Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#345 - S - "Vertical 3".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglas de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy" parecido a la aplicación de una resina es único.
Transparencia en impresión.

Dimensiones: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Cuadro de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (9,0 x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm de la finca) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 70€ IVA incl.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y distintas opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi abuelo fallecido, artesano y artista, cuya influencia plantó la semilla de lo que finalmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de golpe, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Al principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, desarrollé también un gusto por materiales espirituales que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, expuesto a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una manera de escapar del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarse de mi carrera empresarial, me comprometí por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme íntegramente a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y sprays en la parte trasera de plexiglas extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con agrado. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para interrumpir la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza queda expuesta por fin. Pero, para ser claro: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad formula preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que se relaciona con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una calidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que probablemente descubrimos cuando nos quedamos en silencio y con luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi obra, mis pinturas carecen de objeto. Como todos los objetos, son objetos por sí mismos. En consecuencia, carecen de contenido, de significado, de sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin o propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y la luminosidad de un vitral, sigue siendo casi completamente abstracto. Además, el plexiglas proporciona a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Ojalá, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “distancia para el todo” anime a los espectadores a embarcarse en sus propias jornadas introspectivas.

No afirmo saber todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a afinar mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de un color de pintura tan perfecto que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Acerca de la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglas—son los quietos resultados de una larga y deliberada investigación. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la interacción silenciosa de pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que tengan “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de decodificar y hacia una mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto evento por sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo de quien mira encontrando su propia mirada. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la reverse de plexiglas, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, revelado por completo solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico, una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica algunos paréntesis suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de coincidencias significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un invitado bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se encuentran en el “silencio y la luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero aspira a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera brotado por sí solo.” Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En el fondo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que suelo elegir busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica arraigada en el silencioso dilema no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner