Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#21 - XL - "En la Incertidumbre".

Acrílico en spray sobre placa de Perpex de 3 mm.
Transparencias en impresión.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy" similar a la aplicación de una resina es único.
Los detalles de este cuadro se revelan con el tiempo.

Dimensiones: Pulg. 34,0 * 24,2 * 0,12 / 86 * 61,5 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Natura 514 Roble (Pulg 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 140€IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra 18 al 28 de junio 26.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza; crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, cuya influencia sembró la semilla de lo que eventualmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con incontables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes van directo hacia uno, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, desarrollé también una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para convertirte verdaderamente en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Allí donde iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me implicaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo ejercitar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva distinta y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo con la pintura. Fui a crear mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogar en colecciones privadas de toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas clásicas de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso impide que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que acepto. Permito "experimentos al azar" —todo vale para cortar de raíz la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis imágenes, la suerte nunca toma las decisiones; como mucho, la suerte plantea las preguntas; los coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, otorgando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra cuando reconozco las “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni la “emoción” ni la “concepción teórica”, sino la experiencia de ser. Ni el “consumo rápido” ni la “intelectualización/posesión intelectual”, sino la apertura de la conciencia y la exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el mismo corazón de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi totalmente abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel iridiscente donde uno puede vislumbrar su propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para el cercano” -un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo”, alentará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y explorar aún más lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de generar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos centelleantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la sutil interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se basa en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Describiendo las obras como “sin objeto” y sin “contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia una mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento silencioso para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre la cara trasera del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo”, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Sostienen estas intenciones algunos suaves parados que sostienen la obra:

Suerte y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosamente trazados. La suerte es un huésped bienvenido, pero la estructura se construir con cuidado.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia por el Presente
Una suave nostalgia se esconde en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se hallan en “silencio y luz”, un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí mismo.” Me atrae lo que parece inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica está endeudada con el espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la suerte no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su esencia está una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. El trabajo tiende a la experiencia directa más que a la intelectualización. La modesta escala que suelo elegir pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio, el paradoja, no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner