Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#391 - S - "Chromatic MR13".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de múltiples capas, cuyo acabado brillante tipo gloss close to resin is único.
Transparencia sobre impresión.

Dimensiones: 9,1" x 12,6" x 0,12" (23 x 32 x 0,3 cm) sin marco.

Esta obra se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (9,3 cm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 70€ TTC.

La obra está firmada por la espalda.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana 7/10 mayo 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, quien sembró la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes te atacan directamente, dominando e intimidando, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más cariño. Me atrajo inicialmente la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé un gusto por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Donde quiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, herviendo silenciosamente bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una gran satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo probar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias auténticas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas tradicionales de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y sprays en la parte posterior de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, lisa, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para saltar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone por fin. Pero aclaro: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad formula preguntas; los “acoplamientos” significativos solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra reconocer “necesidades irreducibles”, es decir, lo que probablemente descubramos cuando nos detengamos en silencio y luz.

Mantengo intencionalmente mi enfoque simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intellectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de “la vida en el centro de la vida”, de aquello que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia ha sido parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todo objeto, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracto. Por otra parte, el plexiglás confiere a la pintura una piel reluciente donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de luz, color y textura, de las partes faltantes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles de cerca” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “distancia para el todo” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a perfeccionar mis habilidades y explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no la necesite nadie. La era de lo informal apenas acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: “La práctica diaria multiplica la pasión por ver”.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos resplandecientes de color y luz dentro del plexiglás—son el resultado silencioso de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco no está en la imagen final sino en el sutil juego entre el pensamiento y el proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al tener “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto evento para sentir—formado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se une con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la reverso del plexiglás, trabajando sin retroalimentación visual, es una práctica física de aprendizaje de la entrega. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, plenamente revelado solo cuando está completa. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Mantener estas intenciones implica algunos sutiles paradoxos que sostienen la obra:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo compartido no sea una afirmación, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, y sin embargo está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreducibles” halladas en la “silencio y la luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Ausencia de Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “emergiera por su propia voluntad”. Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica debe su deuda al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador tranquilo.

En su fondo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una búsqueda única. He descubierto que una práctica basada en un silencio paradójico no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, creo que tales tensiones pueden convertirse, creo, en fuente de resiliencia.

Anton Kaestner