Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
Mi primera pintura sobre vidrio, un vidrio recuperado en Marruecos en 1994.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Acrílico en spray sobre placa de vidrio (Marruecos 1994) de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy" similar a la aplicación de una resina es único.

Dimensiones : Pulgadas 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulgadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 60€IVA incluido.

La obra está firmada en el reverso.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y selección en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana 7/10 de mayo de 2026.

Biography

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad siempre fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, quien fomentó la semilla de lo que acabaría siendo la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te atacan directo, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para convertir realmente en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre fue parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una forma de liberarme del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo probar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando acomodo en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

Artistic CV

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejándose de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y esprays sobre el reverso de un plexiglás extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que bienvenido. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para acortar la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero aclaro: en mis cuadros, la suerte nunca toma las decisiones; como mucho, la suerte plantea las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me siento satisfecho cuando reconozco las “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y en la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente sencillo. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin o propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vidrio esmerilado, sigue siendo casi enteramente abstracta. Además, el plexiglas confiere a la pintura una piel reluciente donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes faltantes también, sólo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una imagen es una entirely nueva- y “distancia para el todo” animará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, empujándome a perfeccionar mis habilidades y explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglass—son los quietos resultados de una larga y deliberada investigación. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la tranquila interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al afirmar que no tienen “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo de quien contempla al encontrarse con su propia mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se cruza con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero renuncio al resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo”, revelado por completo solo cuando está completo. Es un paralelismo silencioso con el desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Sosteniendo estas intenciones hay algunos paradoxas suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo meaningless. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en el trabajo, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si "emergiera por sí solo". Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informal, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En su núcleo está una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un solo artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino parte de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner