Yasuhiro Ishimoto - Chicago, Chicago (THIRD BOOK, WITH SLIPCASE) - 1969

UNO DE LOS LIBROS DE FOTOGRAFÍA JAPONESA MÁS HERMOSOS PUBLICADOS:
- Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volumen 1, página 289
- Manfred Heiting, Kaneko Ryuichi, The Japanese Photobook, página 390

FOTOGRAFÍAS IMPRESIONANTES de la fotógrafa japonesa-estadounidense Yasuhiro Ishimoto (1921-2012), uno de los nombres más importantes de la fotografía japonesa, su carrera de décadas exploró expresiones del diseño modernista en la arquitectura tradicional, las silenciosas angustias de la vida urbana en Tokio y Chicago, y la capacidad de la cámara para resaltar lo abstracto en lo cotidiano y en los elementos aparentemente concretos del mundo que lo rodea.

IMPRESIÓN IMPRESIONANTE.

LIBRO MUY ESCASO - CON EL ESTUCHE ORIGINAL EXCEPCIONALMENTE ESCASO.

LIBRO MUY IMPORTANTE Y TEMPRANO DEL ARTISTA
Tercero después de "Aru hi aru tokoro", "Someday somewhere", 1958 (Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volumen 1, páginas 272 y 273) y "Katsura: Nihon kenchiku ni okeru dentō to sōzō", 1960.

PRÓLOGO DE HARRY CALLAHAN.

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Trabajo temprano de posguerra en Chicago:
La llegada de Ishimoto a Chicago tras la guerra coincidió con la segunda gran migración de afroamericanos hacia el norte. Chicago ocupaba el segundo lugar después de Nueva York en el número de nuevos residentes recibidos en ambas migraciones. Como sugiere Jasmine Alinder, las fotografías de Ishimoto de afroamericanos recién asentados en Chicago, desde el sur rural hacia el norte urbano, reflejan sus propios patrones de reubicación, primero desde la Japón rural, hacia la costa oeste, y finalmente hacia el terreno común del norte urbano. Las propias experiencias de Ishimoto de enfrentar la discriminación anti-japonesa, tanto en los campos como en Chicago, también pueden leerse como una influencia en su sensibilidad hacia la lucha de las comunidades desposeídas y su firme deseo de sumergirse en los recovecos del paisaje urbano.

Muchas de las primeras fotos de Ishimoto en Chicago se enfocan en niños de diversos vecindarios, capturando la energía temeraria de su juego, sus territorios urbanos y su mirada franca hacia la cámara, a veces impenetrable, sin sentimentalismos ni sardónicas. En 1958 publicó su primer fotolibro, Someday Somewhere, que presentaba imágenes de Chicago y Tokio en conversación entre sí, utilizando estrategias de disposición y serialidad que se remontan a su formación en el Institute of Design.

Segunda estancia en Chicago (1958-61):
En diciembre de 1958, Ishimoto, cuya visa japonesa estaba a punto de expirar, regresó a Chicago con su esposa Shigeru con una beca de la fabricante de cámaras Chiyoda Kōgaku Kōgyō (hoy Konica Minolta). Aunque al principio planeaban quedarse un año, extendieron su estancia a tres años y se instalaron en el North Side, durante los cuales Ishimoto recorrería las calles de la ciudad, tomando más de 60.000 fotografías. Las obras de este periodo se publicaron en varias revistas japonesas y se exhibieron en la tienda departamental Nihonbashi Shirokiya en 1962. En 1969, fueron publicadas por Bijutsutsu shuppan-sha como Chicago, Chicago, con textos acompañantes escritos por Harry Callahan y Shūzō Takiguchi.

El diseño del libro fue realizado por Yūsaku Kamekura, y las 210 imágenes se imprimi-eron mediante un proceso de relieve duotono, que proporcionó una riqueza en los tonos oscuros y sombras capturadas en sus fotos callejeras. El libro captura la radical upheaval urbano que tuvo lugar a finales de los años 50 y principios de los 60 en Chicago, con imágenes que yuxtaponen la demolición de edificios de pre-guerra frente a nuevos rascacielos modernistas y proyectos de vivienda pública, y capturan con sensibilidad las intrincadas tensiones raciales y políticas que se manifestaron en el espacio público. Ishimoto también se sumergió en desfiles y desfiles de aliados, y capturó una imagen dinámica de Martin Luther King Jr. en medio de un discurso apasionado en una convención de 1960, flanqueado por una fila de carteles flotantes protestando contra la segregación en las escuelas. Ishimoto también fue objeto de una exposición individual en el Art Institute of Chicago en 1960.

El libro fue diseñado por David-sha y editado por Hideo Kobayashi en 1954 para publicar un fotolibro directo de sus imágenes del sitio. A lo largo del proceso de edición, sin embargo, Tange, a quien Ishimoto invitó a aportar un ensayo, terminó convirtiéndose en el editor y publicista de facto del libro, asumiendo un papel destacado en la selección, recorte, orden y disposición de las imágenes de maneras que expresan sus propias ideas sobre las fuerzas dialécticas de la tradición y la modernidad inherentes a la villa. Tange recortó y agrupó imágenes para enfatizar la presencia de unidades modulares tanto en elementos construidos como naturales (a menudo contra la voluntad de Ishimoto) y las organizó sobre un fondo blanco para realzar la rectilinealidad y dotar a la publicación de un ritmo ordenado.

Tras un proceso de edición prolongado y a veces tenso, que también involucró la participación de Herbert Bayer como diseñador del libro, Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture (a veces abreviado como Katsura) fue publicado en 1960, con una introducción de Walter Gropius y un ensayo de Tange. El libro tuvo un impacto resonante en arquitectos tanto en Japón como en el extranjero, alimentando el discurso ideológico continuo y los debates sobre las características de la arquitectura japonesa de posguerra, y presentando una visión radical de una estructura tradicional previamente fuertemente regulada durante un periodo de intenso cambio social y cultural en Japón.

De 1976 a 1982, el Ministerio de Hacienda Imperial llevó a cabo una rigurosa renovación de la estructura residencial más grande del complejo de Katsura, el Goten. Después de recibir un encargo de la casa editorial Iwanami Shoten, Ishimoto volvió al sitio en noviembre de 1981 y febrero de 1982, esta vez fotografiando la villa en blanco y negro y en color con una cámara Sinar y una variedad de lentes. Las imágenes en color se publicaron como Katsura Villa: Space and Form en 1983 con Iwanami Shoten en Japón, y en 1987 con Rizzoli en Estados Unidos, y tanto la apariencia de la villa como el diseño del libro difirieron significativamente de la versión de 1960 editada por Tange. La segunda publicación, para la cual Arata Isozaki aportó una sustancial ayuda y contribuyó con un ensayo, presentó imágenes mucho más expansivas en su encuadre, abrazó la ornamentación y la diversidad cromática, y consideró los detalles de diseño dentro de sus contextos arquitectónicos en lugar de destacarlos mediante el aislamiento. Isozaki describió el nuevo enfoque de Ishimoto hacia Katsura como una visión de “de-modernización”, presentando la villa centenaria en un campo de visión completamente transformado que abraza la coexistencia de elementos variados y heterodoxos compartiendo el mismo entorno.

Tras la publicación de Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture, Ishimoto continuó fotografiando edificios arquitectónicos por todo el mundo, manteniendo su intenso interés en las cualidades atmosféricas del espacio y las insinuaciones del detalle estructural. Recibió un encargo para rastrear la expansión del Islam a partir de Córdoba, España, y recorrió Asia hasta Fatehpur Sikri, India, y Xi’an, China. Los resultados del viaje se publicaron como Islam: Space and Continent en 1980. Ishimoto mantuvo estrechos lazos con muchos arquitectos modernos, incluidos Kenzo Tange, Arata Isozaki y Hiroshi Naito, y fotografió muchos de sus edificios. En 1974, fotografió el trabajo de los arquitectos Charles Sumner Greene y Henry Mather Greene de Greene and Greene en California para la revista japonesa de diseño Approach.

En 1993, Ishimoto fue invitado a fotografiar el Ise Grand Shrine durante la 61ª iteración del proceso ceremonial de desmontaje y reconstrucción, que tiene lugar cada veinte años. Ishimoto tomó ideas de la serie de detalles arquitectónicos fotografiados por Yoshio Watanabe en 1953, acentuando las formas claras de los aleros y postes. En contraste con Watanabe, que capturó sus imágenes a última hora de la tarde para crear un aura más dramática con contrastes marcados de luz y sombra, Ishimoto optó por trabajar con iluminación de mediodía, infundiendo al conjunto un aire más suave y melancólico.

Aunque quizás sea más conocido por su trabajo en blanco y negro en Katsura y Chicago, Ishimoto ya había comenzado a experimentar con la fotografía en color desde sus días en el ID, y empezó a usarla con más intensidad más tarde en su carrera.

Durante su segunda estancia en Chicago, Ishimoto comenzó a experimentar con exposiciones múltiples en película color, superponiendo siluetas con filtros de color para crear formas abstractas y transparentes que estaban sujetas a la casualidad fotográfica e inevitabilidad. Estas técnicas se utilizaron más tarde en su serie Color and Form (Iro to Katachi) (2003), un examen de las formas sensuales y abstractas de varios tipos de flora.

En 1973, fotografió centenares de deidades budistas representadas en los Mandalas de los Dos Mundos (Ryōkai Mandala) conservados dentro del templo Tō-ji (también conocido como Kyō-ō-gokoku-ji) en Kyoto. Al usar película en color y flash, Ishimoto capturó los tonos vibrantes y los intrincados detalles de obras que normalmente se mantenían en oscuridad por motivos de conservación. Su experiencia fotografiando los mandalas intensificó sus intereses en la presencia de la tradición en la vida contemporánea y jugó un papel en desplazar su anterior inclinación hacia la belleza “sustractiva” (reflejada en sus ásperas fotografías de Katsura) hacia un modo estético que abrazara las fuerzas aparentemente contradictorias del mundo y las leyera como co-constitutivas e mutuamente interdependientes, una forma de pensamiento modelada por los principios del budismo esotérico.

Ishimoto expresó las siguientes reflexiones sobre el efecto de los mandalas en su actitud hacia la visión fotográfica: “Los fotógrafos tienden a recoger las cosas buenas y empujar todo lo demás fuera del marco. Pero con las Budas del mandala, los mandalas afirman audazmente los elementos humildes de la existencia humana en lugar de eliminarlos cuando se intenta alcanzar la iluminación. En lugar de recortar las cosas malas, llegué a pensar que el espacio enmarcado necesitaba ser una versión condensada de todo”. Las fotografías fueron publicadas por Heibonsha en 1977 como una edición especial de coleccionistas con caja titulada The Mandalas of the Two Worlds: The Legend of Shingon-in, y se presentó en una exposición itinerante organizada por Seibu Museum of Art y diseñada por Ikko Tanaka.

En “Food Journal/Wrapped Foods” (Shokumotsushi/Tsutsumareta shokumotsu) (1984), Ishimoto fotografió artículos alimentarios cotidianos del supermercado, acentuando lo extraño de peces y verduras extendiéndose contra el envoltorio plástico y el poliestireno destacando las intensas cualidades cromáticas de sus sujetos contra fondos negros, y tiñéndolos en un tono azul-verde que recordaba la apariencia clínica de las radiografías. La serie también llama la atención sobre el auge del consumismo masivo en Japón de los años 80 y las ansiedades que Ishimoto, como alguien que creció en una familia de clase trabajadora durante una época de escasez, sentía respecto a la pérdida de distintividad y seguridad alimentaria que vino junto con el rápido crecimiento industrial y comercial." (Wikipedia)