Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directo del taller.
#365 - S - "Chromatic Cloud MR#6".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Pulg. 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulg. 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible al envío por un importe adicional de 70€IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Le acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, Suiza y Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana, mayo de 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza, y crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, quien influyó plantando la semilla de lo que sería, con el tiempo, la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar en privado, experimentando con incontables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes vienen hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo al principio la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afición por los materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirme en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas persiguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí: una forma de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias auténticas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva distinta y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo obtuvo rápidamente reconocimiento, encontrando hogar en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas tradicionales de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglas reciclado extrusionado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con gusto. Permito experimentos “aleatorios” -todo vale para acortar la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero para dejarlo claro: en mis cuadros, la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad hace las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco las “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino apertura de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el mismo corazón de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Al igual que todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y luminosidad de un vitral, sigue siendo casi completamente abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para el primer plano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “la distancia para el conjunto” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a refinar mis habilidades y explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de suscitar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los silenciosos resultados de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción del pensamiento y el proceso que permite que ésta emerja.

Esta práctica se asienta sobre tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de un Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al tener “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narración. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directo.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se vuelve menos un objeto para ser interpretado que un quieto acontecimiento por ser sentido—modelada por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador que encuentra su propio mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la parte inversa del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciencia para esperar lo que llega “aquí y ahora.”

Sostener estas intenciones son unas cuantas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con cuidado.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo meaningless. Quizá lo que se comparte no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en el trabajo, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera emergido por su propia voluntad.” Me atrae lo que se siente perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe mucho al espíritu del arte informal, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su núcleo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. El modesto tamaño que a menudo elijo está destinado a fomentar la intimidad, no el espectáculo.
En fin, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner