André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Este escultor abstracto, de la renombrada artista suizo André Ramseyer (1914-2007), fue adquirido directamente del artista alrededor de 1970 y es característico de su estilo, fuertemente influido por la abstracción geométrica de Henry Moore. Su obra de este periodo se centra en la interacción entre el “lleno y el vacío”, siendo el agujero circular en la escultura un elemento clásico de su lenguaje. Aunque muchos de sus trabajos más conocidos están fundidos en bronce, también trabajó con tipos de piedra como el mármol y el alabastro. Esta pieza específica parece estar hecha de una piedra de mármol pulido. La escultura está numerada 1/1 y lleva su monograma característico. Las dimensiones son 28 cm de largo, 18 cm de alto y 12 cm de profundidad. Las últimas 3 fotos son de obras similares de la misma época.

Procedencia
Taller del artista
Familia van Vliet, Eindhoven (1971)

¡Importante!
La base negra maciza no se entrega debido a su peso (>25 kg) a menos que la escultura sea recogida.

André Ramseyer
Para André Ramseyer, la escultura fue un verdadero llamado: “No podía hacer otra cosa. Obedecía un llamado interior.” Un llamado al que trató de responder, no sin dolor: “Aspiras a un objetivo que se aleja cada vez más a medida que te acercas. El artista siempre se queda corto de lo que quisiera lograr. Es una fuente de sufrimiento y, al mismo tiempo, una fuente de inspiración,” recordó a los 90 años a Dominique Bosshard (en Neuchâtel Express, 31 de enero de 2004).

Después de estudiar con Léon Perrin (1886-1978) en La Chaux-de-Fonds y tras tomar clases en las Academias Libres de Montmartre y Montparnasse en París, André Ramseyer trató el cuerpo humano en un estilo que reflejaba su admiración por maestros como Rodin (1840-1917) y Maillol (1861-1944). La última obra figurativa del escultor es “La Danzante”, que mira hacia la piscina en el centro del jardín formal frente al Hôtel DuPeyrou en Neuchâtel. Fue un hito importante en su carrera: primero, porque fue su primer encargo grande oficial, y segundo, porque la obra generó controversia. André Ramseyer tuvo que defenderla ante un grupo de oponentes que se aferraban a un arte tradicional. Pasaron cinco años antes de que la obra fuera revelada, a pesar de que el proyecto original del escultor ya databa de 1948.

Tras su tiempo en el taller de Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer se movió gradualmente hacia la abstracción. Las figuras de los pares que esculpía adquirieron formas simplificadas y refinadas, con espacios vacíos entre sus cuerpos. Explicó su desarrollo así:

"Fue en 1948, tras La Danzante en el Hôtel DuPeyrou, cuando me alejé de la pintura figurativa. Después de pasar un año en París, trabajé junto al escultor Ossip Zadkine. Bajo su influencia me fui moviendo lentamente hacia una forma de libertad que tanto había deseado." Zadkine siguió siendo un escultor figurativo, pero tomó libertades con el cuerpo humano, libertades que yo asimilé, como en “Consolación”, una escultura que ahora se encuentra en la plaza central de Biel/Bienne; sigue siendo el cuerpo masculino y femenino, pero tratado con gran libertad.”¹

Cuando Ramseyer se aventuró en la abstracción, este arte fue muy críticado por el gran público e incluso por muchos artistas, como Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) y Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ramseyer cuenta que el último, durante una estancia en París, estuvo tentado de pintar no figurativo, pero se abstuvo. “Frente a una escultura de Marino Marini me dijo incluso: ‘Esto no es para nosotros.’” En cuanto a Léon Perrin, evaluó la obra de su antiguo alumno ahora como “infantil, ¡casi una perdición!”²

Los colegas pintores amigos de Ramseyer, como Georges Froidevaux y Claude Loewer, que también se habían volcado hacia el arte abstracto, se toparon con el mismo incomprensión: el público de Neuchâtel simplemente no lo miraba. no pudieron seguir el ritmo. Sin embargo, la región de Neuchâtel y el Jura hizo una entrada espectacular en la era del arte moderno a partir de los años cincuenta; el escultor André Ramseyer fue uno de los primeros en abandonar el arte figurativo y dio a sus exploraciones del círculo una dimensión personal, aunque su obra también mostraba ecos de Jean Arp o Henry Moore (que descubrió en 1950 en el Kunstmuseum de Berna).

Estas exploraciones formales fueron cada vez más innovadoras, con el riesgo de herir las sensibilidades del público neuchâtelense, que seguía siendo en gran parte poco receptivo al arte abstracto. Así escribió la Courrier de Genève en 1960, tras la inauguración de una escultura en la fachada del edificio de seguros Winterthur en Neuchâtel:

“Para los que estén interesados –y creemos que son muchos– queremos señalar que el motivo en bronce de la fachada del edificio, realizado por el escultor Ramseyer, lleva el título Envol (Fuga), lo cual es bueno de saber.”³ El escultor quería, una vez más, integrar la obra en la arquitectura. Ramseyer explicó esto en la Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Para este edificio tan moderno, el objetivo fue elegir un motivo sencillo, apto para estar al aire libre, visible desde lejos y también para los automovilistas, incluso para los que pasan rápidamente.” Elegí un juego de curvas que, en contraste, enfatizaba las verticales y horizontales del edificio. Era necesario crear un ritmo ascendente, obedeciendo al gran movimiento hacia arriba de la fachada y la larga pared rectangular que debía ser decorada. Quiero subrayar que esta obra —a la que llamé Fuga— no representa nada en particular. Es un elemento escultórico en el que solo hay que ver un juego de formas y ritmos. La arquitectura contemporánea exige una escultura contemporánea.”⁴

Ramseyer creó innumerables obras monumentales e inició un diálogo dinámico con la arquitectura. Siempre estuvo decidido a integrarse en el espíritu del lugar, jugando con el espacio, la luz y los materiales de esos lugares. Según Olivier Bauermeister, las esculturas de Ramseyer generan «gradualmente el espacio que necesitan, en un movimiento ininterrumpido de inicio y final.»5

Ramseyer encontró un camino original al multiplicar variaciones sobre la forma circular. Para él, "la esfera es la más hermosa de todas las líneas..." También dio un lugar central a la “magia del vacío” que habita la forma e la penetra. Los extremos opuestos de lo material e inmaterial se unen así. El artista solía decir que sus obras se desplegaban en el espacio, tal como el espacio las impregnaba. Quería que “irradiaran desde dentro”. En su monografía sobre el artista de 1979, Marcel Joray escribe: “Formas nacidas de la circunferencia, símbolo del cielo, y de secciones nacidas de la cuadrícula, símbolo de la tierra, se multiplican. La circunferencia se convertirá en la forma central de todas las esculturas de Ramseyer, que buscan alcanzar el signo, la materia desmaterializada.” El escultor repite este punto (en L’Express, 31 de enero de 2004): “En una obra de arte hay materia, espacio, luz, toda habilidad que se pueda expresar en ella. Pero debe haber una dimensión adicional, esencial, que yo llamaría espiritual. La obra de arte emite sus propias vibraciones.”

La serie Cantata of Gates of Day (1988-1990) ocupa un lugar único dentro de su obra. Ramseyer pasó varias veces junto a las placas de granito que su vecino, un cantero, tenía apiladas en su taller. Un día sintió la necesidad de tallar formas arquitectónicas a partir de esas placas y añadir grabados sutiles como homenaje al propio material. Este enfoque inquietó a muchos y el propio artista tuvo dificultades con ello.

Ramseyer habló varias veces de su obra, en entrevistas y conferencias. También escribió los textos para la segunda parte de la monografía publicada en 1994 por Éditions du Griffon.