Proxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y de la riqueza cultural de mi tierra. Se valoraba la creatividad en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, cuya influencia plantó la semilla de lo que finalmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes van directo hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo inicialmente la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afición por materiales espirituales ya que resuenan con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, pursued una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos a Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Wherever I went, me sumergí en las escenas artísticas locales y me involucré con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre fue parte de mí, hirviendo silenciosamente bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he querido ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera en los negocios, me comprometí por completo con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso evita que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que doy la bienvenida. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para bloquear la razón- que guían el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se exhibe finalmente. Pero para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad formula preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, resulta desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra cuando reconozco las “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detendremos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica”, sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino apertura de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, para lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como cualquier objeto, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin o propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel resplandeciente donde se puede vislumbrar la silueta propia, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, se ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes faltantes también, solo requiere empatía. Ojalá, el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo” anime a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No afirmo saber todas las respuestas y quiero mantenerme humilde respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a refinar mis habilidades y explorar más allá lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas, campos brillantes de color y luz dentro del plexiglas, son los resultados silenciosos de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la sutil interacción entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada de significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que tengan “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y toward a un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para sentir, moldeado por la luz cambiante, capas translúcidas y el tenue reflejo del espectador al encontrarse con su propio mirar. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, se ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el proceso como pensamiento encarnado. Pintar sobre el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo”, totalmente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Mantener estas intenciones implica algunos parágrafos suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias” significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con cuidado.

Comunicación sin mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo compartido no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia quieta, una quietud palpable.

Nostalgia por el presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreductibles” que se encuentran en “silencio y luz”, un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y esfuerzo sin esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí mismo”. Me atrae lo que se siente perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas acaba de comenzar.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma: una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboración tranquila.

En su esencia está una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra se inclina hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un solo artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradoja puede no ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner