André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Este escultura abstracta del renombrado artista suizo André Ramseyer (1914-2007) fue adquirida directamente del artista alrededor de 1970 y es característico de su estilo, fuertemente influenciado por la abstracción geométrica de Henry Moore. Su obra de este periodo se centra en la interacción entre lo “lleno y vacío”, siendo el agujero circular en la escultura un elemento clásico de su lenguaje. Aunque muchos de sus trabajos más conocidos están fundidos en bronce, también trabajó con piedras como el mármol y la alabastrita. Esta pieza específica parece estar hecha de un tipo de mármol pulido. La escultura está numerada 1/1 y lleva su monograma característico. Las dimensiones son 28 cm de largo, 18 cm de alto y 12 cm de profundidad. Las últimas 3 fotos son de obras comparables de la misma época.

Origen
Taller del artista
Familia van Vliet, Eindhoven (1971)

¡Importante!
La base negra maciza no se entrega debido al peso (>25 kg) a menos que la escultura sea recogida.

André Ramseyer
Para André Ramseyer, la escultura fue una verdadera vocación: “No podía hacer otra cosa. Obedecía una llamada interior.” Una vocación que trató de responder, no sin dolor: “Aspirás a un objetivo que se va alejando cuanto más te acercás. El artista siempre está por debajo de lo que quisiera lograr. Es una fuente de sufrimiento y a la vez una fuente de inspiración,” confesó a Dominique Bosshard (en la Neuchâtel Express, 31 de enero de 2004) a sus 90 años.

Después de estudiar con Léon Perrin (1886-1978) en La Chaux-de-Fonds y de asistir a las Free Academies de Montmartre y Montparnasse en París, André Ramseyer trató el cuerpo humano en un estilo que reflejaba su admiración por maestros como Rodin (1840-1917) y Maillol (1861-1944). La última obra figurativa del escultor es La Danzante, que mira hacia la piscina en el centro del jardín formal frente al Hôtel DuPeyrou en Neuchâtel. Fue un hito importante en su carrera: primero, porque fue su primer encargo oficial de gran envergadura, y segundo, porque el trabajo provocó controversia. Ramseyer tuvo que defenderse ante un grupo de opositores que defendían el arte tradicional. Pasaron cinco años hasta que la obra fue revelada, a pesar de que el proyecto original del escultor ya databa de 1948.

Tras su periodo en el taller de Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer se inclinó gradualmente hacia la abstracción. Las figuras de los pares que esculpía adoptaron formas simplificadas y refinadas, con espacios vacíos entre sus cuerpos. Explicó su desarrollo de la siguiente manera:

"Fue en 1948, tras La Danzante en el Hôtel DuPeyrou, cuando me distancié del arte figurativo. Después de pasar un año en París, trabajé junto al escultor Ossip Zadkine. Bajo su influencia me fui convirtiendo poco a poco en una forma de libertad que tanto había deseado." Zadkine siguió siendo un escultor figurativo, pero se permitió libertades con el cuerpo humano, libertades que he adoptado, como en Confort, una escultura que ahora está en la plaza central de Biel/Bienne; sigue siendo el cuerpo masculino y femenino, pero tratado con gran libertad." (¹)

Cuando Ramseyer se atrevió a la abstracción, este arte fue criticado acérrimamente por el gran público y por muchos artistas, como Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) y Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ramseyer cuenta que este último, durante una estancia en París, se vio tentado de pintar de forma no figurativa, pero desistió. “Ante una escultura de Marino Marini me dijo incluso: ‘Esto no es para nosotros’.” En cuanto a Léon Perrin, evaluó la obra de su antiguo alumno como ahora “infantil, ¡casi una perdición!”²

Los pintores amigos de Ramseyer, como Georges Froidevaux y Claude Loewer, que también se habían volcado hacia el arte abstracto, se encontraron con el mismo incomprensión: la gente de Neuchâtel simplemente no miraba. Pero la región de Neuchâtel y el Jura protagonizaron, desde los años cincuenta, una entrada espectacular en la era del arte moderno; el escultor André Ramseyer fue uno de los primeros en aventurarse a abandonar el figurativismo y dotó sus exploraciones del círculo de una dimensión personal, aunque sus obras mostraban ecos de Jean Arp o Henry Moore (que descubrió en 1950 en el Kunstmuseum de Berna).

Estas exploraciones formales se volvieron cada vez más innovadoras, con el riesgo de herir aún más la sensibilidad del público neuchâtelois, que seguía siendo en gran medida inaccesible al arte abstracto. Así escribió la Courrier de Genève en 1960, tras la inauguración de una escultura en la fachada del edificio de Winterthur aseguradora en Neuchâtel:

"Para aquellos interesados –y creemos que son muchos– queremos señalar que el motivo de bronce en la fachada del edificio, creado por el escultor Ramseyer, lleva el título Envol (Vuelo), lo cual es bueno saber".² El escultor quería, una vez más, integrar la obra en la arquitectura. Ramseyer explicó esto en La Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Para este edificio tan moderno, la finalidad era elegir un motivo sencillo, apto para el exterior, visible de lejos y también para los automovilistas, incluso para los que pasaban rápido.” Elegí un juego de curvas que, en contraste, enfatizaba las verticales y horizontales del edificio. Era necesario crear un ritmo ascendente, obedeciendo al gran movimiento ascendente de la fachada y a la larga pared rectangular que se debía ornamentar. Quiero subrayar que esta obra –que llamé Vuelo– no representa nada en sí misma. Es un elemento escultórico en el que solo se debe ver un juego de formas y ritmos. La arquitectura contemporánea exige una escultura contemporánea.”⁴

André Ramseyer creó innumerables obras monumentales y entabló un diálogo dinámico con la arquitectura. Siempre estuvo decidido a integrarse en el espíritu del lugar, jugando con el espacio, la luz y los materiales de esos lugares. Según Olivier Bauermeister, las esculturas de Ramseyer generan “gradualmente el espacio que necesitan, en un movimiento ininterrumpido de inicio y fin.”5

Ramseyer encontró un camino original al multiplicar variaciones de la forma circular. Para él, “la esfera es la más hermosa de todas las líneas...”. También dio un lugar central al “místico del vacío” que habita y penetra la forma. Los extremos opuestos de lo material y lo inmaterial se fusionan de esta manera. El artista decía que sus obras se desarrollaban en el espacio, tal como el espacio las impregnaba. Quería que “irradiaran desde dentro.” En su monografía sobre el artista de 1979, Marcel Joray escribe: “Formas nacidas de la circunferencia, símbolo del cielo, y de secciones nacidas del cuadrado, símbolo de la tierra, se multiplican. La circunferencia se convertirá en la forma central de todas las esculturas de Ramseyer, que buscan lograr la señal, la materia desatada.” El escultor repite este punto (en L’Express, 31 de enero de 2004): “En una obra hay materia, espacio, luz, toda la habilidad que se puede poner en ello. Pero debe existir una dimensión extra, esencial, que yo llamaría espiritual. La obra transmite sus propias vibraciones.”

La serie Cantata of Gates of Day (1988-1990) ocupa un lugar único dentro de su obra. Ramseyer caminó repetidamente junto a las tablas de granito que su vecino, un cantero, había apilado en su taller. Un día sintió la necesidad de hacer hackear esas placas para extraer formas arquitectónicas y añadir grabados sutiles, como homenaje al propio material. Este enfoque disgustó a muchos y incluso el propio artista tuvo sus reservas.

Ramseyer habló varias veces de su trabajo, en entrevistas y conferencias. También escribió los textos para la segunda parte de la monografía que Ediciones du Griffon publicó en 1994.